LAS CHICAS DEL ROCK. 2. JANIS JOPLIN

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Continuamos con nuestra mini –sección dedicada a las chicas del rock con un símbolo de la contracultura de los 60, una mujer que rompió moldes en todos los sentidos, más excesiva incluso que Jim Morrison en el consumo de alcohol y drogas, desmesurada en el sexo, amante de la soledad y muy insegura en lo afectivo. Una mujer que tuvo los santos ovarios de destinar 10.000 dólares de su testamento para que sus amigos se corrieran una juerga salvaje tras su muerte. Os hablo de Janis Joplin.

Janis nació en Texas en 1943, hija de trabajadores que soñaban con que su hija fuera maestra. Ya en el primer año de instituto, se unió a una pandilla de beatniks, ya sabéis, jóvenes con inquietudes intelectuales y preocupados por el racismo y las injusticias sociales que no eran precisamente populares en la ideología mojigata estadounidense de aquella época (bueno, de cualquier época). Con 16 añitos, ya gustaba de frecuentar los bares de Lousiana donde escuchaba música negra y empezó a cantar, aunque no lo empezó a hacer de forma habitual en garitos hasta que se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Texas, donde también empezó a alimentar la leyenda de ilustre alcohólica. Empezó a hacerse realmente conocida en 1963, cuando se trasladó a San Francisco, donde también empezó su idilio con las drogas (con todas), llegando a pesar 32 kilos.

En 1965 decide volver a ser una chica buena, dejar los excesos, volver a matricularse en la Universidad y casarse con su gran amor, Peter Le Blanc. Pero Peter la abandona en el altar y eso marcó definitivamente su inseguridad afectiva y el regreso definitivo a los excesos de alcohol, drogas y sexo con la condición casi inexcusable de que sus amantes (de cualquier raza, sexo, estatura o estado civil) no duraran más de una semana. Es por éllo que no voy a relataros su lista de amantes, que no tenemos una semana. Os nombraré a algunos: Eric Clapton, Jimy Hendrix, Leonard Cohen o Jim Morrison (joder, ¿a quién no se tiró Jim Morrison?).

Flirtea con la psicodelia y el rock progresivo, pero lo que realmente la llena es el Blues, ha nacido para ello. Se une a varias bandas y actúa en el histórico Festival de Monterrey en el 67, donde deja boquiabierto al personal con su versión de “Ball and Chain” (mítico blues de Big Mama Thornton).

Graba con los Big Brother and the Holding Company el disco “Cheap Thrills”, del que se venden un millón de copias en menos de un mes. Queda patente que es demasiado buena para el grupo, además de querer derivar más su música hacia el blues, por lo que abandona la banda y empieza a buscar músicos para su nuevo proyecto, la “Kozmic Blues Band”, pero su nuevo disco “I Got Dem Old Kozmic Blues Again Mama” no tiene éxito en USA y decide girar por varios países de Europa, donde el éxito es arrollador. A pesar de que su enganche a la heroína ya es irreversible, se ha convertido ya en un símbolo de rebeldía para las mujeres de su época.

Actúa de forma memorable en el Festival de Woodstock, teniendo que hacer bises de “Ball and Chain” y “Piece of my Hart”, pero había un problema: sus músicos eran “demasiado profesionales”, y élla quería sentirse como en familia, por lo que a finales del 69 la banda se separa y Janis se va de viaje con una amiga al carnaval de Río de Janeiro y –de paso- intentar desengancharse (posiblemente no fuera el ambiente más propicio). Allí conoce a David Niehouse, se enamoran y recorren durante unos meses la selva de Brasil y regresan a San Francisco. Ya de vuelta, y con todos convencidos de que Janis se ha desenganchado de la heroína, forma una nueva banda, la “Full Tit Boggie Band” y actúan en el “Festival Express”.

En septiembre de 1970 se traslada a Los Angeles a grabar “Pearl” (por favor, no os perdais este disco). El 4 de octubre, para celebrar una buena sesión de grabación, se va de copas con los compañeros y coge una cogorza monumental, se va al hotel y allí muere debido a una sobredosis de heroína de una pureza inusual (se habló del 40%, cuando no es habitual que sobrepase el 5 % de pureza). Fue entonces cuando su entorno se dio cuenta de que en absoluto se había desenganchado. Seguro habréis leido en Internet especulaciones varias sobre los misterios que rodearon su muerte, la desaparición de jeringuillas de la habitación, que si había alguien más allí, etc.etc. ¿qué más da?

Solo cuatro semanas después de su muerte, “Pearl” sale al mercado y es número uno quince semanas seguidas. Como curiosidad, os diré que el tema “Mercedes Benz” está a capella (sin música) porque fue el último que grabó Janis y como homenaje a élla decidieron no añadirle la música, que ya estaba pregrabada. Las cenizas de Janis Joplin se arrojaron al Océano Pacífico.

Aparte de los temas de Janis, os recomiendo un disco del 2007, “Buried Alive In The Black”, un tributo a Janis Joplin de cantantes femeninas de Metal, entre las que figuran Angela Sin, Liv Kristine o Sarah Jezebel Deva, de “Cradle of Filth”. Y tampoco creo que os disguste la película de 1979 “La Rosa”.

SUZI QUATRO

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LAS CHICAS DEL ROCK. 1. SUZI QUATRO

Alguien que controla mucho de música me ha hecho llegar una sugerencia muy interesante: hacer alguna reseña en el blog dedicada a las chicas en el Rock. Ciertamente, en comparación con la aportación masculina, la presencia de mujeres en el Rock ha sido –desgraciadamente- escasa. La época gloriosa de nuestra música favorita (parte de los 60’ y todos los 70’) no se caracterizaba precisamente por ser una época de igualdad social en cuanto a género, por lo que las pocas mujeres que se hicieron un hueco en un mundo reservado a los hombres, tienen un mérito especial.

Iniciamos hoy una serie de reseñas en las que intentaremos acercaros la vida y obra de algunas de las chicas que dejaron su huella en el Rock. No pretendo que el orden sea por importancia, más bien aleatorio, pero teneis que perdonarme una pequeña licencia: voy a comenzar por una muchacha que me gustó muchísimo (en todos los sentidos) en mi adolescencia, pues sus discos (y algún poster) compartían estantería en mi habitación con los de Hendrix, los Zeppelín, los Purple o los Stones. Estoy hablando de Suzi Quatro.

Suzi (en realidad Susan Key) nació en el año 1950 en Detroit, de padre italiano y madre húngara. Cantaba, y tocaba de coña el bajo y el piano. Y no sé por qué hablo en pasado, pues aún hoy sigue dando algún concierto, básicamente en Europa, donde siempre fue más apreciada que en los USA.

Tomó clases de piano, siguiendo la tradición familiar y empezó en el Rock creando junto a sus tres hermanas bandas como “Pleasure Seekers” y “Craddle”. A principios de los 70 se trasladó al Reino Unido con un contrato de grabación. Su primer sencillo “Rolling Stone” fue un fracaso (sólo gustó en Portugal), pero con “Can the Can” fue número uno en Europa en el 73. después llegarían más éxitos, como “Daytona Demon”, “48 crash” y “Devil Gate Drive”.

Sin embargo, el éxito le era esquivo en Estados Unidos, a pesar de ser a telonera habitual en las giras de Alice Cooper. A mediados de los 70 su carrera sufre un bajón, del que se recupera con el grupo “Smokie” y el tema “Stumblin’ in” en 1979. a principios de los 80 vuelve a triunfar con el tema “Rock Hard”, que sería su último gran éxito.

A partir de entonces, colaboraciones con “Bronski Beat”, “The Kinks”, matrimonios, churumbeles, divorcios, más matrimonios, concursos de televisión del tipo “Supervivientes”, voces en películas…Actualmente vive en Inglaterra, donde tiene un programa en la radio de la BBC. La podéis buscar en Youtube (ah…la tecnología es maravillosa…), pero os recomiendo temas como “Rock Hard”, “48 Crash”, “Back to the Drive”, “Devil Gate Drive”, “Glycerine Queen”, o “I’ve Never Been in Love”.

JIMY HENDRIX (III) http://www.youtube.com/watch?v=cIvs4j4IniA

PARTE III. EL FINAL DE LA JIMY HENDRIX EXPERIENCE. WOODSTOCK. MUERTE DE JIMY HENDRIX.

El productor Chas Chandler cada vez tenía más desencuentros con Jimy, pues sus intentos de que el guitarrista se ciñera a criterios comerciales, por ejemplo intentando que los temas no superaran los 5 minutos, se encontraban con la heterodoxia de Hendrix tanto en el modo de concebir las canciones como las grabaciones. Así, el siguiente álbum, “Electric Ladyland”, tiene una gestación muy problemática que concluye con el abandono de Chandler, por lo que Jimy toma el mando y el resultado es un disco con el visionario estilo ácido del guitarrista, compaginando breves riffs con larguísimas jam sessions instrumentales y de un tono claramente psicodélico.

Hendrix cada vez manifestaba más indisciplina en las grabaciones. Contrató a grandes músicos: Al Kooper (teclados), el bajista de los Jefferson Airplane, Jack Cassidy, el batera Buddy Miles y el pianista de Traffic, Steve Winwood. Jimy ordenó grabarlo todo: infinitas jam sessions de prueba, sesiones preparatorias de afinación, modificaciones, ampliaciones. Nada tenía sentido a no ser el instinto brutal de Hendrix. No es extraño, pues, la cantidad de material inédito surgido a raiz de la muerte de Jimy, fruto de ese contínuo hacer y deshacer. Sirva de ejemplo el tema “Gipsy Eyes”, del que existen 43 versiones diferentes hasta que el guitarrista encontró una de su agrado.

No sólo Chandler abandonó el barco enfadado. El bajista Noel Redding también tenía cada vez más enfrentamientos con Hendrix. Más de una vez, después de una bronca con Jimy, abandonaba unos instantes el estudio para calmarse y –cuando regresaba- se encontraba con que la línea del bajo ya estaba grabada por manos del propio Hendrix durante su ausencia.

Electric Ladyland es un album inclasificable (rock Progresivo, quizás) que dejó auténticos temazos, como “Have you ever been to electric ladyland”, “Long hot summer night”, “Gipsy Eyes”, “House burning down”, una impresionante versión del tema de Bob Dylan “All along the watchtower” y sobre todo “Voodoo Chile”.

La última aparición exitosa de la banda tiene lugar a principios del 69, llenando dos días el Royal Albert Hall de Londres. En otras apariciones, surgen enfrentamientos violentos con el público, utilización de gases lacrimógenos por parte de la policía, destrozos de hoteles, detenciones por posesión de heroína, más arrestos en Canadá… “The Jimy hendrix Experience” estaba muerta.

Uno de los eventos más representativos de la historia de la música fue sin duda el Festival de Woodstock de 1969. La emergencia hyppie, las protestas contra la intervención en Vietnam, el talento innovador de los grupos del momento…todo éllo era un caldo de cultivo idóneo para que aquellos “tres días de paz, amor y música” de agosto fueran memorables. La organización del evento dispuso que Jimy Hendrix cerrara el festival la última noche, pero problemas técnicos y una violenta lluvia el día anterior, hicieron que su performance se retrasara a la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los días anteriores (500.000 espectadores de pago) se redujo considerablemente y para el show de Hendrix, apenas quedaban 150.000 personas exhaustas y desganadas.

El guitarrista se presentó en el escenario con una formación inédita, presentada por el speaker como “The Jimy Hendrix Experience”, pero el propio Jimy rectificó de inmediato, presentándose como “Gipsy Sun and the Rainbows”. Logró una exhibición de más de dos horas, siendo el hecho más sobresaliente la célebre transformación del himno de Estados Unidos, interpretado de una manera feroz, con salvajes efectos de bombardeos, sirenas antiaéreas y ruidos de batallas, todo utilizando únicamente su guitarra. Con esa interpretación se acallaban algunas teorías que afirmaban que Jimy era favorable a la intervención en Vietnam, lo cual también se descarta cuando escuchamos el tema “Machine Gun”, de su último album “Band of Gypsys”, un disco grabado en vivo.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres, James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann alegó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido. Hendrix muere a los 27 años de edad, al igual que Robert Johnson, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones o Kurt Cobain.

Hendrix fue un músico autodidacta, sin estudios musicales, lo cual no fue impedimento para lograr una musicalidad expresiva, llena de matices. Logró sonidos naturales, creando secuencias más allá de lo que una guitarra podía dar de sí. Fue el mayor innovador de la historia, logró riffs llenos de poder y su genio y talentos incomparables elevaron a la guitarra a las más altas cotas de fuerza, acidez y sensaciones alcanzadas jamás.

JIMY HENDRIX ( II )

PARTE II. THE JIMY HENDRIX EXPERIENCE. LA CONSAGRACIÓN.

Llegamos a 1966, el año definitivo en la carrera de Jimy Hendrix. Conoce a la entonces novia de Keith Richards, Linda. Se hacen muy amigos y Linda le presenta a un sinfín de managers y productores que no se llevan buenas impresiones de las ideas de Jimy, excepto Chas Chandler, por entonces bajista de The Animals. Chandler enseguida intuyó que Hendrix tenía muy buenas perspectivas y le convenció de que un buen single de lanzamiento podría ser una versión personal y agresiva del tema de blues de Billy Roberts “Hey Joe”. El resultado entusiasma a Chandler, que se lleva a Londres a Jimy para firmar un contrato y buscar músicos adecuados para formar un Power Trio, un tipo de banda muy de moda en la época gracias a “Cream”. Los elegidos fueron el guitarrista Noel Redding y el superbatería Mitch Mitchell…había nacido “The Jimy Hendrix Experience”.

El sonido del trío arrasó en Europa. La salvaje actitud de Hendrix en vivo, daba lugar a unos conciertos sin precedentes, hasta el punto que personajes como Eric Clapton o Jeff Beck (Yardbirds) se rendían ante el nuevo talento. Sale al mercado su primer disco “Are You Experienced?”, con “Hey Joe” como tema estrella, además de otros como “Stone Free”, un blues áspero y alucinógeno, “Purple Haze”, “The Wind Cries Mary” y algunos temas clásicos del blues. La respuesta en ventas del album fue excelente, quedando en segundo lugar, solo por detrás del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de los Beatles, por lo que aprovechan el éxito para preparar el desembarco en USA.

La ocasión se presentó en Junio del 67, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney - a la histórica edición del Festival de Monterrey. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en Estados Unidos, su actuación sería inmortalizada en el documental que se hizo del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micro y hasta contra el amplificador, causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, plantó fuego a la guitarra con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis alucinante.

El segundo disco de la banda, ya entonces consagrada mundialmente, se tituló “Axis: Bold As Love”. También nació marcado por la vena ácida y experimental del primero, pero con un sonido menos áspero y más cercano al funk y al rhythm and blues. Contiene temas imprescindibles, como “Spanish Castle Magic”, “EXP”, “Little Wing”, “Bold As Love” y otros.

Una curiosidad de la salida del disco fue que Hendrix diseñó la portada de tal modo que se resaltaran sus orígenes indígenas, refiriéndose a la tribu de piel roja nativa de Norteamérica de su madre, pero el estudio gráfico británico se equivocó totalmente, y el resultado fue una portada en la que Hendrix, Redding y Mitchell lucen la vestimenta de las deidades hindúes Durga y Visnú.

De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Estocolmo por algunos compromisos, Hendrix es arrestado después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol.

DERROCHE

Estos auténticos rockeros ourensanos, nos sorprendieron muy gratamente cuando nos visitaron en el Sitio para presentarnos su disco “Parte del día y toda la noche” (a la venta en nuestro pub por tres putos euros, no seais ratas). En un principio llamados “Alimaña”, nacen en el 2006 con todas las ganas de comerse el mundo, pero aciertan al cambiarle el nombre a la banda, pues lo que estos amiguetes hacen en un escenario es un auténtico “derroche”: de ganas, de entrega, de técnica, de voz y de potencia.

“Derroche” lo componen: Borja “ciruelo”, guitarra rítmica, composiciones, voz y un animal del escenario. Manuel Feijoo “karka” , coros y guitarra solista (¡ y vaya solista ¡). Javier Iglesias, batería (brutal es la palabra) y Ricardo Vázquez Somoza (pimiento), bajo, marcando la pauta.

Recientemente, han teloneado a Los Suaves, y si no los habéis escuchado, no sé a qué coño estais esperando.

ROBER BODEGAS

No podíamos inaugurar de mejor forma el ciclo de actuaciones en vivo en nuestro Pub. Nos visitó el monologuista Rober Bodegas. Ganador del programa de TV "El rey de la comedia" (entre 3.000 aspirantes) y conocido por su colaboración en el programa de La Sexta "Sé lo que hicísteis" (si, si, ése donde sale Pilar Rubio) además de por ser la imagen de Estrella Galicia. (¿por eso no quisiste fotografiarte con una Heineken en la mano, Rober?).
Rober ha estudiado comedia con gente como Jango Edwards o Leo Bassi, y vaya si se nota.
Desde su paso por el "Sitio", y después de convencernos de que su Carballo natal es más peligrosa que el Bronx, ya no somos los mismos cuando nos queremos comer un yogur (odiamos especialmente los Danacol), subimos intranquilos a los autobuses y noestudiaríamos en la Universidad de la Coruña ni que nos regalaran un piso al matricularnos.
Lo petamos y además nos hicimos risa encima. Hasta pronto, Rober.

JIMY HENDRIX ( I )

PARTE I. INFANCIA, ADOLESCENCIA, COMIENZOS.

Guitarrista, cantante y compositor, pero sobre todo: precursor, genio, innovador, desafiante, brillante…el mejor guitarrista de todos los tiempos. Su exhibición en 1969, cerrando el Festival de Woodstock ya es la imagen señera de la iconografía histórica del rock. Con una ironía brillante, toca el himno nacional estadounidense con una provocadora distorsión para rematar plantándole fuego a su Stratocaster. La evolución del rock no se podría entender sin sus inéditas fusiones.

Esta es la primera parte de la reseña de James Marshall Hendriks (Seattle, 27/11/1942 – Londres, 18/09/1970), el más grande de la historia y nuestro músico de cabecera.

De madre nativa americana y padre afroamericano, el pequeño Jimy tuvo una dura infancia, marcada por las privaciones y el divorcio de sus padres, cuando contaba con 9 años, por lo que su custodia fue otorgada a su abuela Nora.

En un viejo garaje encontró un ukelele, que usó hasta la extenuación hasta que adquirió por 5 dólares una vieja guitarra acústica. ¿Cómo aprendió a tocarla? Practicando constantemente, escuchando discos y mirando cómo tocaban otros. A los 16 años adquiere su primera guitarra eléctrica y –sin amplificador ni nada- empieza a tocar en varias bandas locales. No era un buen estudiante, pero en lo que sacaba las peores notas era en…música.

Deja la escuela y se dedica de lleno a practicar con su guitarra. Sus influencias: Albert King, Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters y Chuck Berry.

Como tantos otros muchachos de su condición, a principios de los 60 y debido a algunos problemillas con la ley, se ve obligado a elegir entre la cárcel y alistarse en el ejército. Elige la segunda opción y es adiestrado en Fort Campbell, pero la aventura militar duró poco. Jimy no encajaba en la férrea disciplina del campamento y probó de todo para que le expulsaran: problemas de espalda debido a un salto en paracaídas, hacerse el loco, provocar peleas…al final, consigue que el psicólogo recomiende su salida del ejército cuando nuestro héroe se declara homosexual. Vaya enfermedad tan terrible.

Una vez fuera del ejército, forma el grupo “King Casuals”, junto a un colega del campamento militar, Billy Cox. Empiezan tocando en garitos de Tennessee, pero pronto se trasladan a Nashville, corazón del Rhythm & Blues de la época, un gran ambiente para desarrollar todo lo que bullía en su cerebro. La mayor definición de su particular estilo se debe en esa época a una frenética actividad, tanto con los Casuals, como sirviendo de soporte a otros músicos en sus giras, como Slim Harpo, Sam Cooke, Jackie Wilson o Tommy Tucker, mientras no dejaba de investigar en las raíces del Blues.

Cuando considera terminado su período de aprendizaje, y harto del ambiente racista del sur de los Estados Unidos, Hendrix decide trasladarse a Nueva York, instalándose en el barrio de Harlem. Allí consolida una amistad con los hermanos Arthur y Albert Allen, que resultaría fundamental para introducirse en los ambientes musicales underground de la Gran Manzana.

Comienza a saborear el éxito en 1964, cuando es contratado para una gira por todo USA por los Isley Brothers, con los que efectúa la grabación de estudio de “Testify”, que se convirtió en un gran éxito. Entre el 64 y el 65, Jimy lleva a cabo unas idas y venidas interminables por todo el país: deja a los Isley Brothers y se une al Gorgeous George Odell Group, a los que deja en Atlanta para sumarse a los Upsetters, grupo de acompañamiento de Little Richard, a quien Hendrix admiraba. Sucedió que Little Richard (una locaza de cuidado) no soportaba que la excesiva teatralidad de Jimy le robara protagonismo. Así, aprovechando que Hendrix pierde el bus del grupo en una ocasión, Richard le despide. Después de un breve período en una gira de Ike & Tina Turner, se une a Curtis Knight & The Squires y a otras bandas que sería muy aburrido pormenorizar.

Llegamos a 1966, cuando forma “Jimmy James And The Blue Flames”, una variada formación entre la que se contaba el amigo Randy Wolfe. Es en esta época cuando comienza a consumir desmesuradamente LSD, marihuana y todo lo que se os ocurra, además de practicar sexo como si se fuera a acabar el mundo. Por cierto, su preferencia eran las mujeres blancas de piel clara, a ser posible rubias. Al tiempo, traba amistad con multitud de músicos que harían enriquecer su estilo, sobre todo al conocer a Frank Zappa, quien instruyó a Hendrix sobre las posibilidades de un nuevo producto: el Wah-wah.

Pronto, la segunda parte.

STEVIE RAY VAUGHAN

Albert King, Ottis Rush, Carlos Santana, Buddy Gay, B.B. King, Eric Clapton... Grandes, ¿verdad?. Pues os diré una cosa: en mi opinión, si alguien merece ocupar el número 2 en la historia de la guitarra (el Number One es Hendrix, of course), ése no es otro que Stevie Ray Vaughan. Imitado hasta la saciedad (Javier vargas parece un clon suyo), ningún guitarrista ha sido tan influyente y ninguno como él ha conjugado, velocidad, técnica y alma. Por cierto, no sabía leer música.

En una de las infumables listas con las que de vez en cuando nos “obsequia” la revista Rolling Stone, SRV aparecía como el 7º mejor guitarrista de la historia. Teniendo en cuenta la comprobada ignorancia de los “entendidos” de dicha revista, estareis de acuerdo conmigo en que Stevie merecerá estar situado unos cuantos peldaños más arriba.

Su primer contacto con el instrumento es a los 7 años, cuando su padre (un músico frustrado) le regala una guitarra de juguete.

Con 15 añitos, forma su primera banda, “The Blackbirds”. Deja la escuela y se traslada a Austin, Texas. A los 20 años adquiere una Stratocaster de la que no se separará jamás. Forma parte de otras bandas, como “The Nightcrawlers”, “Paul Ray and the Cobras” o “TripleThreat Revue”.

En el 78, Stevie monta su banda definitiva, “Double-Trouble”, con la que prácticamente solo se movía por su estado natal de Texas, hasta que actúan en el San Francisco Blues Festival; una grabación del mencionado festival llega a manos de Mick Jagger, que contrata a SRV para una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en New York. Esa actuación contribuye a su presentación en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza), punto de inflexión en su carrera. Obtiene un Grammy por “Texas Flood” y el concierto supone el disco en vivo más increíble de Stevie Ray Vaughan: “Live At Montreux”. A partir de ahí, el reconocimiento internacional con multitud de premios: Mejor Nuevo Talento, Mejor Album y –sobre todo- Mejor instrumentalista de Blues (era la primera vez en la historia que lo ganaba una persona blanca).

Alcanza el estrellato ya con su primer album, “Texas Flood”, y en el 84 lanza “Couldn’t Stand The Weather” (tremendo). Pero algo recurrente en los genios de la música sucede, ¿adivinais a qué me refiero? Premio: las drogas. Queridos niños, no hagais como Stevie, mezclar whisky y cocaina no es bueno. De gira por Alemania, se ve obligado a suspender 13 conciertos pues el colapso por su abuso de estupefacientes es insuperable. Edita el album “Soul To Soul” y vuelve a la escena en el 87, digamos que “casi recuperado”. Posteriormente, otro disco en directo (“Live Alive”) y en el 89 su último álbum: “In Step”.

El 27 de agosto de 1990 llega el fatídico día. Realiza un brutal concierto con Eric Clapton y se dispone a regresar a Chicago. Muchos conoceréis las “habladurías” acerca de Clapton y su pacto con Satanás en un cruce de caminos del Sur. Yo no digo nada…pero…Stevie iba a volver del concierto en coche, y Eric Clapton insistió en que le acompañara en su avión privado. Stevie aceptó:

“De acuerdo, Eric, me vuelvo en tu avión”

“Bueno, Stevie, exactamente en mi avión no. Yo me vuelvo en mi jet privado de la hostia y tú te subes a ése helicóptero de ahí”

“No jodas, Eric Clapton, ¿en ese helicóptero destartalado con cinta aislante en el fuselaje?”

“Venga tío, aún por encima no te pongas tiquismiquis”

“Vale, vale”

Obviamente, el helicóptero se estrelló, dejando para Eric Clapton el indiscutible número uno de los guitarristas de Blues. Escuchad todo lo que podais de SRV y descubrireis técnica, pasión, un sonido furioso y veloz. Os recomiendo “Come On”, “Honey Bee”, “Pride and Joy”, “Crossfire”, “Texas Flood”, “Little Wing”, “Thigtrope”...