THE ROLLING STONES.1978-1983. UN POCO DE TODO.

“SOME GIRLS”. 1978. Tres discos seguidos regularcillos tirando a malos debieron parecerles suficiente a los Stones, y este álbum del que os voy a hablar es realmente bueno.

Regresan a sus influencias básicas, pero hacen un guiño a las nuevas tendencias de mediados de los 70, la música “disco” y el Punk Rock. Tened en cuenta que, después de las malas críticas de sus anteriores trabajos, los Stones en aquel momento eran considerados por gran parte de la crítica y el público como unos “dinosaurios decadentes e irrelevantes”, es decir, que ya les llamaban “eso” hace 30 años ¡!

El nuevo componente, Roonie Wood carecía del virtuosismo de Taylor, pero lo compensaba con muchas ganas y energía, lo que le vino muy bien a Richards para empezar a lucirse más. Incluso Jagger, que había aprendido a tocar la guitarra hacía poco tiempo, se anima en algún tema, y lo cierto es que en “Respectable” sacan un buen sonido juntando las tres guitarras. Además del tema citado, destacaremos “Miss You”, “Shattered” y el impresionante “Beast Of Burden”.

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“EMOTIONAL RESCUE”. 1980. Volvemos a bajar el listón. Se inicia la década de los 80 y, quizás dolidos porque empiezan a ser considerados unos inmovilistas, intentan adaptarse a los nuevos tiempos en materia musical. Mal hecho, los Stones son estrellas del Rock, y punto. Pero bueno, hablemos de este prescindible álbum. Deciden abrir el disco con “Dance”, un tema en plan Funky-Discotequero. Pero si hay algo razonablemente decente es “Summer Romance”, un rock frenético, y “She’s So Cold”, con un fantástico riff muy en la línea de Richards.

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“TATTOO YOU”. 1981. Con este disco, la crítica vuelve a rendirse a los Rolling Stones, lo cual no deja de ser gracioso, teniendo en cuenta que es un disco de retales, ya que está compuesto por temas que no tuvieron cabida en anteriores trabajos y dormitaban en un cajón. Lo cierto es que solo lo grabaron para tener nuevo material que tocar en una incipiente gran gira. Contiene como temas más destacables “Start Me Up”, con ese riff inconfundible, “Hang Fire” y “Waiting On A Friend”.

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“UNDERCOVER”. 1983. con este álbum, nuestros amigos intentan meterse de lleno en los 80, procuran reinventarse e incluyen nuevos ritmos y lo mejor de las nuevas tecnologías. El resultado no diré yo que esté mal, pero…zapatero a tus zapatos. No es nada extraordinario, pero tampoco es de lo peor de la banda, desde luego. Rescatemos: “Undercover Of The Night”, “She Was Hot”, “Too Much Blood” y “Too Tough”.

THE ROLLING STONES. 1973-1976. UN POQUITO DE DECADENCIA

“GOATS HEAD SOUP”. 1973. Quizás agotados después de quemar muchas neuronas en “Exile On Main St”, este disco es bastante flojito y, en mi opinión, marca el final del mejor período de los Stones. Dejan el sonido crudo de sus anteriores trabajos y regresan al Soul con algo de Funk mezclado, no agitado. Vendió muy bien, eso es cierto, pero quizás también fuera a consecuencia del gran sabor de boca que habían dejado sus tres anteriores álbumes. De cualquier modo, sólo por el hecho de que es el disco que incluye “Angie”, ya merece la pena. Tremenda balada de desamor, interpretada por Jagger de una forma desgarradora (aunque el tema es de Keith Richards). Tengo que cerrar las sesiones en el Pub con este tema, sí o sí...

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IT'S ONLY ROCK 'N' ROLL. 1974. Seguimos de bajón, amiguitos. Cabe destacar que este disco sería el último de la etapa de Mick Taylor en los Stones y el primero que produce el monstruo de dos cabezas llamado Jagger/Richards. Destacable: la portada y contraportada del vinilo y el tema que da título al álbum.

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BLACK AND BLUE. 1976. Es el primer disco en el que participa Ron Wood (y ahí sigue). Desde luego, no era un principiante, provenía de la legendaria banda de Rod Stewart “The Faces” y anteriormente había formado parte de “The Jeff Beck Group”, tremenda banda. Sin ser para echar cohetes, el álbum está bastante mejor que sus dos anteriores trabajos, y bucean en diferentes sonidos como el Jazz, el Funk y el Reggae. Los temas que destacaría son: “Hot Stuff”, “Cherry Oh Baby” y “Fool To Cry”.

1969-1972. LA MEJOR BANDA DEL MUNDO.

"LET IT BLEED". 1969. Es un álbum que marca el inicio de la etapa de Mick Taylor como guitarrista de la banda, en sustitución de Brian Jones, que falleció un mes después de ser expulsado de los Stones porque sus problemas con la justicia perjudicaban seriamente al grupo, entre otras cosas porque Jones no tenía permitida la salida de Gran Bretaña.

Es un buen disco que, sin ser excepcional, sucede muy dignamente al bombazo que había sido “Beggar´s Banquet”. Aunque es un disco de Rock, nuestros amigos dejan aún patente la profunda influencia del Blues, que les acompaña hasta el día de hoy.

El disco empieza con Gimme Shelter, una canción con alusiones a la guerra de Vietnam. La siguiente composición es un cover de Love in Vain, del único e incomparable Robert Johnson. Continuamos con Country Honk, una versión coñera-country de Honky Tonk Women. Live With Me es un rock que intenta describir el decadente estilo de vida de la banda. Supuso el inicio de la colaboración con el grupo del gran saxofonista Bobby Keys, que participaría en otras canciones de éxito de la banda, como Brown Sugar. Let It Bleed, que habla explícitamente de sexo y drogas, cerraba la primera cara del álbum.

La segunda comienza con Midnight Rambler, inspirada en la historia del estrangulador de Boston. Monkey Man es un extraño tema del grupo que en el que Jagger grita "todos mis amigos son yonquis". El álbum concluye con You Can't Always Get What You Want, cara B del sencillo de Honky Tonk Women. Grabada en el vinilo, se puede leer la siguiente recomendación: "Esta grabación debería reproducirse con un volumen elevado".

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"STICKY FINGERS".1971. Sigue conteniendo los clásicos sonidos de rock and roll, blues, y algo de country, pero incluye un tono más “oscuro” en las letras, con alusiones a la esclavitud, el sexo interracial y el consumo de drogas (de otra cosa no entenderían, pero de eso…). Por primera vez, se incluye el famoso logotipo de la lengua.

Posiblemente sea de los mejores álbumes de los Rolling, tanto a nivel de crítica como de éxito comercial. La canción más exitosa de este disco fue, sin duda, Brown Sugar, aunque Mick Jagger se llevará a la tumba el significado de la misma; no está nada claro si se refiere a una amante de color o a la heroína. Tanto Sway como Moonlight Mile cuentan con estupendos arreglos de cuerda de Paul Buckmaster. Seguimos con una especie de preciosa balada llamada Wild Horses, de la que también os recomiendo la versión de los Guns N Roses e incluso la que hizo Garbage, que hoy estoy generoso.

Can’t You Hear Me Knocking destaca por la brutal calidad de Mick Taylor como solista a la guitarra. You Gotta Move es una versión del Blues del reverendo Gary Davis. Sister Morphine narra la agonía de un hombre en el hospital, a causa de una sobredosis; la letra la compuso la novia de Jagger, Marianne Faithfull y, quizás por eso, sea la canción más floja del disco. Dead Flowers es una parodia (una más) de la música country, pero les salió un temazo. El broche lo pone Moonlight Mile, un tema que Richards no pudo concluir al hallarse inmerso en su peor etapa de adicción a las drogas, por lo que se encargó del trabajo Taylor.

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"EXILE ON MAIN ST.". 1972. Además de las influencias clásicas, deja entrever claramente sonidos afroamericanos y toques de otros géneros inéditos en los Stones hasta el momento, como Jazz y Gospel. La mayoría de las letras siguen la típica fórmula del rock and roll (sexo, alcohol y drogas) pero añaden algunas de carácter más personal, narrando la soledad de las estrellas de Rock (qué pena me dan). Hay bastante unanimidad en considerar a Exile On Main St. la obra cumbre de los Stones (y me incluyo, con alguna pequeña reticencia). Es un doble álbum, con 18 temas repartidos en 4 caras.

Rocks Off es la primera canción del disco, una pieza de rock en la que intervienen las guitarras de Richards y Taylor, con buenos complementos de piano y vientos. Rip This Joint cuenta con la desgarrada voz de Jagger y el piano de Hopkins, es una canción inspirada en el rockabilly. Shake Your Hips es una versión de un blues del gran Slim Harpo. Casino Booggie no es gran cosa, como curiosidad, Keith Richards toca el bajo. Tumbling Dice es el primer sencillo del álbum, un auténtico temazo. Sweet Virginia es otra composición country-cachondeo en la que Jagger se luce con la armónica. La tremenda guitarra que suena en Torn And Frayed es de Al Perkins, ya que Richards estaba desintóxicándose…otra vez. Sweet Black Angel es un tema basado en la activista miembro de las Panteras Negras, Angela Davis. Loving Cup en principio se había compuesto para el concierto-homenaje a Brian Jones en Hyde Park y se incluyó en este doble álbum.

Happy es, al menos hasta la actualidad, el único sencillo del grupo cantado por Richards. Ventilator Blues (temazo) es el único tema que Mick Taylor compuso durante su andadura en la banda, tremendo riff de guitarra. I Just Want To See His Face es una mezcla de Blues y Gospel interesantísima en la que Richards toca el piano; si os gusta el grupo Sonic Youth, sabréis de dónde han sacado su sonido. Muy influenciados por el soul, nos encontramos con la balada Let It Loose. Un temazo más: All Down The Line. En Stop Breaking Down vuelven a versionar a Robert Johnson, grandísimo Blues. Uno de mis temas favoritos del disco es Shine A Light, brutal Billy Preston al piano y un sonido Gospel espectacular.

THE ROLLING STONES. PRIMEROS ALBUMES. 1962-1968

“England’s Newest Hit Makers”. 1964.

El album debut de nuestros héroes se grabó en apenas cinco días, en Londres. Básicamente, son versiones de Rock And Roll y de Rythm And Blues. La mayoría son versiones de temas de Chuck Berry, Muddy Waters o Nat King Cole. De hecho, el único tema que firman Jagger y Richards es “Tell Me You’re Coming Back”. Fue un éxito en Gran Bretaña, llegando al número uno de las listas y al once en USA.

“12 X 5”. 1964.

12 x 5 es el segundo album de estudio de los Rolling, también de 1964. Al igual que ocurrió con su predecesor, England's Newest Hit Makers), la base principal del álbum la forman versiones de temas deRhythm and Blues, pero el dúo Jagger/Richards ya se anima con tres temas propios. Después de una serie de sesiones en Chicago en junio de 1964, la discográfica del grupo publicó en el Reino Unido el EP de cinco canciones Five by Five. Debido a que el EP nunca fue un formato de éxito en los Estados Unidos, su distribuidor estadounidense añadió siete canciones más para formar un álbum completo. El título del mismo alude al hecho de que los doce temas del disco son interpretados por cinco músicos. 12 x 5 se vendió aún mejor que England's Newest Hit Makers, alcanzando el puesto número 3 en las listas de éxitos y obteniendo un disco de oro rápidamente.

“THE ROLLING STONES, NOW!!!”. 1965

The Rolling Stones, Now! es el tercer disco de estudio de los Stones para los Estados Unidos. Lo publica en 1965 London Records. El album contenía 7 temas de la versión inglesa del disco y otros temas que aparecerían el año siguiente en la versión británica de “Out Of Our Heads”. Alcanzó el quinto puesto en las listas, consiguiendo un nuevo disco de oro para la banda. Lo mejor estaba por llegar...

“OUT OF OUR HEADS”. 1965

Out Of Our Heads , que podríamos traducir como “desquiciados”, es el tercer álbum de los Stones en el Reino Unido y el cuarto en USA. Fue publicado en 1965, pero con significativas diferencias en ambos territorios. Por ejemplo, el que sería gran éxito “(I Can’t Get No) Satisfaction”, no salió en la versión inglesa, aunque cueste creerlo. Dicho tema saldría poco después en su país, pero como sencillo. Otro buen tema, “One More Try”, no sería editado en el Reino Unido hasta 1971. la versión norteamericana se convirtió en el primer LP de la superbanda en llegar a número 1 (gracias a “Satisfaction”) y se convirtió en disco de platino. Era el comienzo de una leyenda.

“DECEMBER'S CHILDREN (AND EVERYBODY'S)”. 1965

December's Children (And Everybody's) se compone de temas ya escritos anteriormente, pero sin cabida en sus otros discos y algunos temas en vivo. Aunque alcanzó puestos altos en las listas, incluso un disco de oro, hay que reconocer que es un album de relleno, del que podemos salvar precisamente las canciones grabadas en directo, I’m moving On y Route 66.

“AFTERMATH”. 1966

Aftermath es un álbum enteramente grabado en estudio y, por muchos motivos, el mejor con diferencia de los Stones hasta ese momento. Para empezar, se olvidan de las versiones de los clásicos y todos los temas, por primera vez, son firmados por Jagger y Richards. Por otro lado, por fín ese genio minusvalorado que era Brian Jones coge las riendas de la parte instrumental y el resultado es una diversidad estilística tan precisa que consolida definitivamente a la banda en el plano artístico y creativo: por fín demuestran que no son un grupo que lo confía todo a los directos. Aún seguían con la bobada (muy en boga en aquellos tiempos) de incluir diferentes temas según el disco fuera a editarse en USA o en Gran Bretaña, pero yo me inclino por relataros los temas de la versión estadounidense, que es la que incluye la imprescindible “Paint It, Black”, uno de los temas más versionados de la historia del Rock. También hay temazos como “Lady Jane” o “Under My Thumb”. Los inútiles de la revista Rolling Stone ubican este disco en el número 108 de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos.

“BETWEEN THE BUTTONS”. 1967

Between the Buttons es un disco del que realmente no hay mucho que decir. Como siempre, la mejor es la versión que editaron en USA, ya que incluye “Let’s Spend The Night Together”, temazo que desaparece en la versión que sacan para Inglaterra. Cousas veredes…

“THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST”. 1967

Their Satanic Majesties Request supone la incursión de los Rolling en el rock psicodélico, tan de moda en los 60’. Como consecuencia del título del álbum, se les conoce desde entonces como “Sus Satánicas Majestades”. Quizás pueda considerarse como el “álbum maldito” de los Stones, ya que por un lado ganaron muchos fans que lo consideran como un disco de culto, pero lo cierto es que las críticas fueron muy severas.
Entre sus temas más celebrados están la balada de tintes Psicodélicos "She's a rainbow", y los cortes "Citadel", "2000 man" y "2000 light years form home". Señalar que "2000 man" fue versioneada por Kiss para su disco de 1979 "Dinasty", convirtiéndose en un tema clásico de su repertorio. También es recomendable un cover de "2000 light years from home" del grupo Monster Magnet.

“BEGGARS BANQUET”. 1968

El banquete de los mendigos, amiguitos, ¡qué pedazo de álbum!. Después de la anterior experiencia psicodélica, la banda regresa a las raíces del Rythm And Blues (de donde nunca debieron salir). Las letras ya empiezan a ser más curradas, debido en gran parte a que en aquella época Mick Jagger estaba enganchado a la poesía y la filosofía. El resultado son unas composiciones inspiradas en la conflictividad social de aquellos días y muy centradas en la crítica social. El álbum pronto alcanzó ventas millonarias, lanzado por dos sencillos: “Jumpin’ Jack Flash” y “Street Fighting Man”, que fue pronto censurada en las emisoras por ser considerada “desestabilizadora” por el partido republicano. La crítica musical fue unánime y posiblemente sea de los mejores discos (si no es el mejor) de los Stones. Los atontaos de la revista Rolling Stone incluso lo sitúan en el número 57 de los mejores 500 álbumes de la historia.
Este álbum abre con una de las mejores composiciones realizadas por el binomio Jagger/Richards: “Sympathy For The Devil”. La canción está inspirada en la novela El maestro y Margarita, del escritor ruso Mijaíl Bulgàkov. En este libro se produce la aparición del diablo cometiendo asesinatos en la Rusia de los años treinta. La canción escandalizó a parte de la sociedad de aquel entonces, y ahí empezaron las acusaciones a la banda de practicar satanismo. La pieza era en sus primeras versiones una canción de folk, pero a sugerencia de Richards se le fueron añadiendo elementos de samba, como la inclusión de bongos, maracas y congas. Brian Jones contribuyó inicialmente tocando la guitarra acústica, pero ésta no fue incluida en la mezcla final. Por si os interesa, la película de Jean-Luc Godard “Sympathy for the Devil”, estrenada en 1968 y titulada “One plus One” en Europa, recoge parte del proceso de grabación del tema.
No Expectations es una balada que habla sobre desamor y soledad, destacando la instrumentación acústica y la guitarra de Brian Jones. Dear Doctor es otra canción de country acústico en la que el tono vueve a ser como de cachondeo. En la pieza de blues-rock Parachute Woman, lo más destacable es el sonido sucio que ofrecen las guitarras.
Uno de los temas más interesantes del álbum es Street Fighting Man, inspirada en los incidentes de Mayo del 68 y las manifestaciones contra la Guerra del Vietnam. Prodigal Son es un Blues curioso. Stray Cat Blues es un tema que nos habla de la relación de un hombre mayor con una adolescente utilizando un lenguaje sexual muy explícito. En Factory Girl vuelven a cachondearse del country (o eso me parece a mí) y Salt Of The Earth es un blues acústico muy bueno sazonado con un auténtico coro gospel.
En definitiva, un álbum cojonudo, del que os he puesto la portada prevista inicialmente, que fue censurada, por lo que el disco salió al mercado con un fondo totalmente blanco con el título sobreimpresionado en letras doradas. ¿cachondeíto hacia el disco blanco de los Beatles? Yo no digo nada…

THE ROLLING STONES. COMPONENTES. FUNDACION.

Bienvenidos a la serie de reseñas de The Rolling Stones, mi banda favorita. Y punto. Fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el teclista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman. Stewart solo duró un año como músico, ya que pasó a ejercer las funciones de manager hasta 1985, cuando murió. Brian Jones (desgraciadamente) fue despedido en el 69, poco después moriría; en su lugar entró en la banda Mick Taylor, que a mediados de los 70’ es sustituido por Ron Wood. Bill Wyman decidió dejar los Stones en 1993.

Richards y Jagger habían sido compañeros en la escuela de primaria, pero perdieron el contacto cuando Richards se mudó. En 1960 se encontraron casualmente en el metro de Londres, cuando Richards iba a clases a una Escuela de Arte y Jagger iba a Económicas. Compartían el gusto por el Rock y el Rhythm And Blues (Muddy Waters, Chuck Berry, Little Walter) y pronto deciden formar la banda “Little Boy Blue”, junto a un amigo común, Dick Taylor. Mientras, un supermúsico llamado Brian Jones había llegado a Londres y tocaba habitualmente con el grupo “Blues Inc.”. Paralelamente a ese grupo, Jones quería formar una banda de Rhythm And Blues y con ella se presentó una noche en el Ealing Club. Richards y Jagger, entre el público, quedaron impresionados y al finalizar la actuación fueron a hablar con él. Jones les propuso que se unieran a su grupo, aún sin nombre, a lo que accedieron. Durante ese período de penuria económica, el grupo sobrevivía gracias a las becas de Jagger, pero no se desaniman. A finales de 1962, Blues Inc. Tenía una actuación en el Marquee Club, pero no podían asistir finalmente, por lo que recomendaron al grupo de Brian Jones para sustituirlos, necesitaban un nombre y es entonces cuando Jones bautiza a su banda como The Rolling Stones. Ya sé que la traducción literal sería “cantos rodados” o “piedras rodantes”, pero la expresión en inglés se usa coloquialmente para definir a personas descarriadas, por lo que el equivalente más próximo en castellano podría ser “los balas perdidas”. En diciembre de ese año incorporan a la banda al bajista Bill Wyman, un gran músico (pero no lo ficharon por eso), el único componente del grupo con una verdadera educación musical (pero no lo ficharon por eso), poseía un amplificador (lo ficharon por eso). Al mes siguiente llaman a Charlie Watts para hacerse cargo de la batería, a pesar de que aborrecía (por lo menos entonces) el rock y el blues.

Gracias a aquella actuación casual, los fichan para tocar ocho meses en el club Crawdaddy, y ahí empiezan a ganar legiones de fans, entre los que se incluyen unos muchachitos que tenían una banda llamada algo así como The Beatles. De hecho, son éstos los que les prestan a los Stones su publicista y los que convencen a un ejecutivo de Decca Records para que vaya a verlos actuar. En cuanto los ve, les presenta un contrato de inmediato. A las dos semanas de firmar, empezaban las sesiones de grabación. Nacía una leyenda.

THE ROLLING STONES. LAS LETRAS.

Al igual que dicen que todos los hombres utilizamos a lo largo de nuestra vida frases de “El Padrino” en nuestras conversaciones, también deberíamos utilizar letras de los Rolling cuando no sabemos reflejar con palabras lo que sentimos; por ejemplo, cuando un largo fín de semana echas de menos a ese bichiño dulce y especial, no estaría de más que ensayaras la letra de “Love is Strong” para susurrársela al oido tal y como hace Jagger y decirle: “El amor es fuerte, y tú eres tan dulce.Tú me haces fuerte, tú me haces débil, y algún día, nena, nos encontraremos. Un vislumbre tuyo entrando en el pub, una mirada, me hizo seguirte cruzando las estrellas y te busqué hasta en los bares andrajosos. ¿ de qué te asustas, cariño?. Esto es más que un sueño, hacemos un hermoso equipo. El amor es tan fuerte, y tú eres tan dulce. Y algún día, nena, nos encontraremos; en cualquier lado, en el parque donde las ranas escupen, en la calle, en la oscuridad. Te seguí a través de mares turbulentos, bajo bosques oscurecidos de árboles silenciosos. Tu amor es tan fuerte y tú eres tan dulce, me haces fuerte, me haces débil. Hacemos un hermoso equipo, solo dame algo de tiempo. Espero por ti hasta el alba, mi mente se rasga, mi corazón se rasga. El amor es fuerte, y tú eres tan dulce…”. Créeme, te darán ganas de aprender a tocar la armónica. Y si algún día todo se acaba, la mejor manera de mantener la dignidad dejando una puerta abierta es cantarle “Angie” : “¿Cuándo se irán esas nubes? ¿A dónde más podemos ir ahora? Sin amor en el alma, sin dinero en el bolsillo, no podemos decir que estemos contentos, pero que no digan nunca que no lo intentamos. ¿No es tristeza lo que hay en tus ojos? Aún te quiero, nena, recuerda tantas noches en las que lloramos. Todos los sueños que con tanta fuerza abrazábamos parecen haberse esfumado. Allí donde mire siempre veré tus ojos, porque ninguna podrá nunca compararse a ti. Sécate los ojos, ¿no es bueno estar vivos? Que nunca digan que no lo intentamos…”. De todos modos, no caigas en el error de ser siempre romanticón y sensiblero, hay momentos (muchos) en los que ellas prefieren que mostremos nuestro lado más canalla y tomemos la iniciativa…pues nada, nos aferramos a “Mixed Emotions” y que sea lo que Dios quiera. ¿Qué tienes que perder?: “Nena, cierra la boca y abróchate el abrigo. Vámonos a bailar, a romper con todo. Enterremos el hacha, borremos lo pasado y hagamos el amor. No eres la única con emociones ambíguas, no eres el único barco a la deriva en este océano. Este ir y venir me está volviendo loco, hiere mis tripas, así que baja la guardia antes de que se te arrugue el culo. La vida es fiesta, salgamos y gritemos. No eres la única con emociones ambíguas, no eres la única que se siente sola a veces, así que agarremos al mundo por el pescuezo y bebámonoslo, amémonos hasta morir. Ya sabes, cierra la boca, abróchate el abrigo y vamos a bailar, vamos a rockandrollear.”. Y así hasta unas 500 canciones, así que tenéis donde escoger. A lo que me quiero referir es que, cuando nuestro talento no es suficiente (o sea, casi siempre), no debemos cortarnos en tomar prestadas frases de otros para un buen fín, siempre y cuando no se entere la SGAE, que nos manda una factura cagando leches.

LAS CHICAS DEL ROCK. 5. PATTI SMITH

Patricia Lee Smith nació en Chicago, en 1946. Hija de una cantante de Jazz, recibió durante su infancia, además de una notable influencia musical, una rígida formación religiosa; como suele suceder en estos casos, en cuanto tuvo algo de uso de razón huyó despavorida de cualquier tipo de religión organizada. En uno de sus poemas, escribe: "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos".
Con 20 años tuvo que abandonar la Universidad por las carencias económicas de su familia, y emigró a Nueva York, donde se puso a currar en una librería, buen lugar para dar rienda suelta a sus innumerables inquietudes intelectuales. Dos añitos después, se larga con su hermana a París, donde empieza a cantar temas propios en la calle, además de intervenir en Performances teatrales y pintar de forma casi convulsiva. Los primeros años de la década de los 70, de vuelta a Nueva York, los pasa actuando, escribiendo sin parar y actuando en obras de teatro, además de ser la crítica especialista en Rock de la revista musical Creem.
En 1974 crea la mini banda "Patti Smith Group". Además de versiones de Hendrix y los Purple, canta (casi recita) temas en los que habla de la frustración de trabajar en una cadena de montaje (lo había hecho muy jovencita), de la trampa de las religiones, de ecología...
En 1975 edita su album "Horses", aclamado por la crítica y cuya portada (que preside esta reseña) se convertiría en mítica con el paso de los años. Contiene el tema "Gloria", de los Doors y varios recitativos, así como algún tema que podría clasificarse como Punk-Rock.
El album de 1978 "Easter" contiene el tema más conocido de Patti Smith: "Because the night", compuesto a medias con Bruce Springsteen. Al año siguiente publica "Waves", totalmente prescindible.
Se casa, tiene hijos y vive prácticamente retirada de la música hasta 1988, cuando sale el disco "Dream oflife", del que siendo generosos rescataremos "People have the power". Muere su marido, muere su hermano y no vuelve a aparecer en escena hasta 1995, cuando hace una gira con Bob Dylan, aunque sin dejar nunca de lado su activismo político.
En 1996, se anima a volver a componer y graba un tema llamado "About a boy", dedicado a su gran amigo Kurt Cobain, que acaba de suicidarse, lo cual cabrea monumentalmente a Patti. Musicalmente, poco (o nada) más, sinceramente. Se dedica a componer canciones que hablan de la invasión del Tibet, de sus padres, de Ho Chi Min... De todos modos, en el 2002 salió un recopilatorio llamado "Land", que resume bastante bien su carrera y en el que se encuentra un interesante cover del tema de Prince "When Doves Cry" y otro del "Gimme Shelter", de los Stones.
Patti Smith ha ejercido una notable influencia en muchos órdenes de la vida, su imagen andrógina y poco femenina fueron una bofetada en aquellos 70, su poesía animó el cotarro "beat", su activismo antibélico y en pro de los derechos humanos sigue hoy día y -gracias a sus letras- muchos lerdos comehamburguesas descubrieron la poesía francesa del XIX, sobre todo a Rimbaud. Reconozcamos también que ejercer tanta influencia, no siempre trae consecuencias positivas, Michael Stipe, de R.E.M. declaró en una ocasión: "Cuando, a los 15 años, escuché Horses, me impactó tanto que justo en ese momento decidí que algún día crearía una banda".
Joer, Patti....

LAS CHICAS DEL ROCK. 4. TINA TURNER

Tiene su mérito, eso es indudable. Con 70 tacos aún pone berraco a parte del personal, ¿verdad, RogAndRol?. Es la Sofía Loren de la música. Aunque yo personalmente no calificaría su música como “Rock”, tampoco vamos a ponernos exquisitos y con ella haremos una más que merecida excepción.
Anna Mae Bullock nació en 1939 en un pueblecito de Tennessee llamado Nutbush, al que dedicó una canción, “Nutbush City Limits”.
Aunque Tina ya había hecho sus pinitos, fue descubierta en un club de St. Louis a finales de los 50 por un músico injustamente olvidado: el guitarrista, pianista y compositor Ike Turner y con 17 añitos se unió a su banda haciendo coros. En menos de dos años y gracias a su energía, su peculiar voz y su carisma en el escenario, Anna era la estrella del show. La banda pasó a llamarse “Ike Turner and The Kings of Rythm”. En 1960 publicaron su primer sencillo con Anna como solista “A Fool In Love”, que fue un exitazo. Se casaron en Tijuana (México) y a Ike se le ocurrió cambiar el nombre de su nueva esposa por el de Tina Turner, pasando a formar el dúo “The Ike and Tina Turner Revue”. Además del tema nombrado anteriormente, en la década de los 60 tuvieron varias canciones de éxito: "It's Gonna Work Out Fine", "I Idolize You"y el superventas “River Deep, Mountain High”, y aunque Ike era reacio, incluían en sus directos temas algo más orientados al rock, como “Come Together”, “Honky Tonk Woman” o “I Want to Take you Higher”.
Pero su mayor éxito (pinchado en nuestro pub) lo alcanzaron en 1971. Ike creó un magnífico cover del tema “Proud Mary”, de la Creedence, y el tema le valió el Grammy de ese año a la mejor interpretación. Posteriormente, Tina sacó un disco en solitario sin demasiado éxito (el talento no se contagia por casarte con alguien) y también salió en una peli. (después comentaremos algo de su carrera como “actriz” ).
La pareja se separa en 1976, pero para temas personales mejor os veis la peli sobre su vida que protagonizó Angela Basset.
Para ser fiel a la realidad, os contaré que después de su separación, los discos que sacó al mercado no tuvieron prácticamente ninguna repercusión, hacía algunos duetos con Cher y poco más. Su despegue como solista no llegaría hasta mediados de los ochenta, con el tema “What's Love Got to Do With It” y un poco después con el album “Private Dancer”, compuesto para ella por Mark Knopfler (sí, el calvo de los Dire Straits). Iba mezclando sus directos (que es lo más salvable de su carrera) con extravagancias del tipo duetos con Eros Ramazotti o Antonio Banderas; Bueno, el dueto con Bryan Adams es soportable. Quizás su disco más conocido sea uno de principios de los 90: “Simply The Best”, que no deja de ser un recopilatorio.
En los 90 se dedicó a hacer giras explotando su imagen de “abuela del rock” y luciendo unas espléndidas piernas, ya que sus temas eran más que discretos.
En cuanto a las pelis, Tina apareció en “Tommy” (1975), donde interpretaba el papel de reina del ácido, es por ello que durante años se la conoció con el apelativo de “Acid Queen”. También la podemos ver (si os atrevéis) en “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y en aquel truño de Mel Gibson llamado “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (o algo así), donde su papel más relevante era el tema “We don’t need another hero”. También cantó el tema principal de la peli de la saga James Bond “Goldeneye”, pero ahí tuvieron el buen gusto de no hacerla actuar.

LAS CHICAS DEL ROCK. 3. JOAN JETT

Probablemente, Joan Jett sea una de las figuras femeninas más importantes del rock . Bandas como “The Donnas”, “ Hole”, “ Shonen Knife” o “Kittie” han declarado públicamente la influencia de Joan Jett en su música. Además, la revista Rolling Stone la incluye en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia. Ya sabeis lo que opino de la susodicha revistilla, pero bueno...

Joan Jett (Joan Marie Larkin) , nacida en 1958, en Philadelphia (EEUU) es una cantante, guitarrista, productora, y ocasionalmente actriz. A los 15 años, Joan formó "The Runaways" junto a sus compañeras, Sandy West, Lita Ford y Cherie Currie. Joan cantaba, tocaba la guitarra rítmica y escribía mucho material de la banda. Grabaron cinco LPs y giraron por el mundo entero junto con "Cheap Trick", "Van Halen" o "Tom Petty and The Heartbreakers". Sus mayores éxitos los alcanzaron en Japón.

Aunque "The Runaways" eran muy populares en Europa, Japón, Australia, Canadá y Sudamérica, no tuvieron el mismo éxito en Estados Unidos. Parte de eso se debía a que la prensa musical de este país no estaba acostumbrada a que una banda de mujeres adolescentes hicieran música con seriedad. “The Runaways” se separaron en 1979. Tras la disolución de la banda, Joan fue a Inglaterra para comenzar una carrera en solitario. Mientras estuvo allí, compusó tres temas con los ex-Sex Pistols Paul Cook y Steve Jones (uno de ellos era la primera versión de "I Love Rock n Roll"). De vuelta a Los Angeles, Joan comenzó a rodar una película basada en "The Runaways" llamada "We're All Crazee Now!". La película nunca fue editada, pero durante la realización del proyecto, Joan conoció al compositor y productor Kenny Laguna, con el que entabló amistad, decidiendo trabajar juntos.
Joan Jett y Laguna entraron en los estudios "The Who's Ramport Studios" para grabar su debut en solitario. El disco "Joan Jett" fue editado en Europa con su propio sello: "Blackheart Records". De este modo, Jett se convertiría en la primera intérprete femenina en crear su propio sello discográfico.
Es conocida por su hit “I love Rock n Roll”, que fué número uno durante varios meses en 1982. Otros temas más que aceptables: “Crimson and Clover”, “Do you Wanna Touch Me”, “Light of Day”, “I Hate Myself For Loving You”, “Little Liar” y “Love Is All Around”.La actriz Kristen Stewart (la de “Crepúsculo”) protagonizará proximamente una película en la que encarnará a Joan Jett. La película se llamará "The runaways".

LAS CHICAS DEL ROCK. 2. JANIS JOPLIN

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Continuamos con nuestra mini –sección dedicada a las chicas del rock con un símbolo de la contracultura de los 60, una mujer que rompió moldes en todos los sentidos, más excesiva incluso que Jim Morrison en el consumo de alcohol y drogas, desmesurada en el sexo, amante de la soledad y muy insegura en lo afectivo. Una mujer que tuvo los santos ovarios de destinar 10.000 dólares de su testamento para que sus amigos se corrieran una juerga salvaje tras su muerte. Os hablo de Janis Joplin.

Janis nació en Texas en 1943, hija de trabajadores que soñaban con que su hija fuera maestra. Ya en el primer año de instituto, se unió a una pandilla de beatniks, ya sabéis, jóvenes con inquietudes intelectuales y preocupados por el racismo y las injusticias sociales que no eran precisamente populares en la ideología mojigata estadounidense de aquella época (bueno, de cualquier época). Con 16 añitos, ya gustaba de frecuentar los bares de Lousiana donde escuchaba música negra y empezó a cantar, aunque no lo empezó a hacer de forma habitual en garitos hasta que se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Texas, donde también empezó a alimentar la leyenda de ilustre alcohólica. Empezó a hacerse realmente conocida en 1963, cuando se trasladó a San Francisco, donde también empezó su idilio con las drogas (con todas), llegando a pesar 32 kilos.

En 1965 decide volver a ser una chica buena, dejar los excesos, volver a matricularse en la Universidad y casarse con su gran amor, Peter Le Blanc. Pero Peter la abandona en el altar y eso marcó definitivamente su inseguridad afectiva y el regreso definitivo a los excesos de alcohol, drogas y sexo con la condición casi inexcusable de que sus amantes (de cualquier raza, sexo, estatura o estado civil) no duraran más de una semana. Es por éllo que no voy a relataros su lista de amantes, que no tenemos una semana. Os nombraré a algunos: Eric Clapton, Jimy Hendrix, Leonard Cohen o Jim Morrison (joder, ¿a quién no se tiró Jim Morrison?).

Flirtea con la psicodelia y el rock progresivo, pero lo que realmente la llena es el Blues, ha nacido para ello. Se une a varias bandas y actúa en el histórico Festival de Monterrey en el 67, donde deja boquiabierto al personal con su versión de “Ball and Chain” (mítico blues de Big Mama Thornton).

Graba con los Big Brother and the Holding Company el disco “Cheap Thrills”, del que se venden un millón de copias en menos de un mes. Queda patente que es demasiado buena para el grupo, además de querer derivar más su música hacia el blues, por lo que abandona la banda y empieza a buscar músicos para su nuevo proyecto, la “Kozmic Blues Band”, pero su nuevo disco “I Got Dem Old Kozmic Blues Again Mama” no tiene éxito en USA y decide girar por varios países de Europa, donde el éxito es arrollador. A pesar de que su enganche a la heroína ya es irreversible, se ha convertido ya en un símbolo de rebeldía para las mujeres de su época.

Actúa de forma memorable en el Festival de Woodstock, teniendo que hacer bises de “Ball and Chain” y “Piece of my Hart”, pero había un problema: sus músicos eran “demasiado profesionales”, y élla quería sentirse como en familia, por lo que a finales del 69 la banda se separa y Janis se va de viaje con una amiga al carnaval de Río de Janeiro y –de paso- intentar desengancharse (posiblemente no fuera el ambiente más propicio). Allí conoce a David Niehouse, se enamoran y recorren durante unos meses la selva de Brasil y regresan a San Francisco. Ya de vuelta, y con todos convencidos de que Janis se ha desenganchado de la heroína, forma una nueva banda, la “Full Tit Boggie Band” y actúan en el “Festival Express”.

En septiembre de 1970 se traslada a Los Angeles a grabar “Pearl” (por favor, no os perdais este disco). El 4 de octubre, para celebrar una buena sesión de grabación, se va de copas con los compañeros y coge una cogorza monumental, se va al hotel y allí muere debido a una sobredosis de heroína de una pureza inusual (se habló del 40%, cuando no es habitual que sobrepase el 5 % de pureza). Fue entonces cuando su entorno se dio cuenta de que en absoluto se había desenganchado. Seguro habréis leido en Internet especulaciones varias sobre los misterios que rodearon su muerte, la desaparición de jeringuillas de la habitación, que si había alguien más allí, etc.etc. ¿qué más da?

Solo cuatro semanas después de su muerte, “Pearl” sale al mercado y es número uno quince semanas seguidas. Como curiosidad, os diré que el tema “Mercedes Benz” está a capella (sin música) porque fue el último que grabó Janis y como homenaje a élla decidieron no añadirle la música, que ya estaba pregrabada. Las cenizas de Janis Joplin se arrojaron al Océano Pacífico.

Aparte de los temas de Janis, os recomiendo un disco del 2007, “Buried Alive In The Black”, un tributo a Janis Joplin de cantantes femeninas de Metal, entre las que figuran Angela Sin, Liv Kristine o Sarah Jezebel Deva, de “Cradle of Filth”. Y tampoco creo que os disguste la película de 1979 “La Rosa”.

SUZI QUATRO

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LAS CHICAS DEL ROCK. 1. SUZI QUATRO

Alguien que controla mucho de música me ha hecho llegar una sugerencia muy interesante: hacer alguna reseña en el blog dedicada a las chicas en el Rock. Ciertamente, en comparación con la aportación masculina, la presencia de mujeres en el Rock ha sido –desgraciadamente- escasa. La época gloriosa de nuestra música favorita (parte de los 60’ y todos los 70’) no se caracterizaba precisamente por ser una época de igualdad social en cuanto a género, por lo que las pocas mujeres que se hicieron un hueco en un mundo reservado a los hombres, tienen un mérito especial.

Iniciamos hoy una serie de reseñas en las que intentaremos acercaros la vida y obra de algunas de las chicas que dejaron su huella en el Rock. No pretendo que el orden sea por importancia, más bien aleatorio, pero teneis que perdonarme una pequeña licencia: voy a comenzar por una muchacha que me gustó muchísimo (en todos los sentidos) en mi adolescencia, pues sus discos (y algún poster) compartían estantería en mi habitación con los de Hendrix, los Zeppelín, los Purple o los Stones. Estoy hablando de Suzi Quatro.

Suzi (en realidad Susan Key) nació en el año 1950 en Detroit, de padre italiano y madre húngara. Cantaba, y tocaba de coña el bajo y el piano. Y no sé por qué hablo en pasado, pues aún hoy sigue dando algún concierto, básicamente en Europa, donde siempre fue más apreciada que en los USA.

Tomó clases de piano, siguiendo la tradición familiar y empezó en el Rock creando junto a sus tres hermanas bandas como “Pleasure Seekers” y “Craddle”. A principios de los 70 se trasladó al Reino Unido con un contrato de grabación. Su primer sencillo “Rolling Stone” fue un fracaso (sólo gustó en Portugal), pero con “Can the Can” fue número uno en Europa en el 73. después llegarían más éxitos, como “Daytona Demon”, “48 crash” y “Devil Gate Drive”.

Sin embargo, el éxito le era esquivo en Estados Unidos, a pesar de ser a telonera habitual en las giras de Alice Cooper. A mediados de los 70 su carrera sufre un bajón, del que se recupera con el grupo “Smokie” y el tema “Stumblin’ in” en 1979. a principios de los 80 vuelve a triunfar con el tema “Rock Hard”, que sería su último gran éxito.

A partir de entonces, colaboraciones con “Bronski Beat”, “The Kinks”, matrimonios, churumbeles, divorcios, más matrimonios, concursos de televisión del tipo “Supervivientes”, voces en películas…Actualmente vive en Inglaterra, donde tiene un programa en la radio de la BBC. La podéis buscar en Youtube (ah…la tecnología es maravillosa…), pero os recomiendo temas como “Rock Hard”, “48 Crash”, “Back to the Drive”, “Devil Gate Drive”, “Glycerine Queen”, o “I’ve Never Been in Love”.