RONNIE JAMES "DIO"

Nuestro amigo inglés, a pesar de comenzar tocando el bajo y la trompeta, acabó por convertirse en una de las voces más emblemáticas de la historia del Heavy Metal, gracias a su inconfundible técnica vocal y a unos registros envidiables. Ha sido la voz de grupos como “ELF”, “Rainbow”, “Black Sabbath” o “DIO”, fue el creador de uno de los símbolos Heavy (el gesto de hacer los cuernos con la mano ) y aún hoy, con casi 70 tacos, sigue siendo la voz de “Black Sabbath” (con otro nombre por problemas legales, os lo explicaré más adelante). ¿Me vais a decir que no se merece una reseña?.

Ronnie James Dio (Ronald Padavona) inició su andadura musical a finales de los años 50 en bandas de Rock and Roll como los “Red Caps” tocando el bajo y la trompeta. A mediados de los sesenta, su música evoluciona influenciada por el Rythm & Blues y el grupo pasa a llamarse “The Elves” (Los Elfos); no es difícil saber el por qué de ese nombre: Ronnie mide un metro sesenta de estatura (un bichiño) ¡ y es el más alto de la banda !.

A principios de los 70, dos miembros de “Deep Purple” (Paice y Glover) ven actuar a ELF y quedan impresionados, tanto que se ofrecen a producirles un disco (autotitulado) e incluso acompañan como teloneros a los Purple en una tremenda gira mundial. Durante esta gira, Ritchie Blackmore alucina tanto con Ronnie James Dio que, cuando se separa de Deep Purple en el 76, lo recluta para su nueva formación: “Rainbow”. Con esta banda, Ronnie James graba 4 álbumes, de los que destaco temas como “Man on the Silver Mountain”, “Long Live Rock and Roll”, “Stargazer” y “Sixteen Century Greensleeves”, entre otros.

La salida de Ronnie de “Rainbow” coincide con la expulsión de Ozzy Osbourne de “Black Sabbath” para obligarlo a seguir un tratamiento de desintoxicación de su adicción a … bueno, era adicto a todo menos a las pipas, creo. Cuentan que el bueno de Ozzy, camino de la clínica, aconsejó (de muy buen rollo) a Ronnie: “Cuando actúes en directo, lleva chaleco antibalas, porque como te atrevas a cantar “Paranoid” te mato a balazos”.

Con el nuevo cantante, Black Sabbath dejó de lado su imagen ocultista y de cultos satánicos y se dejó imbuir por una sangre nueva, más metalera y adecuada al Hard Rock de los 80, como se observa en los discos “Heaven and Hell”, “Mob Rules” y el directo “Live Evil” (palíndromo!!).

Después del disco en directo, Ronnie deja Black Sabbath para crear su propia banda, “DIO”. El primer album, “Holy Diver” es, en mi opinión, el mejor con diferencia. Contiene temazos como “Stand Up and Shout”, “Rainbow in the Dark”,” Don't Talk to Strangers” y –sobre todo- “ Holy Diver” y si me equivoco, que venga una chica guapa a corregirme.

También han editado buenos discos de Heavy: “The Last in Line”, “Sacred Heart”, “Intermission”, “Dream Evil”, Lock up the Wolves”, “Strange Highways”, “Angry Machines” y un buen directo, “Inferno – Last in Live”.

Como os comentaba al principio de la reseña, actualmente es (de nuevo)el cantante de Black Sabbath. Sucede que los componentes originales de la banda firmaron un acuerdo en 2006 por el cual el nombre del grupo no se podría utilizar a no ser que el cantante fuera Ozzy Osbourne.

En 2009 han sacado nuevo disco, “The Devil You Know” y preparan gira mundial. Si los queréis escuchar, ahora se hacen llamar “Heaven and Hell”

En definitiva, un gran músico, lamentablemente infravalorado.

HELLOWEEN

Algunos me habéis pedido la reseña de “Rammstein”. Dentro de poco os complaceré, pero si algún grupo alemán ha de ser el primero en aparecer en nuestro blog, creo que ha de ser Helloween y espero que estéis de acuerdo conmigo.

Helloween, como tal, empieza su andadura en 1985, pero Kai Hansen y Piet Sielck ya forman en 1978 una banda llamada “Gentry”, más tarde se llamarían “Second Hell” y luego “Iron Fist”. Ninguno de estos nombres les acababan de convencer y deciden llamarse Helloween y el baterista, Ingo Schwichtenberg, tiene la idea de reemplazar la “o” por una calabaza y ésta se convirtió en la imagen del grupo.

Empezaron su contribución al Power Metal con el tema “Metal Invaders”, que incluirían en su álbum “Walls of Jericho” (buen disco). Justo al comienzo de su andadura ya con el nombre de Helloween, tienen la suerte de fichar al guitarrista del grupo “Powerfool” Michael Weikath. Graban un mini-LP autotitulado que tuvo un éxito inesperado. Aprovechan el tirón para grabar su primer disco largo, el mencionado “Walls of Jericho”.

Cada vez se hacían más patentes las dificultades de Hansen para cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo ( ¿qué queréis? Es un tío ) por lo que se plantean la contratación de un vocalista; el elegido fue un chavalín de 18 añitos, Michael Kiske, buenísimo cantante, con el timbre de voz de Robert Plant y la habilidad para el fraseo de Ronnie James Dio (prometo reseña, Sony).

Es entonces cuando graban la primera parte de sus dos mejores discos (en mi opinión): “Keeper of the Seven Keys Part I”, con este trabajo (y la parte II) y sus trepidantes directos, se meten en el bolsillo a los metaleros de toda Europa. Temazos de estos dos discos: “Eagle Fly Free”, “Future World”, “Keeper of the Seven Keys” (obra maestra de 13 minutos) y quizás la canción bandera de la banda, “I Want Out”.

No todo era buen rollo. Kai Hansen estaba picado con la discográfica por sus presiones y decide dejar el grupo. Tras un fugaz paso por “Blind Guardian”, forma junto al cantante Ralph Scheepers una banda que igual os suena un poquito, “Gamma Ray”.

Helloween tarda casi dos años en recuperarse, hasta que contrata al guitarrista que les acompañaba en los conciertos, Roland Grapow. El retorno no es precisamente glorioso, ya que graban el empalagosamente melódico álbum “Pink Bubbles go Ape”. Pasemos de él.

En el 93, la gran mayoría de sus fans huyen despavoridos ante el engendro de “Chameleon”, una mezcla de pop y jazz que también vamos a olvidar, si os parece.

Peleas, expulsiones, el baterista se suicida, idas y venidas de músicos…demos todo por bueno, ya que vuelven al rock más duro con el álbum “Master of the Rings” ya con el cantante Andi Deris. Escuchad : “Sole Survivor”, “Still we Go” y “Why”. Pero cuando sus adictos deciden volver es con el siguiente disco, “The Time of The Oath”, las letras hacen referencia a las profecías de Nostradamus y (a pesar de éllo) es un buen disco.

Posiblemente, su mejor disco de los últimos sea “Better Than Raw”, metal puro, duro, oscuro, por momentos épico, a veces frenético, son recomendables los temas “Push”, “Falling Higher” y como curiosidad “Laudate Dominum” (cantado en latín).

Aunque tienen algún álbum más, terminaré esta reseña con el curioso “Metal Jukebox”. Es un disco de covers que graban para conmemorar su 15 aniversario. No tuvo mucho éxito, pero es curioso escuchar las versiones que hacen de “All My Loving” (The Beatles), “White Room” (Cream), “Locomotive Breath” (Jethro Trull), y temas de grupos tan parecidos entre sí como Scorpions y ABBA ¡!

NIRVANA

A finales de los 80, unos muchachitos de Washington crearon un grupo destinado a iniciar la explosión de una música difícil de encasillar dentro de la escena del rock alternativo. Hasta entonces, la etiqueta de “punk underground” se utilizaba para definir un estilo de música que escalaba puestos en los programas musicales de radio y televisión de entonces, aunque el término más común que se utilizó fue el de “grunge”, que llevaba aparejada una cierta estética identificativa. Otras bandas de la escena músical de Seattle como “Alice in Chains”, “Soundgarden” o “Pearl Jam” también alcanzaron entonces sus más altas cotas de popularidad.

Kurt Cobain (cantante, guitarra y compositor) era el símbolo de la banda y lo cierto es que nunca se sintió cómodo en ése papel; prefería desviar la atención al aspecto meramente musical de Nirvana y se sentía abrumado por el carácter de “Líder” o “Celebridad”. En alguna ocasión llegó a declarar: “famoso es lo último que quise llegar a ser”.

El primer disco de Nirvana, “Bleach”, denota influencias de los primeros Black Sabbath y de los grupos más “duros” de la escena indie, como “Mudhoney” o “The Melvins”. Tiene temas muy interesantes, como por ejemplo “Love Buzz” o “About a Girl”.

A principios de los 90 sale su segundo disco de estudio, “Nevermind”. Es su album definitivo, el que les catapulta prácticamente de la noche a la mañana al éxito comercial y de crítica. Un bajo retumbante, guitarras distorsionadas y una voz medidamente caótica cambian la escena musical del momento, realmente aburrida hasta entonces. Temazos: “Smells Like Teen Spirit”, “On a Plain”, “In Bloom”, “Come As You Are”, “Lithium”...en fín, un álbum redondo.

“Incesticide” es una recopilación de caras “B” y rarezas. “In Utero” (1993) es su tercer álbum de estudio (y el último). Después del rotundo e inesperado éxito de “Nevermind”, intentan volver a sus raíces y recuperar al público de sus inicios, en un intento desesperado de Cobain de sacudirse la presión de icono internacional. Tuvieron problemas con el sello discográfico, ya que éstos (lógicamente) querían seguir arrasando en el mercado y Nirvana compuso temas oscuros con letras que hablaban de hímenes destrozados, semen, abortos, fetos e incluso despertaron las repulsas de grupos feministas por la canción “Rape me” (“Viólame”). Son aprovechables los temas “Pennyroyal Tea”, “Heart-Shapped Box” y –sobre todo- “All Apologies”.

En 1992, Cobain se casa con Courtney Love, actriz y cantante del grupo “Hole”. Pocos meses después, tienen una hija. Desgraciadamente, ese aparente estado de felicidad no consolaba al músico de una vida nada fácil: depresión, escoliosis, bronquitis crónica, intentos de suicidio, calmantes, alcohol, heroína…

Muchos fans de Nirvana comparan la influencia de Courtney love con la de Yoko Ono sobre John Lennon; me parece injusto. Cobain ya era un tipo atormentado por mil fantasmas antes de conocer a la chica. Intentó rehabilitarse al nacer su hija, pero su adicción solo hacía que aumentar y –para colmo- estaba convencido de que actuaba mejor cuanto más colocado estaba.

Poco antes de la muerte de Cobain, sale el disco “MTV Unplugged in New York”, un gran Album acústico donde la banda logra trascender del sonido “grunge” y aprovecha para rendir homenaje a las bandas que más les habían influenciado, como “Meat Puppets” o “The Vaselines”. De los mejores discos acústicos en directo que he escuchado.

Enésimo intento de Kurt Cobain por dejar el jaco, pero cuando apenas lleva una semana en el centro de rehabilitación, se fuga. Una semana más tarde (abril del 94) aparece muerto en su casa. Paso de las doscientas especulaciones que encontraréis en Internet sobre las circunstancias de su muerte. Lo importante es su legado, escaso pero de mucho, mucho peso.

MANOWAR

Bienvenidos a la reseña de una de las bandas de Heavy Metal con sonido más potente en la historia. Empezaron a destrozar tímpanos (en el buen sentido) en 1979 y aún hoy siguen dando caña. Son indestructibles.

Joey Demaio era técnico de bajo y encargado de pirotecnia en los conciertos de Black Sabbath y en una gira de éstos conoció al guitarrista Ross Funicello (alias Ross the Boss) que en aquel entonces tocaba en The Dictators. Tuvieron el acierto de fichar como cantante a Eric Adams y menos acierto al pillar para la batería a Donny Hamzick, pero para el segundo album ya se hicieron con los servicios de Scott Columbus, un batera revolucionario, con su kit de percusión personalizado con acero inoxidable por todos lados.

Primer album: “Battle Hymns”, que contenía el tema “Dark Avenger”, en el cual una parte era recitada por Orson Welles. Además del Heavy, el grupo hacía constantes incursiones en temas épicos y mitológicos, principalmente sobre la mitología nórdica.

Segundo album: “Into Glory Ride”, no demasiado destacable, quizás salvaríamos "Gates of Valhalla". Después vendría el tercero, “Hail To England”, mezclado y grabado en tan sólo seis días. De este album nos quedaremos con "Black Arrows".

El siguiente LP, “Sign of the Hammer”, ya empieza a afianzar a los Manowar en la escena metalero. Brutal de potencia, tiene temas como “Animals”, “Sign of the Hammer”, “The Oath” y “Thunderpick”. Pero donde rompen con la pana es en su disco de 1987 “Fighting the World”, con temazos como el que da título al disco y “Carry On”.

De todos modos, donde darían el puñetazo definitivo sería al año siguiente, con la publicación de “Kings of Metal”. Los dos desafíos más grandes que se propuso la banda en este trabajo quedaron plasmados en forma de dos canciones: “The Crown and the Ring”, que se interpretó en una catedral antiquísima con un coro de cien voces masculinas, y “The Sting of the Bumblebee”, basada en la obra clásica de Rimsky-Korsakov “El vuelo del Moscardón” y que DeMaio adaptó al bajo, tocándola con una rapidez y virtuosismo indescriptibles. También contiene canciones brutales como "Wheels of Fire","Kings of Metal" o "Blood of the Kings". Es su album definitivo. (Tienen más, pero no quiero aburriros, si os gusta lo que oís hasta ahora, conseguirlos. A partir de “Kings Of Metal”, mucho culto a Odín, seres míticos de 8 patas y cosas así).

Curiosidad 1: Que se sepa, es el grupo de Heavy Metal que ha dado el concierto más largo de la historia: 5 horas y media en Bulgaria, en el 2008.

Curiosidad 2: Según el libro Guinnes de los records, es la banda más “ruidosa” del mundo. En Gran Bretaña, durante su gira “Spectacle of Might”, y con la ayuda de 10 toneladas de amplificadores, alcanzaron los 129,5 decibelios.

THE BEATLES

The Beatles fueron una banda de música pop de Liverpool, formada en 1960. Durante su carrera, el grupo lo integró fundamentalmente John Lennon (guitarra rítmica y voz), Paul McCartney (bajo y voz), George Harrison (guitarra solista y voz) y Ringo Starr (batería, por decir algo, en realidad aporreaba instrumentos de percusión). Aunque su estilo musical inicial era el rock and roll muy al estilo de los cincuenta, el grupo también trabajó otros géneros musicales, llegando a experimentar con el rock psicodélico (algo tuvo que ver en éllo el L.S.D.). Es innegable que marcaron tendencia en la música, pero también porque su gradual aumento de la conciencia social encontró un buen caldo de cultivo en los cambios culturales y sociales de la sociedad de finales de los sesenta. Después de que la banda se separara en 1970, todos sus ex miembros se embarcaron en exitosas carreras individuales. Bueno, no sé si la carrera de Ringo Starr puede considerarse exitosa, pero por lo menos puede presumir de que tocó en los Beatles.

Los números son abrumadores: es la banda más exitosa y aclamada de la historia, más de 1.200 millones de discos vendidos, 19 números uno en EEUU, record de más semanas en el nº 1 (174 semanas), recopilatorios de ventas multimillonarias,calificados en 2004 por la revista Rolling Stone en el Nº 1 de su lista “los 100 grandes artistas de todos los tiempos”, cuatro de sus álbumes entre los 10 mejores de la historia, 5 películas, cientos de documentales, en fín, ciertamente abrumadores estadísticamente.

En un principio, el baterista de la banda era Pete Best, pero dejó la formación al finalizar la célebre gira iniciática de Hamburgo; desde luego, el tipo era un visionario. Lennon y Mccartney tocaban la guitarra rítmica y el bajista era Stuart Sutcliffe, un personaje realmente interesante. Cuando el grupo se llamaba «Long John and The Beetles», fue quien sugirió el nombre de «The Beetles» (los escarabajos), como tributo a “Buddy Holly y los Crickets” (los grillos). La banda adoptó finalmente el nombre The Beatles, alargando la “T” para remarcar lo de “beat”.

Eran unos pipiolos cuando en el 60 fueron a tocar a Hamburgo, de hecho, cuando llevaban unos meses en la ciudad alemana, Harrison fue deportado al descubrir las autoridades que era menor de edad. Poco después, Best y McCartney fueron detenidos por incendiar condones y casi conseguir que la pensión donde se alojaban fuera consumida por las llamas. Lennon (más discreto para sus orgías) se volvió a Inglaterra y Sutcliffe se quedó en Alemania con la novia que se agenció allí, Astrid Kirscherr.

En 1961, la banda volvió a Hamburgo, ya con McCartney al bajo, después de actuar en algunos otros tugurios, finalmente fueron contratados en el Cavern Club, donde actuarían cerca de 300 veces entre el 61 y el 63. Allí fue donde los vió el manager Brian Epstein y eso cambió el rumbo de la historia. Los Beatles firmaron un contrato de cinco años con Brian Epstein el 24 de enero de 1962. Su anterior manager, Kaempfert , acordó liberar a los Beatles de su contrato con Polydor, al saber que el sello alemán no estaba interesado en el grupo, y que Epstein estaba realizando una audición para Decca, pero el ejecutivo de la Decca Dick Rowe rechazó de plano al grupo, informándole a Epstein que los grupos con guitarras ya no estaban de moda, es decir, UN FENÓMENO. Los Beatles volvieron por tercera vez a Hamburgo. A su llegada fueron informados de la muerte de Sutcliffe a causa de una hemorragia cerebral.

¿Cómo llega Ringo a The Beatles? Me alegra que me hagais esa pregunta. George Martin, de EMI records, no estaba muy contento con Pete Best, ya que se negaba a formar parte de la imagen unificada con la que se quería lanzar al grupo, ya sabeis, esos trajecitos de yerno enrollado, esos flequillitos se seminarista canalla, esa pinta de pijo que no ha roto un plato…en definitiva, a Best lo que le molaba era el Rock y no tragaba con esa imagen tontorrona que se quería proyectar de la banda. Por entonces, había un grupete horrendo, “Rory Store and The Hurricanes”, que había coincidido con los Beatles en alguna actuación en Hamburgo y le preguntaron al baterista (Ringo Starr) si quería unirse a la banda. Como la personalidad arrolladora del narizotas le impedía decir que no a nada, despidieron a Best, et voilâ, ahí tenemos a The Beatles.

En fín, primer sencillo “Love Me Do” (sí, ése tema que se parece a la sintonía de “Barrio Sésamo”), discreto debut, número 17 en Gran Bretaña. “Please, Please, Me” ya llega al número 2, y su primer number one lo alcanzan con “From Me To You”. A partir de ahí, la TV, las giras por EEUU y lo que se dio en llamar “beatlemanía”. Con la mano en el corazón, oid esos tres temas y decirme si había para tanto.

Editan “She Loves You” y –musicalmente- las críticas no son precisamente buenas, pero salen en el show de Tv de Ed Sullivan y –amigo mío- las adolescentes (y sus mamás) ya tienen ídolos. Epstein (de tonto nada) les hace grabar el babosillo “I Want to Hold Your Hand” y, paralelamente, firma contratos de merchandising para explotar la imagen del grupo. Algo nuevo hasta entonces.

En 1964 se estrena la película “A Hard Day’s Night”, dirigida por Richard Lester, narrando las peripecias de la banda por Londres. Oye, la peli no está nada mal.

Todo les va muy deprisa, en 1965 la Reina los designa “Caballeros de la Orden del Imperio Británico”, o algo así. Filman su segunda película “Help” y publican el album “Rubber Soul”, algo más maduro que las chorradas que solían hacer hasta entonces. También les dio tiempo a casi provocar un incidente internacional con la presidenta de Filipinas (Imelda marcos) y pelearse con Elvis Presley; este les reprochaba su activismo contra la guerra del Vietnam y llegó a pedir al presidente Nixon que les prohibiera la entrada al país.

Su séptimo álbum, “Revolver” ya deja entrever la experimentación de Lennon con otras vías musicales y de los cuatro componentes con otras vías alucinógenas. No está mal. Le sigue uno de sus mejores trabajos, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. En este disco (el primero grabado en ocho pistas), experimentan agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Cuenta con la psicodelia de “Lucy in the Sky with Diamonds” (LSD) y temas interesantes por lo novedosos, como “Getting Better” y una obra de arte: “A Day in the Life”.

En el 68 se largan a la India y hala, a meditar. Como consecuencia de tanta meditación trascendental y un poco de yoga, a su regreso fundan el sello Apple y se dedican a grabar el album “The Beatles”, popularmente conocido como “Album Blanco”. También empezaron a pelearse. Ya sabeis, Lennon empezaba a salir con una chica oriental que se metía incluso en las cabinas de grabación, McCartney cada vez dominaba más al grupo y Harrison se quejaba de que Lennon y McCartney no le dejaban meter más canciones suyas en los discos. (Por cierto, Harrison tenía razón. Su talento no tenía nada que envidiarle a los otros dos).

En cuanto al “album blanco”. Quedaros con “Back in the USSR”, “While my Guitar Gently Weeps”, “Sexy Sadie”, “Revolution 9” y –por supuesto- “Helter Skelter”. El siguiente disco, “Yellow submarine”“Abbey Road”. es totalmente prescindible, a no ser que seais irlandeses borrachos. Retoman la senda de la decencia musical con

Curiosamente, lo mejor llegó al final. En 1969, The Beatles comienzan un proyecto fílmico que incluía un nuevo Album. Durante las sesiones de grabación, la banda ofreció la que sería su última actuación en vivo, en la azotea del edificio de Apple. El album, después de varios cambios de opinión, se titularía “Let It Be” y probablemente, en conjunto, sea lo mejor que hicieron nunca estos tres genios. Sobrevalorados, indudablemente, pero geniales al fín y al cabo.

Todo el disco es muy bueno, pero destacan “Across the Universe”, “Let it Be”, “One after 909”, “I Me Mine”, “The Long and Winding Road” y “Get Back”.

LA CULPA DE TODO LA TUVO YOKO ONO

HASTA SIEMPRE

Todos sabíamos que ocurriría tarde o temprano. El idilio de Leonor con el "Sitio" no podía durar mucho más; tanto élla como nosotros queríamos negar la evidencia, pero el momento ha llegado y Leo nos dice adiós este fín de semana. No sabemos realmente los motivos. Quizás no la hayamos tratado todo lo bien que se merecía; quizás los cantos de sirena que llegan desde las islas sean irrechazables; quizás el amor le ha golpeado la patata con inusitada violencia; sea como sea, Leo se nos va y eso nos entristece, aunque nos queda la esperanza de verla entrar pronto por la puerta, mucho más morena, contándonos ilusionada lo bien que le va todo por allá; no se merece menos.

Echaremos de menos muchas pequeñas tonterías que no se valoran en el día a día, pero -sobre todo- añoraremos a la chica que tiene el record guinnes de sonreir más veces por minuto.

Hasta siempre, Leo.

THE KNACK

En 1979 lograron un gran éxito internacional con su primer single, My Sharona, y es por ese solo tema por lo que están aquí.

THE WHO

Allá por 1962, se formó una banda de rock en Inglaterra llamada a escribir páginas indelebles en la historia de la música. Pioneros de la “ópera-rock” y precursores del “punk”, “The Who” estaba compuesta originalmente por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y un tarado singular.

Durante una presentación, Townshend rompió su guitarra accidentalmente, lo que llevó a que la siguiente ocasión en que tocaron en ese lugar la gente quisiera que la rompiera de nuevo, y así lo hizo. Keith Moon debió pensar “¿por qué no?" y destrozó su batería. La banda se convertiría rápidamente en una de las más populares entre los mods británicos, un movimiento de principios de los 60. La banda comenzó a ser liderada por Townshend, ya que éste era el principal compositor (aunque Entwistle también haría contribuciones notables ocasionalmente). Townshend buscaba escribir material innovador y desafiante, pero Daltrey prefería material más enérgico.

El primer éxito de la banda fue “ I can't explain” (un single -disco sencillo de dos canciones- que seguía el estilo de los Kinks.
Al poco editaron su primer álbum: “My generation”, que incluía himnos mod como o “The kids are alright”“My Generation”, que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), y que muchos consideran una de las primeras canciones punk de la historia. Fulminantemente, “My Generation” se convirtió en un himno; a veces estas cosas pasan, desde luego no es una canción brillante precisamente, bueno, sólo es mi opinión.

Tras el éxito de su primer largo la banda publicó el single “Substitute”, que se convirtió en otra de las canciones más conocidas del grupo. Los siguientes singles, como “I'm a boy”, “Happy Jack” y “Picturesof Lily” demostraban el creciente interés de Townshend alrededor de historias sobre confusión mental y una inquietante ambigüedad sexual. (inquietante sobre todo para sus Fans).

Después de un segundo y totalmente prescindible album, The Who salieron de gira por USA y para ser sincero, os diré que al público le interesaba más el sistemático destrozo de instrumentos que la música en sí, pero bueno, hay quien escupe a los aviones. Lo más suave que hacía Keith Moon en aquélla época era robar coches para introducirse con éllos en las piscinas de los hoteles.

En 1969, el grupo edita “Tommy”, un álbum doble que fue la segunda ópera rock de la historia ( ”S.F.Sorrow”de The Pretty Things salió un año antes), pero sí que fue la primera en tener éxito, y se destacó por el uso de temas (como "See Me, Feel Me"), que se repetían a lo largo del álbum y le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia (que trataba sobre un niño que queda ciego, sordo y mudo al presenciar un asesinato, para más tarde convertirse en una especie de mesías). Más tarde se produjo una película basada en el álbum, que contaba con la participación, entre otros, de Elton John, ver para creer.

Townshend intentó llevar a cabo un álbum conceptual aún más ambicioso y complejo. En él pretendía tomar datos personales del público (edad, peso, altura, etc.) en los recitales, introducirlos en un sintetizador y utilizarlos para crear música. Este proyecto se denominó "Lifehouse" y no pudo ser finalizado por su complejidad. Sin embargo, algunas de las mejores canciones de ese proyecto se usaron para el siguiente álbum del grupo,”Who's Next” (su mejor disco, en mi opinión). Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como “Baba O' Riley” y “Won't Get Fooled Again” (SÍ, LAS DE CSI), en las que destacaba el uso de sintetizadores y ritmos repetitivos. Otros buenos temas, “Bargain” y "The Song IsOver", además, en este disco Daltrey canta como nunca y la batería de Moon es por fín realmente poderosa.
El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó “Quadrophenia”. Es otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su ex-novia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 60. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película, pero no perdais el tiempo, es un truño gigantesco.
Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal, pero con un estilo demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente.

A partir de ahí, el declive. Townshend se quedaba sordo, la mujer de Keith Moon lo mandó al carajo y este se sumió en una depresión alcohólica salvaje, ya que su ex no le permitía ver a su hija. le recetaron unas pastillas para su alcoholismo y una sobredosis de éstas le llevó a la muerte. Albumes como Face Dances y It's Hard, ya en los 80, eran de una decadencia insufrible y constataban el canto de cisne de una de las bandas más innovadoras de la historia del rock. Quedaros con lo bueno.