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THE ROLLING STONES.1978-1983. UN POCO DE TODO.

2009-11-03T16:44:00.002+01:00

“SOME GIRLS”. 1978. Tres discos seguidos regularcillos tirando a malos debieron parecerles suficiente a los Stones, y este álbum del que os voy a hablar es realmente bueno.

Regresan a sus influencias básicas, pero hacen un guiño a las nuevas tendencias de mediados de los 70, la música “disco” y el Punk Rock. Tened en cuenta que, después de las malas críticas de sus anteriores trabajos, los Stones en aquel momento eran considerados por gran parte de la crítica y el público como unos “dinosaurios decadentes e irrelevantes”, es decir, que ya les llamaban “eso” hace 30 años ¡!

El nuevo componente, Roonie Wood carecía del virtuosismo de Taylor, pero lo compensaba con muchas ganas y energía, lo que le vino muy bien a Richards para empezar a lucirse más. Incluso Jagger, que había aprendido a tocar la guitarra hacía poco tiempo, se anima en algún tema, y lo cierto es que en “Respectable” sacan un buen sonido juntando las tres guitarras. Además del tema citado, destacaremos “Miss You”, “Shattered” y el impresionante “Beast Of Burden”.

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“EMOTIONAL RESCUE”. 1980. Volvemos a bajar el listón. Se inicia la década de los 80 y, quizás dolidos porque empiezan a ser considerados unos inmovilistas, intentan adaptarse a los nuevos tiempos en materia musical. Mal hecho, los Stones son estrellas del Rock, y punto. Pero bueno, hablemos de este prescindible álbum. Deciden abrir el disco con “Dance”, un tema en plan Funky-Discotequero. Pero si hay algo razonablemente decente es “Summer Romance”, un rock frenético, y “She’s So Cold”, con un fantástico riff muy en la línea de Richards.

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“TATTOO YOU”. 1981. Con este disco, la crítica vuelve a rendirse a los Rolling Stones, lo cual no deja de ser gracioso, teniendo en cuenta que es un disco de retales, ya que está compuesto por temas que no tuvieron cabida en anteriores trabajos y dormitaban en un cajón. Lo cierto es que solo lo grabaron para tener nuevo material que tocar en una incipiente gran gira. Contiene como temas más destacables “Start Me Up”, con ese riff inconfundible, “Hang Fire” y “Waiting On A Friend”.

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“UNDERCOVER”. 1983. con este álbum, nuestros amigos intentan meterse de lleno en los 80, procuran reinventarse e incluyen nuevos ritmos y lo mejor de las nuevas tecnologías. El resultado no diré yo que esté mal, pero…zapatero a tus zapatos. No es nada extraordinario, pero tampoco es de lo peor de la banda, desde luego. Rescatemos: “Undercover Of The Night”, “She Was Hot”, “Too Much Blood” y “Too Tough”.

THE ROLLING STONES. 1973-1976. UN POQUITO DE DECADENCIA

2009-11-03T16:00:00.002+01:00

“GOATS HEAD SOUP”. 1973. Quizás agotados después de quemar muchas neuronas en “Exile On Main St”, este disco es bastante flojito y, en mi opinión, marca el final del mejor período de los Stones. Dejan el sonido crudo de sus anteriores trabajos y regresan al Soul con algo de Funk mezclado, no agitado. Vendió muy bien, eso es cierto, pero quizás también fuera a consecuencia del gran sabor de boca que habían dejado sus tres anteriores álbumes. De cualquier modo, sólo por el hecho de que es el disco que incluye “Angie”, ya merece la pena. Tremenda balada de desamor, interpretada por Jagger de una forma desgarradora (aunque el tema es de Keith Richards). Tengo que cerrar las sesiones en el Pub con este tema, sí o sí...

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IT'S ONLY ROCK 'N' ROLL. 1974. Seguimos de bajón, amiguitos. Cabe destacar que este disco sería el último de la etapa de Mick Taylor en los Stones y el primero que produce el monstruo de dos cabezas llamado Jagger/Richards. Destacable: la portada y contraportada del vinilo y el tema que da título al álbum.

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BLACK AND BLUE. 1976. Es el primer disco en el que participa Ron Wood (y ahí sigue). Desde luego, no era un principiante, provenía de la legendaria banda de Rod Stewart “The Faces” y anteriormente había formado parte de “The Jeff Beck Group”, tremenda banda. Sin ser para echar cohetes, el álbum está bastante mejor que sus dos anteriores trabajos, y bucean en diferentes sonidos como el Jazz, el Funk y el Reggae. Los temas que destacaría son: “Hot Stuff”, “Cherry Oh Baby” y “Fool To Cry”.

1969-1972. LA MEJOR BANDA DEL MUNDO.

2009-11-02T19:01:00.003+01:00

"LET IT BLEED". 1969. Es un álbum que marca el inicio de la etapa de Mick Taylor como guitarrista de la banda, en sustitución de Brian Jones, que falleció un mes después de ser expulsado de los Stones porque sus problemas con la justicia perjudicaban seriamente al grupo, entre otras cosas porque Jones no tenía permitida la salida de Gran Bretaña.

Es un buen disco que, sin ser excepcional, sucede muy dignamente al bombazo que había sido “Beggar´s Banquet”. Aunque es un disco de Rock, nuestros amigos dejan aún patente la profunda influencia del Blues, que les acompaña hasta el día de hoy.

El disco empieza con Gimme Shelter, una canción con alusiones a la guerra de Vietnam. La siguiente composición es un cover de Love in Vain, del único e incomparable Robert Johnson. Continuamos con Country Honk, una versión coñera-country de Honky Tonk Women. Live With Me es un rock que intenta describir el decadente estilo de vida de la banda. Supuso el inicio de la colaboración con el grupo del gran saxofonista Bobby Keys, que participaría en otras canciones de éxito de la banda, como Brown Sugar. Let It Bleed, que habla explícitamente de sexo y drogas, cerraba la primera cara del álbum.

La segunda comienza con Midnight Rambler, inspirada en la historia del estrangulador de Boston. Monkey Man es un extraño tema del grupo que en el que Jagger grita "todos mis amigos son yonquis". El álbum concluye con You Can't Always Get What You Want, cara B del sencillo de Honky Tonk Women. Grabada en el vinilo, se puede leer la siguiente recomendación: "Esta grabación debería reproducirse con un volumen elevado".

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"STICKY FINGERS".1971. Sigue conteniendo los clásicos sonidos de rock and roll, blues, y algo de country, pero incluye un tono más “oscuro” en las letras, con alusiones a la esclavitud, el sexo interracial y el consumo de drogas (de otra cosa no entenderían, pero de eso…). Por primera vez, se incluye el famoso logotipo de la lengua.

Posiblemente sea de los mejores álbumes de los Rolling, tanto a nivel de crítica como de éxito comercial. La canción más exitosa de este disco fue, sin duda, Brown Sugar, aunque Mick Jagger se llevará a la tumba el significado de la misma; no está nada claro si se refiere a una amante de color o a la heroína. Tanto Sway como Moonlight Mile cuentan con estupendos arreglos de cuerda de Paul Buckmaster. Seguimos con una especie de preciosa balada llamada Wild Horses, de la que también os recomiendo la versión de los Guns N Roses e incluso la que hizo Garbage, que hoy estoy generoso.

Can’t You Hear Me Knocking destaca por la brutal calidad de Mick Taylor como solista a la guitarra. You Gotta Move es una versión del Blues del reverendo Gary Davis. Sister Morphine narra la agonía de un hombre en el hospital, a causa de una sobredosis; la letra la compuso la novia de Jagger, Marianne Faithfull y, quizás por eso, sea la canción más floja del disco. Dead Flowers es una parodia (una más) de la música country, pero les salió un temazo. El broche lo pone Moonlight Mile, un tema que Richards no pudo concluir al hallarse inmerso en su peor etapa de adicción a las drogas, por lo que se encargó del trabajo Taylor.

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"EXILE ON MAIN ST.". 1972. Además de las influencias clásicas, deja entrever claramente sonidos afroamericanos y toques de otros géneros inéditos en los Stones hasta el momento, como Jazz y Gospel. La mayoría de las letras siguen la típica fórmula del rock and roll (sexo, alcohol y drogas) pero añaden algunas de carácter más personal, narrando la soledad de las estrellas de Rock (qué pena me dan). Hay bastante unanimidad en considerar a Exile On Main St. la obra cumbre de los Stones (y me incluyo, con alguna pequeña reticencia). Es un doble álbum, con 18 temas repartidos en 4 caras.

Rocks Off es la primera canción del disco, una pieza de rock en la que intervienen las guitarras de Richards y Taylor, con buenos complementos de piano y vientos. Rip This Joint cuenta con la desgarrada voz de Jagger y el piano de Hopkins, es una canción inspirada en el rockabilly. Shake Your Hips es una versión de un blues del gran Slim Harpo. Casino Booggie no es gran cosa, como curiosidad, Keith Richards toca el bajo. Tumbling Dice es el primer sencillo del álbum, un auténtico temazo. Sweet Virginia es otra composición country-cachondeo en la que Jagger se luce con la armónica. La tremenda guitarra que suena en Torn And Frayed es de Al Perkins, ya que Richards estaba desintóxicándose…otra vez. Sweet Black Angel es un tema basado en la activista miembro de las Panteras Negras, Angela Davis. Loving Cup en principio se había compuesto para el concierto-homenaje a Brian Jones en Hyde Park y se incluyó en este doble álbum.

Happy es, al menos hasta la actualidad, el único sencillo del grupo cantado por Richards. Ventilator Blues (temazo) es el único tema que Mick Taylor compuso durante su andadura en la banda, tremendo riff de guitarra. I Just Want To See His Face es una mezcla de Blues y Gospel interesantísima en la que Richards toca el piano; si os gusta el grupo Sonic Youth, sabréis de dónde han sacado su sonido. Muy influenciados por el soul, nos encontramos con la balada Let It Loose. Un temazo más: All Down The Line. En Stop Breaking Down vuelven a versionar a Robert Johnson, grandísimo Blues. Uno de mis temas favoritos del disco es Shine A Light, brutal Billy Preston al piano y un sonido Gospel espectacular.

THE ROLLING STONES. PRIMEROS ALBUMES. 1962-1968

2009-10-28T17:11:00.003+01:00

“England’s Newest Hit Makers”. 1964.

El album debut de nuestros héroes se grabó en apenas cinco días, en Londres. Básicamente, son versiones de Rock And Roll y de Rythm And Blues. La mayoría son versiones de temas de Chuck Berry, Muddy Waters o Nat King Cole. De hecho, el único tema que firman Jagger y Richards es “Tell Me You’re Coming Back”. Fue un éxito en Gran Bretaña, llegando al número uno de las listas y al once en USA.

“12 X 5”. 1964.

12 x 5 es el segundo album de estudio de los Rolling, también de 1964. Al igual que ocurrió con su predecesor, England's Newest Hit Makers), la base principal del álbum la forman versiones de temas deRhythm and Blues, pero el dúo Jagger/Richards ya se anima con tres temas propios. Después de una serie de sesiones en Chicago en junio de 1964, la discográfica del grupo publicó en el Reino Unido el EP de cinco canciones Five by Five. Debido a que el EP nunca fue un formato de éxito en los Estados Unidos, su distribuidor estadounidense añadió siete canciones más para formar un álbum completo. El título del mismo alude al hecho de que los doce temas del disco son interpretados por cinco músicos. 12 x 5 se vendió aún mejor que England's Newest Hit Makers, alcanzando el puesto número 3 en las listas de éxitos y obteniendo un disco de oro rápidamente.

“THE ROLLING STONES, NOW!!!”. 1965

The Rolling Stones, Now! es el tercer disco de estudio de los Stones para los Estados Unidos. Lo publica en 1965 London Records. El album contenía 7 temas de la versión inglesa del disco y otros temas que aparecerían el año siguiente en la versión británica de “Out Of Our Heads”. Alcanzó el quinto puesto en las listas, consiguiendo un nuevo disco de oro para la banda. Lo mejor estaba por llegar...

“OUT OF OUR HEADS”. 1965

Out Of Our Heads , que podríamos traducir como “desquiciados”, es el tercer álbum de los Stones en el Reino Unido y el cuarto en USA. Fue publicado en 1965, pero con significativas diferencias en ambos territorios. Por ejemplo, el que sería gran éxito “(I Can’t Get No) Satisfaction”, no salió en la versión inglesa, aunque cueste creerlo. Dicho tema saldría poco después en su país, pero como sencillo. Otro buen tema, “One More Try”, no sería editado en el Reino Unido hasta 1971. la versión norteamericana se convirtió en el primer LP de la superbanda en llegar a número 1 (gracias a “Satisfaction”) y se convirtió en disco de platino. Era el comienzo de una leyenda.

“DECEMBER'S CHILDREN (AND EVERYBODY'S)”. 1965

December's Children (And Everybody's) se compone de temas ya escritos anteriormente, pero sin cabida en sus otros discos y algunos temas en vivo. Aunque alcanzó puestos altos en las listas, incluso un disco de oro, hay que reconocer que es un album de relleno, del que podemos salvar precisamente las canciones grabadas en directo, I’m moving On y Route 66.

“AFTERMATH”. 1966

Aftermath es un álbum enteramente grabado en estudio y, por muchos motivos, el mejor con diferencia de los Stones hasta ese momento. Para empezar, se olvidan de las versiones de los clásicos y todos los temas, por primera vez, son firmados por Jagger y Richards. Por otro lado, por fín ese genio minusvalorado que era Brian Jones coge las riendas de la parte instrumental y el resultado es una diversidad estilística tan precisa que consolida definitivamente a la banda en el plano artístico y creativo: por fín demuestran que no son un grupo que lo confía todo a los directos. Aún seguían con la bobada (muy en boga en aquellos tiempos) de incluir diferentes temas según el disco fuera a editarse en USA o en Gran Bretaña, pero yo me inclino por relataros los temas de la versión estadounidense, que es la que incluye la imprescindible “Paint It, Black”, uno de los temas más versionados de la historia del Rock. También hay temazos como “Lady Jane” o “Under My Thumb”. Los inútiles de la revista Rolling Stone ubican este disco en el número 108 de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos.

“BETWEEN THE BUTTONS”. 1967

Between the Buttons es un disco del que realmente no hay mucho que decir. Como siempre, la mejor es la versión que editaron en USA, ya que incluye “Let’s Spend The Night Together”, temazo que desaparece en la versión que sacan para Inglaterra. Cousas veredes…

“THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST”. 1967

Their Satanic Majesties Request supone la incursión de los Rolling en el rock psicodélico, tan de moda en los 60’. Como consecuencia del título del álbum, se les conoce desde entonces como “Sus Satánicas Majestades”. Quizás pueda considerarse como el “álbum maldito” de los Stones, ya que por un lado ganaron muchos fans que lo consideran como un disco de culto, pero lo cierto es que las críticas fueron muy severas.
Entre sus temas más celebrados están la balada de tintes Psicodélicos "She's a rainbow", y los cortes "Citadel", "2000 man" y "2000 light years form home". Señalar que "2000 man" fue versioneada por Kiss para su disco de 1979 "Dinasty", convirtiéndose en un tema clásico de su repertorio. También es recomendable un cover de "2000 light years from home" del grupo Monster Magnet.

“BEGGARS BANQUET”. 1968

El banquete de los mendigos, amiguitos, ¡qué pedazo de álbum!. Después de la anterior experiencia psicodélica, la banda regresa a las raíces del Rythm And Blues (de donde nunca debieron salir). Las letras ya empiezan a ser más curradas, debido en gran parte a que en aquella época Mick Jagger estaba enganchado a la poesía y la filosofía. El resultado son unas composiciones inspiradas en la conflictividad social de aquellos días y muy centradas en la crítica social. El álbum pronto alcanzó ventas millonarias, lanzado por dos sencillos: “Jumpin’ Jack Flash” y “Street Fighting Man”, que fue pronto censurada en las emisoras por ser considerada “desestabilizadora” por el partido republicano. La crítica musical fue unánime y posiblemente sea de los mejores discos (si no es el mejor) de los Stones. Los atontaos de la revista Rolling Stone incluso lo sitúan en el número 57 de los mejores 500 álbumes de la historia.
Este álbum abre con una de las mejores composiciones realizadas por el binomio Jagger/Richards: “Sympathy For The Devil”. La canción está inspirada en la novela El maestro y Margarita, del escritor ruso Mijaíl Bulgàkov. En este libro se produce la aparición del diablo cometiendo asesinatos en la Rusia de los años treinta. La canción escandalizó a parte de la sociedad de aquel entonces, y ahí empezaron las acusaciones a la banda de practicar satanismo. La pieza era en sus primeras versiones una canción de folk, pero a sugerencia de Richards se le fueron añadiendo elementos de samba, como la inclusión de bongos, maracas y congas. Brian Jones contribuyó inicialmente tocando la guitarra acústica, pero ésta no fue incluida en la mezcla final. Por si os interesa, la película de Jean-Luc Godard “Sympathy for the Devil”, estrenada en 1968 y titulada “One plus One” en Europa, recoge parte del proceso de grabación del tema.
No Expectations es una balada que habla sobre desamor y soledad, destacando la instrumentación acústica y la guitarra de Brian Jones. Dear Doctor es otra canción de country acústico en la que el tono vueve a ser como de cachondeo. En la pieza de blues-rock Parachute Woman, lo más destacable es el sonido sucio que ofrecen las guitarras.
Uno de los temas más interesantes del álbum es Street Fighting Man, inspirada en los incidentes de Mayo del 68 y las manifestaciones contra la Guerra del Vietnam. Prodigal Son es un Blues curioso. Stray Cat Blues es un tema que nos habla de la relación de un hombre mayor con una adolescente utilizando un lenguaje sexual muy explícito. En Factory Girl vuelven a cachondearse del country (o eso me parece a mí) y Salt Of The Earth es un blues acústico muy bueno sazonado con un auténtico coro gospel.
En definitiva, un álbum cojonudo, del que os he puesto la portada prevista inicialmente, que fue censurada, por lo que el disco salió al mercado con un fondo totalmente blanco con el título sobreimpresionado en letras doradas. ¿cachondeíto hacia el disco blanco de los Beatles? Yo no digo nada…

THE ROLLING STONES. COMPONENTES. FUNDACION.

2009-10-28T16:46:00.002+01:00

Bienvenidos a la serie de reseñas de The Rolling Stones, mi banda favorita. Y punto. Fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el teclista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman. Stewart solo duró un año como músico, ya que pasó a ejercer las funciones de manager hasta 1985, cuando murió. Brian Jones (desgraciadamente) fue despedido en el 69, poco después moriría; en su lugar entró en la banda Mick Taylor, que a mediados de los 70’ es sustituido por Ron Wood. Bill Wyman decidió dejar los Stones en 1993.

Richards y Jagger habían sido compañeros en la escuela de primaria, pero perdieron el contacto cuando Richards se mudó. En 1960 se encontraron casualmente en el metro de Londres, cuando Richards iba a clases a una Escuela de Arte y Jagger iba a Económicas. Compartían el gusto por el Rock y el Rhythm And Blues (Muddy Waters, Chuck Berry, Little Walter) y pronto deciden formar la banda “Little Boy Blue”, junto a un amigo común, Dick Taylor. Mientras, un supermúsico llamado Brian Jones había llegado a Londres y tocaba habitualmente con el grupo “Blues Inc.”. Paralelamente a ese grupo, Jones quería formar una banda de Rhythm And Blues y con ella se presentó una noche en el Ealing Club. Richards y Jagger, entre el público, quedaron impresionados y al finalizar la actuación fueron a hablar con él. Jones les propuso que se unieran a su grupo, aún sin nombre, a lo que accedieron. Durante ese período de penuria económica, el grupo sobrevivía gracias a las becas de Jagger, pero no se desaniman. A finales de 1962, Blues Inc. Tenía una actuación en el Marquee Club, pero no podían asistir finalmente, por lo que recomendaron al grupo de Brian Jones para sustituirlos, necesitaban un nombre y es entonces cuando Jones bautiza a su banda como The Rolling Stones. Ya sé que la traducción literal sería “cantos rodados” o “piedras rodantes”, pero la expresión en inglés se usa coloquialmente para definir a personas descarriadas, por lo que el equivalente más próximo en castellano podría ser “los balas perdidas”. En diciembre de ese año incorporan a la banda al bajista Bill Wyman, un gran músico (pero no lo ficharon por eso), el único componente del grupo con una verdadera educación musical (pero no lo ficharon por eso), poseía un amplificador (lo ficharon por eso). Al mes siguiente llaman a Charlie Watts para hacerse cargo de la batería, a pesar de que aborrecía (por lo menos entonces) el rock y el blues.

Gracias a aquella actuación casual, los fichan para tocar ocho meses en el club Crawdaddy, y ahí empiezan a ganar legiones de fans, entre los que se incluyen unos muchachitos que tenían una banda llamada algo así como The Beatles. De hecho, son éstos los que les prestan a los Stones su publicista y los que convencen a un ejecutivo de Decca Records para que vaya a verlos actuar. En cuanto los ve, les presenta un contrato de inmediato. A las dos semanas de firmar, empezaban las sesiones de grabación. Nacía una leyenda.

THE ROLLING STONES. LAS LETRAS.

2009-10-27T18:49:00.002+01:00

Al igual que dicen que todos los hombres utilizamos a lo largo de nuestra vida frases de “El Padrino” en nuestras conversaciones, también deberíamos utilizar letras de los Rolling cuando no sabemos reflejar con palabras lo que sentimos; por ejemplo, cuando un largo fín de semana echas de menos a ese bichiño dulce y especial, no estaría de más que ensayaras la letra de “Love is Strong” para susurrársela al oido tal y como hace Jagger y decirle: “El amor es fuerte, y tú eres tan dulce.Tú me haces fuerte, tú me haces débil, y algún día, nena, nos encontraremos. Un vislumbre tuyo entrando en el pub, una mirada, me hizo seguirte cruzando las estrellas y te busqué hasta en los bares andrajosos. ¿ de qué te asustas, cariño?. Esto es más que un sueño, hacemos un hermoso equipo. El amor es tan fuerte, y tú eres tan dulce. Y algún día, nena, nos encontraremos; en cualquier lado, en el parque donde las ranas escupen, en la calle, en la oscuridad. Te seguí a través de mares turbulentos, bajo bosques oscurecidos de árboles silenciosos. Tu amor es tan fuerte y tú eres tan dulce, me haces fuerte, me haces débil. Hacemos un hermoso equipo, solo dame algo de tiempo. Espero por ti hasta el alba, mi mente se rasga, mi corazón se rasga. El amor es fuerte, y tú eres tan dulce…”. Créeme, te darán ganas de aprender a tocar la armónica. Y si algún día todo se acaba, la mejor manera de mantener la dignidad dejando una puerta abierta es cantarle “Angie” : “¿Cuándo se irán esas nubes? ¿A dónde más podemos ir ahora? Sin amor en el alma, sin dinero en el bolsillo, no podemos decir que estemos contentos, pero que no digan nunca que no lo intentamos. ¿No es tristeza lo que hay en tus ojos? Aún te quiero, nena, recuerda tantas noches en las que lloramos. Todos los sueños que con tanta fuerza abrazábamos parecen haberse esfumado. Allí donde mire siempre veré tus ojos, porque ninguna podrá nunca compararse a ti. Sécate los ojos, ¿no es bueno estar vivos? Que nunca digan que no lo intentamos…”. De todos modos, no caigas en el error de ser siempre romanticón y sensiblero, hay momentos (muchos) en los que ellas prefieren que mostremos nuestro lado más canalla y tomemos la iniciativa…pues nada, nos aferramos a “Mixed Emotions” y que sea lo que Dios quiera. ¿Qué tienes que perder?: “Nena, cierra la boca y abróchate el abrigo. Vámonos a bailar, a romper con todo. Enterremos el hacha, borremos lo pasado y hagamos el amor. No eres la única con emociones ambíguas, no eres el único barco a la deriva en este océano. Este ir y venir me está volviendo loco, hiere mis tripas, así que baja la guardia antes de que se te arrugue el culo. La vida es fiesta, salgamos y gritemos. No eres la única con emociones ambíguas, no eres la única que se siente sola a veces, así que agarremos al mundo por el pescuezo y bebámonoslo, amémonos hasta morir. Ya sabes, cierra la boca, abróchate el abrigo y vamos a bailar, vamos a rockandrollear.”. Y así hasta unas 500 canciones, así que tenéis donde escoger. A lo que me quiero referir es que, cuando nuestro talento no es suficiente (o sea, casi siempre), no debemos cortarnos en tomar prestadas frases de otros para un buen fín, siempre y cuando no se entere la SGAE, que nos manda una factura cagando leches.

LAS CHICAS DEL ROCK. 5. PATTI SMITH

2009-09-29T11:10:00.002+02:00

Patricia Lee Smith nació en Chicago, en 1946. Hija de una cantante de Jazz, recibió durante su infancia, además de una notable influencia musical, una rígida formación religiosa; como suele suceder en estos casos, en cuanto tuvo algo de uso de razón huyó despavorida de cualquier tipo de religión organizada. En uno de sus poemas, escribe: "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos".
Con 20 años tuvo que abandonar la Universidad por las carencias económicas de su familia, y emigró a Nueva York, donde se puso a currar en una librería, buen lugar para dar rienda suelta a sus innumerables inquietudes intelectuales. Dos añitos después, se larga con su hermana a París, donde empieza a cantar temas propios en la calle, además de intervenir en Performances teatrales y pintar de forma casi convulsiva. Los primeros años de la década de los 70, de vuelta a Nueva York, los pasa actuando, escribiendo sin parar y actuando en obras de teatro, además de ser la crítica especialista en Rock de la revista musical Creem.
En 1974 crea la mini banda "Patti Smith Group". Además de versiones de Hendrix y los Purple, canta (casi recita) temas en los que habla de la frustración de trabajar en una cadena de montaje (lo había hecho muy jovencita), de la trampa de las religiones, de ecología...
En 1975 edita su album "Horses", aclamado por la crítica y cuya portada (que preside esta reseña) se convertiría en mítica con el paso de los años. Contiene el tema "Gloria", de los Doors y varios recitativos, así como algún tema que podría clasificarse como Punk-Rock.
El album de 1978 "Easter" contiene el tema más conocido de Patti Smith: "Because the night", compuesto a medias con Bruce Springsteen. Al año siguiente publica "Waves", totalmente prescindible.
Se casa, tiene hijos y vive prácticamente retirada de la música hasta 1988, cuando sale el disco "Dream oflife", del que siendo generosos rescataremos "People have the power". Muere su marido, muere su hermano y no vuelve a aparecer en escena hasta 1995, cuando hace una gira con Bob Dylan, aunque sin dejar nunca de lado su activismo político.
En 1996, se anima a volver a componer y graba un tema llamado "About a boy", dedicado a su gran amigo Kurt Cobain, que acaba de suicidarse, lo cual cabrea monumentalmente a Patti. Musicalmente, poco (o nada) más, sinceramente. Se dedica a componer canciones que hablan de la invasión del Tibet, de sus padres, de Ho Chi Min... De todos modos, en el 2002 salió un recopilatorio llamado "Land", que resume bastante bien su carrera y en el que se encuentra un interesante cover del tema de Prince "When Doves Cry" y otro del "Gimme Shelter", de los Stones.
Patti Smith ha ejercido una notable influencia en muchos órdenes de la vida, su imagen andrógina y poco femenina fueron una bofetada en aquellos 70, su poesía animó el cotarro "beat", su activismo antibélico y en pro de los derechos humanos sigue hoy día y -gracias a sus letras- muchos lerdos comehamburguesas descubrieron la poesía francesa del XIX, sobre todo a Rimbaud. Reconozcamos también que ejercer tanta influencia, no siempre trae consecuencias positivas, Michael Stipe, de R.E.M. declaró en una ocasión: "Cuando, a los 15 años, escuché Horses, me impactó tanto que justo en ese momento decidí que algún día crearía una banda".
Joer, Patti....

2009-09-24T22:19:00.001+02:00

LAS CHICAS DEL ROCK. 4. TINA TURNER

2009-09-17T16:26:00.002+02:00

Tiene su mérito, eso es indudable. Con 70 tacos aún pone berraco a parte del personal, ¿verdad, RogAndRol?. Es la Sofía Loren de la música. Aunque yo personalmente no calificaría su música como “Rock”, tampoco vamos a ponernos exquisitos y con ella haremos una más que merecida excepción.
Anna Mae Bullock nació en 1939 en un pueblecito de Tennessee llamado Nutbush, al que dedicó una canción, “Nutbush City Limits”.
Aunque Tina ya había hecho sus pinitos, fue descubierta en un club de St. Louis a finales de los 50 por un músico injustamente olvidado: el guitarrista, pianista y compositor Ike Turner y con 17 añitos se unió a su banda haciendo coros. En menos de dos años y gracias a su energía, su peculiar voz y su carisma en el escenario, Anna era la estrella del show. La banda pasó a llamarse “Ike Turner and The Kings of Rythm”. En 1960 publicaron su primer sencillo con Anna como solista “A Fool In Love”, que fue un exitazo. Se casaron en Tijuana (México) y a Ike se le ocurrió cambiar el nombre de su nueva esposa por el de Tina Turner, pasando a formar el dúo “The Ike and Tina Turner Revue”. Además del tema nombrado anteriormente, en la década de los 60 tuvieron varias canciones de éxito: "It's Gonna Work Out Fine", "I Idolize You"y el superventas “River Deep, Mountain High”, y aunque Ike era reacio, incluían en sus directos temas algo más orientados al rock, como “Come Together”, “Honky Tonk Woman” o “I Want to Take you Higher”.
Pero su mayor éxito (pinchado en nuestro pub) lo alcanzaron en 1971. Ike creó un magnífico cover del tema “Proud Mary”, de la Creedence, y el tema le valió el Grammy de ese año a la mejor interpretación. Posteriormente, Tina sacó un disco en solitario sin demasiado éxito (el talento no se contagia por casarte con alguien) y también salió en una peli. (después comentaremos algo de su carrera como “actriz” ).
La pareja se separa en 1976, pero para temas personales mejor os veis la peli sobre su vida que protagonizó Angela Basset.
Para ser fiel a la realidad, os contaré que después de su separación, los discos que sacó al mercado no tuvieron prácticamente ninguna repercusión, hacía algunos duetos con Cher y poco más. Su despegue como solista no llegaría hasta mediados de los ochenta, con el tema “What's Love Got to Do With It” y un poco después con el album “Private Dancer”, compuesto para ella por Mark Knopfler (sí, el calvo de los Dire Straits). Iba mezclando sus directos (que es lo más salvable de su carrera) con extravagancias del tipo duetos con Eros Ramazotti o Antonio Banderas; Bueno, el dueto con Bryan Adams es soportable. Quizás su disco más conocido sea uno de principios de los 90: “Simply The Best”, que no deja de ser un recopilatorio.
En los 90 se dedicó a hacer giras explotando su imagen de “abuela del rock” y luciendo unas espléndidas piernas, ya que sus temas eran más que discretos.
En cuanto a las pelis, Tina apareció en “Tommy” (1975), donde interpretaba el papel de reina del ácido, es por ello que durante años se la conoció con el apelativo de “Acid Queen”. También la podemos ver (si os atrevéis) en “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y en aquel truño de Mel Gibson llamado “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (o algo así), donde su papel más relevante era el tema “We don’t need another hero”. También cantó el tema principal de la peli de la saga James Bond “Goldeneye”, pero ahí tuvieron el buen gusto de no hacerla actuar.

LAS CHICAS DEL ROCK. 3. JOAN JETT

2009-09-09T18:04:00.002+02:00

Probablemente, Joan Jett sea una de las figuras femeninas más importantes del rock . Bandas como “The Donnas”, “ Hole”, “ Shonen Knife” o “Kittie” han declarado públicamente la influencia de Joan Jett en su música. Además, la revista Rolling Stone la incluye en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia. Ya sabeis lo que opino de la susodicha revistilla, pero bueno...

Joan Jett (Joan Marie Larkin) , nacida en 1958, en Philadelphia (EEUU) es una cantante, guitarrista, productora, y ocasionalmente actriz. A los 15 años, Joan formó "The Runaways" junto a sus compañeras, Sandy West, Lita Ford y Cherie Currie. Joan cantaba, tocaba la guitarra rítmica y escribía mucho material de la banda. Grabaron cinco LPs y giraron por el mundo entero junto con "Cheap Trick", "Van Halen" o "Tom Petty and The Heartbreakers". Sus mayores éxitos los alcanzaron en Japón.

Aunque "The Runaways" eran muy populares en Europa, Japón, Australia, Canadá y Sudamérica, no tuvieron el mismo éxito en Estados Unidos. Parte de eso se debía a que la prensa musical de este país no estaba acostumbrada a que una banda de mujeres adolescentes hicieran música con seriedad. “The Runaways” se separaron en 1979. Tras la disolución de la banda, Joan fue a Inglaterra para comenzar una carrera en solitario. Mientras estuvo allí, compusó tres temas con los ex-Sex Pistols Paul Cook y Steve Jones (uno de ellos era la primera versión de "I Love Rock n Roll"). De vuelta a Los Angeles, Joan comenzó a rodar una película basada en "The Runaways" llamada "We're All Crazee Now!". La película nunca fue editada, pero durante la realización del proyecto, Joan conoció al compositor y productor Kenny Laguna, con el que entabló amistad, decidiendo trabajar juntos.
Joan Jett y Laguna entraron en los estudios "The Who's Ramport Studios" para grabar su debut en solitario. El disco "Joan Jett" fue editado en Europa con su propio sello: "Blackheart Records". De este modo, Jett se convertiría en la primera intérprete femenina en crear su propio sello discográfico.
Es conocida por su hit “I love Rock n Roll”, que fué número uno durante varios meses en 1982. Otros temas más que aceptables: “Crimson and Clover”, “Do you Wanna Touch Me”, “Light of Day”, “I Hate Myself For Loving You”, “Little Liar” y “Love Is All Around”.La actriz Kristen Stewart (la de “Crepúsculo”) protagonizará proximamente una película en la que encarnará a Joan Jett. La película se llamará "The runaways".

LAS CHICAS DEL ROCK. 2. JANIS JOPLIN

2009-07-31T17:44:00.003+02:00

http://www.youtube.com/watch?v=01X8z42_9_U&feature=related

Continuamos con nuestra mini –sección dedicada a las chicas del rock con un símbolo de la contracultura de los 60, una mujer que rompió moldes en todos los sentidos, más excesiva incluso que Jim Morrison en el consumo de alcohol y drogas, desmesurada en el sexo, amante de la soledad y muy insegura en lo afectivo. Una mujer que tuvo los santos ovarios de destinar 10.000 dólares de su testamento para que sus amigos se corrieran una juerga salvaje tras su muerte. Os hablo de Janis Joplin.

Janis nació en Texas en 1943, hija de trabajadores que soñaban con que su hija fuera maestra. Ya en el primer año de instituto, se unió a una pandilla de beatniks, ya sabéis, jóvenes con inquietudes intelectuales y preocupados por el racismo y las injusticias sociales que no eran precisamente populares en la ideología mojigata estadounidense de aquella época (bueno, de cualquier época). Con 16 añitos, ya gustaba de frecuentar los bares de Lousiana donde escuchaba música negra y empezó a cantar, aunque no lo empezó a hacer de forma habitual en garitos hasta que se matriculó en Bellas Artes en la Universidad de Texas, donde también empezó a alimentar la leyenda de ilustre alcohólica. Empezó a hacerse realmente conocida en 1963, cuando se trasladó a San Francisco, donde también empezó su idilio con las drogas (con todas), llegando a pesar 32 kilos.

En 1965 decide volver a ser una chica buena, dejar los excesos, volver a matricularse en la Universidad y casarse con su gran amor, Peter Le Blanc. Pero Peter la abandona en el altar y eso marcó definitivamente su inseguridad afectiva y el regreso definitivo a los excesos de alcohol, drogas y sexo con la condición casi inexcusable de que sus amantes (de cualquier raza, sexo, estatura o estado civil) no duraran más de una semana. Es por éllo que no voy a relataros su lista de amantes, que no tenemos una semana. Os nombraré a algunos: Eric Clapton, Jimy Hendrix, Leonard Cohen o Jim Morrison (joder, ¿a quién no se tiró Jim Morrison?).

Flirtea con la psicodelia y el rock progresivo, pero lo que realmente la llena es el Blues, ha nacido para ello. Se une a varias bandas y actúa en el histórico Festival de Monterrey en el 67, donde deja boquiabierto al personal con su versión de “Ball and Chain” (mítico blues de Big Mama Thornton).

Graba con los Big Brother and the Holding Company el disco “Cheap Thrills”, del que se venden un millón de copias en menos de un mes. Queda patente que es demasiado buena para el grupo, además de querer derivar más su música hacia el blues, por lo que abandona la banda y empieza a buscar músicos para su nuevo proyecto, la “Kozmic Blues Band”, pero su nuevo disco “I Got Dem Old Kozmic Blues Again Mama” no tiene éxito en USA y decide girar por varios países de Europa, donde el éxito es arrollador. A pesar de que su enganche a la heroína ya es irreversible, se ha convertido ya en un símbolo de rebeldía para las mujeres de su época.

Actúa de forma memorable en el Festival de Woodstock, teniendo que hacer bises de “Ball and Chain” y “Piece of my Hart”, pero había un problema: sus músicos eran “demasiado profesionales”, y élla quería sentirse como en familia, por lo que a finales del 69 la banda se separa y Janis se va de viaje con una amiga al carnaval de Río de Janeiro y –de paso- intentar desengancharse (posiblemente no fuera el ambiente más propicio). Allí conoce a David Niehouse, se enamoran y recorren durante unos meses la selva de Brasil y regresan a San Francisco. Ya de vuelta, y con todos convencidos de que Janis se ha desenganchado de la heroína, forma una nueva banda, la “Full Tit Boggie Band” y actúan en el “Festival Express”.

En septiembre de 1970 se traslada a Los Angeles a grabar “Pearl” (por favor, no os perdais este disco). El 4 de octubre, para celebrar una buena sesión de grabación, se va de copas con los compañeros y coge una cogorza monumental, se va al hotel y allí muere debido a una sobredosis de heroína de una pureza inusual (se habló del 40%, cuando no es habitual que sobrepase el 5 % de pureza). Fue entonces cuando su entorno se dio cuenta de que en absoluto se había desenganchado. Seguro habréis leido en Internet especulaciones varias sobre los misterios que rodearon su muerte, la desaparición de jeringuillas de la habitación, que si había alguien más allí, etc.etc. ¿qué más da?

Solo cuatro semanas después de su muerte, “Pearl” sale al mercado y es número uno quince semanas seguidas. Como curiosidad, os diré que el tema “Mercedes Benz” está a capella (sin música) porque fue el último que grabó Janis y como homenaje a élla decidieron no añadirle la música, que ya estaba pregrabada. Las cenizas de Janis Joplin se arrojaron al Océano Pacífico.

Aparte de los temas de Janis, os recomiendo un disco del 2007, “Buried Alive In The Black”, un tributo a Janis Joplin de cantantes femeninas de Metal, entre las que figuran Angela Sin, Liv Kristine o Sarah Jezebel Deva, de “Cradle of Filth”. Y tampoco creo que os disguste la película de 1979 “La Rosa”.

SUZI QUATRO

2009-07-27T17:59:00.007+02:00

http://www.youtube.com/watch?v=nHTvv1J5aTE&feature=related

LAS CHICAS DEL ROCK. 1. SUZI QUATRO

2009-07-27T17:39:00.027+02:00

Alguien que controla mucho de música me ha hecho llegar una sugerencia muy interesante: hacer alguna reseña en el blog dedicada a las chicas en el Rock. Ciertamente, en comparación con la aportación masculina, la presencia de mujeres en el Rock ha sido –desgraciadamente- escasa. La época gloriosa de nuestra música favorita (parte de los 60’ y todos los 70’) no se caracterizaba precisamente por ser una época de igualdad social en cuanto a género, por lo que las pocas mujeres que se hicieron un hueco en un mundo reservado a los hombres, tienen un mérito especial.

Iniciamos hoy una serie de reseñas en las que intentaremos acercaros la vida y obra de algunas de las chicas que dejaron su huella en el Rock. No pretendo que el orden sea por importancia, más bien aleatorio, pero teneis que perdonarme una pequeña licencia: voy a comenzar por una muchacha que me gustó muchísimo (en todos los sentidos) en mi adolescencia, pues sus discos (y algún poster) compartían estantería en mi habitación con los de Hendrix, los Zeppelín, los Purple o los Stones. Estoy hablando de Suzi Quatro.

Suzi (en realidad Susan Key) nació en el año 1950 en Detroit, de padre italiano y madre húngara. Cantaba, y tocaba de coña el bajo y el piano. Y no sé por qué hablo en pasado, pues aún hoy sigue dando algún concierto, básicamente en Europa, donde siempre fue más apreciada que en los USA.

Tomó clases de piano, siguiendo la tradición familiar y empezó en el Rock creando junto a sus tres hermanas bandas como “Pleasure Seekers” y “Craddle”. A principios de los 70 se trasladó al Reino Unido con un contrato de grabación. Su primer sencillo “Rolling Stone” fue un fracaso (sólo gustó en Portugal), pero con “Can the Can” fue número uno en Europa en el 73. después llegarían más éxitos, como “Daytona Demon”, “48 crash” y “Devil Gate Drive”.

Sin embargo, el éxito le era esquivo en Estados Unidos, a pesar de ser a telonera habitual en las giras de Alice Cooper. A mediados de los 70 su carrera sufre un bajón, del que se recupera con el grupo “Smokie” y el tema “Stumblin’ in” en 1979. a principios de los 80 vuelve a triunfar con el tema “Rock Hard”, que sería su último gran éxito.

A partir de entonces, colaboraciones con “Bronski Beat”, “The Kinks”, matrimonios, churumbeles, divorcios, más matrimonios, concursos de televisión del tipo “Supervivientes”, voces en películas…Actualmente vive en Inglaterra, donde tiene un programa en la radio de la BBC. La podéis buscar en Youtube (ah…la tecnología es maravillosa…), pero os recomiendo temas como “Rock Hard”, “48 Crash”, “Back to the Drive”, “Devil Gate Drive”, “Glycerine Queen”, o “I’ve Never Been in Love”.

JIMY HENDRIX (III) http://www.youtube.com/watch?v=cIvs4j4IniA

2009-07-12T18:39:00.003+02:00

PARTE III. EL FINAL DE LA JIMY HENDRIX EXPERIENCE. WOODSTOCK. MUERTE DE JIMY HENDRIX.

El productor Chas Chandler cada vez tenía más desencuentros con Jimy, pues sus intentos de que el guitarrista se ciñera a criterios comerciales, por ejemplo intentando que los temas no superaran los 5 minutos, se encontraban con la heterodoxia de Hendrix tanto en el modo de concebir las canciones como las grabaciones. Así, el siguiente álbum, “Electric Ladyland”, tiene una gestación muy problemática que concluye con el abandono de Chandler, por lo que Jimy toma el mando y el resultado es un disco con el visionario estilo ácido del guitarrista, compaginando breves riffs con larguísimas jam sessions instrumentales y de un tono claramente psicodélico.

Hendrix cada vez manifestaba más indisciplina en las grabaciones. Contrató a grandes músicos: Al Kooper (teclados), el bajista de los Jefferson Airplane, Jack Cassidy, el batera Buddy Miles y el pianista de Traffic, Steve Winwood. Jimy ordenó grabarlo todo: infinitas jam sessions de prueba, sesiones preparatorias de afinación, modificaciones, ampliaciones. Nada tenía sentido a no ser el instinto brutal de Hendrix. No es extraño, pues, la cantidad de material inédito surgido a raiz de la muerte de Jimy, fruto de ese contínuo hacer y deshacer. Sirva de ejemplo el tema “Gipsy Eyes”, del que existen 43 versiones diferentes hasta que el guitarrista encontró una de su agrado.

No sólo Chandler abandonó el barco enfadado. El bajista Noel Redding también tenía cada vez más enfrentamientos con Hendrix. Más de una vez, después de una bronca con Jimy, abandonaba unos instantes el estudio para calmarse y –cuando regresaba- se encontraba con que la línea del bajo ya estaba grabada por manos del propio Hendrix durante su ausencia.

Electric Ladyland es un album inclasificable (rock Progresivo, quizás) que dejó auténticos temazos, como “Have you ever been to electric ladyland”, “Long hot summer night”, “Gipsy Eyes”, “House burning down”, una impresionante versión del tema de Bob Dylan “All along the watchtower” y sobre todo “Voodoo Chile”.

La última aparición exitosa de la banda tiene lugar a principios del 69, llenando dos días el Royal Albert Hall de Londres. En otras apariciones, surgen enfrentamientos violentos con el público, utilización de gases lacrimógenos por parte de la policía, destrozos de hoteles, detenciones por posesión de heroína, más arrestos en Canadá… “The Jimy hendrix Experience” estaba muerta.

Uno de los eventos más representativos de la historia de la música fue sin duda el Festival de Woodstock de 1969. La emergencia hyppie, las protestas contra la intervención en Vietnam, el talento innovador de los grupos del momento…todo éllo era un caldo de cultivo idóneo para que aquellos “tres días de paz, amor y música” de agosto fueran memorables. La organización del evento dispuso que Jimy Hendrix cerrara el festival la última noche, pero problemas técnicos y una violenta lluvia el día anterior, hicieron que su performance se retrasara a la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los días anteriores (500.000 espectadores de pago) se redujo considerablemente y para el show de Hendrix, apenas quedaban 150.000 personas exhaustas y desganadas.

El guitarrista se presentó en el escenario con una formación inédita, presentada por el speaker como “The Jimy Hendrix Experience”, pero el propio Jimy rectificó de inmediato, presentándose como “Gipsy Sun and the Rainbows”. Logró una exhibición de más de dos horas, siendo el hecho más sobresaliente la célebre transformación del himno de Estados Unidos, interpretado de una manera feroz, con salvajes efectos de bombardeos, sirenas antiaéreas y ruidos de batallas, todo utilizando únicamente su guitarra. Con esa interpretación se acallaban algunas teorías que afirmaban que Jimy era favorable a la intervención en Vietnam, lo cual también se descarta cuando escuchamos el tema “Machine Gun”, de su último album “Band of Gypsys”, un disco grabado en vivo.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres, James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann alegó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido. Hendrix muere a los 27 años de edad, al igual que Robert Johnson, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones o Kurt Cobain.

Hendrix fue un músico autodidacta, sin estudios musicales, lo cual no fue impedimento para lograr una musicalidad expresiva, llena de matices. Logró sonidos naturales, creando secuencias más allá de lo que una guitarra podía dar de sí. Fue el mayor innovador de la historia, logró riffs llenos de poder y su genio y talentos incomparables elevaron a la guitarra a las más altas cotas de fuerza, acidez y sensaciones alcanzadas jamás.

JIMY HENDRIX ( II )

2009-07-07T16:50:00.000+02:00

PARTE II. THE JIMY HENDRIX EXPERIENCE. LA CONSAGRACIÓN.

Llegamos a 1966, el año definitivo en la carrera de Jimy Hendrix. Conoce a la entonces novia de Keith Richards, Linda. Se hacen muy amigos y Linda le presenta a un sinfín de managers y productores que no se llevan buenas impresiones de las ideas de Jimy, excepto Chas Chandler, por entonces bajista de The Animals. Chandler enseguida intuyó que Hendrix tenía muy buenas perspectivas y le convenció de que un buen single de lanzamiento podría ser una versión personal y agresiva del tema de blues de Billy Roberts “Hey Joe”. El resultado entusiasma a Chandler, que se lleva a Londres a Jimy para firmar un contrato y buscar músicos adecuados para formar un Power Trio, un tipo de banda muy de moda en la época gracias a “Cream”. Los elegidos fueron el guitarrista Noel Redding y el superbatería Mitch Mitchell…había nacido “The Jimy Hendrix Experience”.

El sonido del trío arrasó en Europa. La salvaje actitud de Hendrix en vivo, daba lugar a unos conciertos sin precedentes, hasta el punto que personajes como Eric Clapton o Jeff Beck (Yardbirds) se rendían ante el nuevo talento. Sale al mercado su primer disco “Are You Experienced?”, con “Hey Joe” como tema estrella, además de otros como “Stone Free”, un blues áspero y alucinógeno, “Purple Haze”, “The Wind Cries Mary” y algunos temas clásicos del blues. La respuesta en ventas del album fue excelente, quedando en segundo lugar, solo por detrás del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de los Beatles, por lo que aprovechan el éxito para preparar el desembarco en USA.

La ocasión se presentó en Junio del 67, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney - a la histórica edición del Festival de Monterrey. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en Estados Unidos, su actuación sería inmortalizada en el documental que se hizo del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micro y hasta contra el amplificador, causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, plantó fuego a la guitarra con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis alucinante.

El segundo disco de la banda, ya entonces consagrada mundialmente, se tituló “Axis: Bold As Love”. También nació marcado por la vena ácida y experimental del primero, pero con un sonido menos áspero y más cercano al funk y al rhythm and blues. Contiene temas imprescindibles, como “Spanish Castle Magic”, “EXP”, “Little Wing”, “Bold As Love” y otros.

Una curiosidad de la salida del disco fue que Hendrix diseñó la portada de tal modo que se resaltaran sus orígenes indígenas, refiriéndose a la tribu de piel roja nativa de Norteamérica de su madre, pero el estudio gráfico británico se equivocó totalmente, y el resultado fue una portada en la que Hendrix, Redding y Mitchell lucen la vestimenta de las deidades hindúes Durga y Visnú.

De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Estocolmo por algunos compromisos, Hendrix es arrestado después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol.

DERROCHE

2009-07-07T11:43:00.000+02:00

Estos auténticos rockeros ourensanos, nos sorprendieron muy gratamente cuando nos visitaron en el Sitio para presentarnos su disco “Parte del día y toda la noche” (a la venta en nuestro pub por tres putos euros, no seais ratas). En un principio llamados “Alimaña”, nacen en el 2006 con todas las ganas de comerse el mundo, pero aciertan al cambiarle el nombre a la banda, pues lo que estos amiguetes hacen en un escenario es un auténtico “derroche”: de ganas, de entrega, de técnica, de voz y de potencia.

“Derroche” lo componen: Borja “ciruelo”, guitarra rítmica, composiciones, voz y un animal del escenario. Manuel Feijoo “karka” , coros y guitarra solista (¡ y vaya solista ¡). Javier Iglesias, batería (brutal es la palabra) y Ricardo Vázquez Somoza (pimiento), bajo, marcando la pauta.

Recientemente, han teloneado a Los Suaves, y si no los habéis escuchado, no sé a qué coño estais esperando.

ROBER BODEGAS

2009-07-07T11:19:00.000+02:00

No podíamos inaugurar de mejor forma el ciclo de actuaciones en vivo en nuestro Pub. Nos visitó el monologuista Rober Bodegas. Ganador del programa de TV "El rey de la comedia" (entre 3.000 aspirantes) y conocido por su colaboración en el programa de La Sexta "Sé lo que hicísteis" (si, si, ése donde sale Pilar Rubio) además de por ser la imagen de Estrella Galicia. (¿por eso no quisiste fotografiarte con una Heineken en la mano, Rober?).
Rober ha estudiado comedia con gente como Jango Edwards o Leo Bassi, y vaya si se nota.
Desde su paso por el "Sitio", y después de convencernos de que su Carballo natal es más peligrosa que el Bronx, ya no somos los mismos cuando nos queremos comer un yogur (odiamos especialmente los Danacol), subimos intranquilos a los autobuses y noestudiaríamos en la Universidad de la Coruña ni que nos regalaran un piso al matricularnos.
Lo petamos y además nos hicimos risa encima. Hasta pronto, Rober.

JIMY HENDRIX ( I )

2009-07-06T17:27:00.000+02:00

PARTE I. INFANCIA, ADOLESCENCIA, COMIENZOS.

Guitarrista, cantante y compositor, pero sobre todo: precursor, genio, innovador, desafiante, brillante…el mejor guitarrista de todos los tiempos. Su exhibición en 1969, cerrando el Festival de Woodstock ya es la imagen señera de la iconografía histórica del rock. Con una ironía brillante, toca el himno nacional estadounidense con una provocadora distorsión para rematar plantándole fuego a su Stratocaster. La evolución del rock no se podría entender sin sus inéditas fusiones.

Esta es la primera parte de la reseña de James Marshall Hendriks (Seattle, 27/11/1942 – Londres, 18/09/1970), el más grande de la historia y nuestro músico de cabecera.

De madre nativa americana y padre afroamericano, el pequeño Jimy tuvo una dura infancia, marcada por las privaciones y el divorcio de sus padres, cuando contaba con 9 años, por lo que su custodia fue otorgada a su abuela Nora.

En un viejo garaje encontró un ukelele, que usó hasta la extenuación hasta que adquirió por 5 dólares una vieja guitarra acústica. ¿Cómo aprendió a tocarla? Practicando constantemente, escuchando discos y mirando cómo tocaban otros. A los 16 años adquiere su primera guitarra eléctrica y –sin amplificador ni nada- empieza a tocar en varias bandas locales. No era un buen estudiante, pero en lo que sacaba las peores notas era en…música.

Deja la escuela y se dedica de lleno a practicar con su guitarra. Sus influencias: Albert King, Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters y Chuck Berry.

Como tantos otros muchachos de su condición, a principios de los 60 y debido a algunos problemillas con la ley, se ve obligado a elegir entre la cárcel y alistarse en el ejército. Elige la segunda opción y es adiestrado en Fort Campbell, pero la aventura militar duró poco. Jimy no encajaba en la férrea disciplina del campamento y probó de todo para que le expulsaran: problemas de espalda debido a un salto en paracaídas, hacerse el loco, provocar peleas…al final, consigue que el psicólogo recomiende su salida del ejército cuando nuestro héroe se declara homosexual. Vaya enfermedad tan terrible.

Una vez fuera del ejército, forma el grupo “King Casuals”, junto a un colega del campamento militar, Billy Cox. Empiezan tocando en garitos de Tennessee, pero pronto se trasladan a Nashville, corazón del Rhythm & Blues de la época, un gran ambiente para desarrollar todo lo que bullía en su cerebro. La mayor definición de su particular estilo se debe en esa época a una frenética actividad, tanto con los Casuals, como sirviendo de soporte a otros músicos en sus giras, como Slim Harpo, Sam Cooke, Jackie Wilson o Tommy Tucker, mientras no dejaba de investigar en las raíces del Blues.

Cuando considera terminado su período de aprendizaje, y harto del ambiente racista del sur de los Estados Unidos, Hendrix decide trasladarse a Nueva York, instalándose en el barrio de Harlem. Allí consolida una amistad con los hermanos Arthur y Albert Allen, que resultaría fundamental para introducirse en los ambientes musicales underground de la Gran Manzana.

Comienza a saborear el éxito en 1964, cuando es contratado para una gira por todo USA por los Isley Brothers, con los que efectúa la grabación de estudio de “Testify”, que se convirtió en un gran éxito. Entre el 64 y el 65, Jimy lleva a cabo unas idas y venidas interminables por todo el país: deja a los Isley Brothers y se une al Gorgeous George Odell Group, a los que deja en Atlanta para sumarse a los Upsetters, grupo de acompañamiento de Little Richard, a quien Hendrix admiraba. Sucedió que Little Richard (una locaza de cuidado) no soportaba que la excesiva teatralidad de Jimy le robara protagonismo. Así, aprovechando que Hendrix pierde el bus del grupo en una ocasión, Richard le despide. Después de un breve período en una gira de Ike & Tina Turner, se une a Curtis Knight & The Squires y a otras bandas que sería muy aburrido pormenorizar.

Llegamos a 1966, cuando forma “Jimmy James And The Blue Flames”, una variada formación entre la que se contaba el amigo Randy Wolfe. Es en esta época cuando comienza a consumir desmesuradamente LSD, marihuana y todo lo que se os ocurra, además de practicar sexo como si se fuera a acabar el mundo. Por cierto, su preferencia eran las mujeres blancas de piel clara, a ser posible rubias. Al tiempo, traba amistad con multitud de músicos que harían enriquecer su estilo, sobre todo al conocer a Frank Zappa, quien instruyó a Hendrix sobre las posibilidades de un nuevo producto: el Wah-wah.

Pronto, la segunda parte.

STEVIE RAY VAUGHAN

2009-07-02T17:52:00.001+02:00

Albert King, Ottis Rush, Carlos Santana, Buddy Gay, B.B. King, Eric Clapton... Grandes, ¿verdad?. Pues os diré una cosa: en mi opinión, si alguien merece ocupar el número 2 en la historia de la guitarra (el Number One es Hendrix, of course), ése no es otro que Stevie Ray Vaughan. Imitado hasta la saciedad (Javier vargas parece un clon suyo), ningún guitarrista ha sido tan influyente y ninguno como él ha conjugado, velocidad, técnica y alma. Por cierto, no sabía leer música.

En una de las infumables listas con las que de vez en cuando nos “obsequia” la revista Rolling Stone, SRV aparecía como el 7º mejor guitarrista de la historia. Teniendo en cuenta la comprobada ignorancia de los “entendidos” de dicha revista, estareis de acuerdo conmigo en que Stevie merecerá estar situado unos cuantos peldaños más arriba.

Su primer contacto con el instrumento es a los 7 años, cuando su padre (un músico frustrado) le regala una guitarra de juguete.

Con 15 añitos, forma su primera banda, “The Blackbirds”. Deja la escuela y se traslada a Austin, Texas. A los 20 años adquiere una Stratocaster de la que no se separará jamás. Forma parte de otras bandas, como “The Nightcrawlers”, “Paul Ray and the Cobras” o “TripleThreat Revue”.

En el 78, Stevie monta su banda definitiva, “Double-Trouble”, con la que prácticamente solo se movía por su estado natal de Texas, hasta que actúan en el San Francisco Blues Festival; una grabación del mencionado festival llega a manos de Mick Jagger, que contrata a SRV para una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en New York. Esa actuación contribuye a su presentación en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza), punto de inflexión en su carrera. Obtiene un Grammy por “Texas Flood” y el concierto supone el disco en vivo más increíble de Stevie Ray Vaughan: “Live At Montreux”. A partir de ahí, el reconocimiento internacional con multitud de premios: Mejor Nuevo Talento, Mejor Album y –sobre todo- Mejor instrumentalista de Blues (era la primera vez en la historia que lo ganaba una persona blanca).

Alcanza el estrellato ya con su primer album, “Texas Flood”, y en el 84 lanza “Couldn’t Stand The Weather” (tremendo). Pero algo recurrente en los genios de la música sucede, ¿adivinais a qué me refiero? Premio: las drogas. Queridos niños, no hagais como Stevie, mezclar whisky y cocaina no es bueno. De gira por Alemania, se ve obligado a suspender 13 conciertos pues el colapso por su abuso de estupefacientes es insuperable. Edita el album “Soul To Soul” y vuelve a la escena en el 87, digamos que “casi recuperado”. Posteriormente, otro disco en directo (“Live Alive”) y en el 89 su último álbum: “In Step”.

El 27 de agosto de 1990 llega el fatídico día. Realiza un brutal concierto con Eric Clapton y se dispone a regresar a Chicago. Muchos conoceréis las “habladurías” acerca de Clapton y su pacto con Satanás en un cruce de caminos del Sur. Yo no digo nada…pero…Stevie iba a volver del concierto en coche, y Eric Clapton insistió en que le acompañara en su avión privado. Stevie aceptó:

“De acuerdo, Eric, me vuelvo en tu avión”

“Bueno, Stevie, exactamente en mi avión no. Yo me vuelvo en mi jet privado de la hostia y tú te subes a ése helicóptero de ahí”

“No jodas, Eric Clapton, ¿en ese helicóptero destartalado con cinta aislante en el fuselaje?”

“Venga tío, aún por encima no te pongas tiquismiquis”

“Vale, vale”

Obviamente, el helicóptero se estrelló, dejando para Eric Clapton el indiscutible número uno de los guitarristas de Blues. Escuchad todo lo que podais de SRV y descubrireis técnica, pasión, un sonido furioso y veloz. Os recomiendo “Come On”, “Honey Bee”, “Pride and Joy”, “Crossfire”, “Texas Flood”, “Little Wing”, “Thigtrope”...

RONNIE JAMES "DIO"

2009-06-20T17:19:00.000+02:00

Nuestro amigo inglés, a pesar de comenzar tocando el bajo y la trompeta, acabó por convertirse en una de las voces más emblemáticas de la historia del Heavy Metal, gracias a su inconfundible técnica vocal y a unos registros envidiables. Ha sido la voz de grupos como “ELF”, “Rainbow”, “Black Sabbath” o “DIO”, fue el creador de uno de los símbolos Heavy (el gesto de hacer los cuernos con la mano ) y aún hoy, con casi 70 tacos, sigue siendo la voz de “Black Sabbath” (con otro nombre por problemas legales, os lo explicaré más adelante). ¿Me vais a decir que no se merece una reseña?.

Ronnie James Dio (Ronald Padavona) inició su andadura musical a finales de los años 50 en bandas de Rock and Roll como los “Red Caps” tocando el bajo y la trompeta. A mediados de los sesenta, su música evoluciona influenciada por el Rythm & Blues y el grupo pasa a llamarse “The Elves” (Los Elfos); no es difícil saber el por qué de ese nombre: Ronnie mide un metro sesenta de estatura (un bichiño) ¡ y es el más alto de la banda !.

A principios de los 70, dos miembros de “Deep Purple” (Paice y Glover) ven actuar a ELF y quedan impresionados, tanto que se ofrecen a producirles un disco (autotitulado) e incluso acompañan como teloneros a los Purple en una tremenda gira mundial. Durante esta gira, Ritchie Blackmore alucina tanto con Ronnie James Dio que, cuando se separa de Deep Purple en el 76, lo recluta para su nueva formación: “Rainbow”. Con esta banda, Ronnie James graba 4 álbumes, de los que destaco temas como “Man on the Silver Mountain”, “Long Live Rock and Roll”, “Stargazer” y “Sixteen Century Greensleeves”, entre otros.

La salida de Ronnie de “Rainbow” coincide con la expulsión de Ozzy Osbourne de “Black Sabbath” para obligarlo a seguir un tratamiento de desintoxicación de su adicción a … bueno, era adicto a todo menos a las pipas, creo. Cuentan que el bueno de Ozzy, camino de la clínica, aconsejó (de muy buen rollo) a Ronnie: “Cuando actúes en directo, lleva chaleco antibalas, porque como te atrevas a cantar “Paranoid” te mato a balazos”.

Con el nuevo cantante, Black Sabbath dejó de lado su imagen ocultista y de cultos satánicos y se dejó imbuir por una sangre nueva, más metalera y adecuada al Hard Rock de los 80, como se observa en los discos “Heaven and Hell”, “Mob Rules” y el directo “Live Evil” (palíndromo!!).

Después del disco en directo, Ronnie deja Black Sabbath para crear su propia banda, “DIO”. El primer album, “Holy Diver” es, en mi opinión, el mejor con diferencia. Contiene temazos como “Stand Up and Shout”, “Rainbow in the Dark”,” Don't Talk to Strangers” y –sobre todo- “ Holy Diver” y si me equivoco, que venga una chica guapa a corregirme.

También han editado buenos discos de Heavy: “The Last in Line”, “Sacred Heart”, “Intermission”, “Dream Evil”, Lock up the Wolves”, “Strange Highways”, “Angry Machines” y un buen directo, “Inferno – Last in Live”.

Como os comentaba al principio de la reseña, actualmente es (de nuevo)el cantante de Black Sabbath. Sucede que los componentes originales de la banda firmaron un acuerdo en 2006 por el cual el nombre del grupo no se podría utilizar a no ser que el cantante fuera Ozzy Osbourne.

En 2009 han sacado nuevo disco, “The Devil You Know” y preparan gira mundial. Si los queréis escuchar, ahora se hacen llamar “Heaven and Hell”

En definitiva, un gran músico, lamentablemente infravalorado.

HELLOWEEN

2009-06-12T16:52:00.000+02:00

Algunos me habéis pedido la reseña de “Rammstein”. Dentro de poco os complaceré, pero si algún grupo alemán ha de ser el primero en aparecer en nuestro blog, creo que ha de ser Helloween y espero que estéis de acuerdo conmigo.

Helloween, como tal, empieza su andadura en 1985, pero Kai Hansen y Piet Sielck ya forman en 1978 una banda llamada “Gentry”, más tarde se llamarían “Second Hell” y luego “Iron Fist”. Ninguno de estos nombres les acababan de convencer y deciden llamarse Helloween y el baterista, Ingo Schwichtenberg, tiene la idea de reemplazar la “o” por una calabaza y ésta se convirtió en la imagen del grupo.

Empezaron su contribución al Power Metal con el tema “Metal Invaders”, que incluirían en su álbum “Walls of Jericho” (buen disco). Justo al comienzo de su andadura ya con el nombre de Helloween, tienen la suerte de fichar al guitarrista del grupo “Powerfool” Michael Weikath. Graban un mini-LP autotitulado que tuvo un éxito inesperado. Aprovechan el tirón para grabar su primer disco largo, el mencionado “Walls of Jericho”.

Cada vez se hacían más patentes las dificultades de Hansen para cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo ( ¿qué queréis? Es un tío ) por lo que se plantean la contratación de un vocalista; el elegido fue un chavalín de 18 añitos, Michael Kiske, buenísimo cantante, con el timbre de voz de Robert Plant y la habilidad para el fraseo de Ronnie James Dio (prometo reseña, Sony).

Es entonces cuando graban la primera parte de sus dos mejores discos (en mi opinión): “Keeper of the Seven Keys Part I”, con este trabajo (y la parte II) y sus trepidantes directos, se meten en el bolsillo a los metaleros de toda Europa. Temazos de estos dos discos: “Eagle Fly Free”, “Future World”, “Keeper of the Seven Keys” (obra maestra de 13 minutos) y quizás la canción bandera de la banda, “I Want Out”.

No todo era buen rollo. Kai Hansen estaba picado con la discográfica por sus presiones y decide dejar el grupo. Tras un fugaz paso por “Blind Guardian”, forma junto al cantante Ralph Scheepers una banda que igual os suena un poquito, “Gamma Ray”.

Helloween tarda casi dos años en recuperarse, hasta que contrata al guitarrista que les acompañaba en los conciertos, Roland Grapow. El retorno no es precisamente glorioso, ya que graban el empalagosamente melódico álbum “Pink Bubbles go Ape”. Pasemos de él.

En el 93, la gran mayoría de sus fans huyen despavoridos ante el engendro de “Chameleon”, una mezcla de pop y jazz que también vamos a olvidar, si os parece.

Peleas, expulsiones, el baterista se suicida, idas y venidas de músicos…demos todo por bueno, ya que vuelven al rock más duro con el álbum “Master of the Rings” ya con el cantante Andi Deris. Escuchad : “Sole Survivor”, “Still we Go” y “Why”. Pero cuando sus adictos deciden volver es con el siguiente disco, “The Time of The Oath”, las letras hacen referencia a las profecías de Nostradamus y (a pesar de éllo) es un buen disco.

Posiblemente, su mejor disco de los últimos sea “Better Than Raw”, metal puro, duro, oscuro, por momentos épico, a veces frenético, son recomendables los temas “Push”, “Falling Higher” y como curiosidad “Laudate Dominum” (cantado en latín).

Aunque tienen algún álbum más, terminaré esta reseña con el curioso “Metal Jukebox”. Es un disco de covers que graban para conmemorar su 15 aniversario. No tuvo mucho éxito, pero es curioso escuchar las versiones que hacen de “All My Loving” (The Beatles), “White Room” (Cream), “Locomotive Breath” (Jethro Trull), y temas de grupos tan parecidos entre sí como Scorpions y ABBA ¡!

NIRVANA

2009-06-04T16:12:00.000+02:00

A finales de los 80, unos muchachitos de Washington crearon un grupo destinado a iniciar la explosión de una música difícil de encasillar dentro de la escena del rock alternativo. Hasta entonces, la etiqueta de “punk underground” se utilizaba para definir un estilo de música que escalaba puestos en los programas musicales de radio y televisión de entonces, aunque el término más común que se utilizó fue el de “grunge”, que llevaba aparejada una cierta estética identificativa. Otras bandas de la escena músical de Seattle como “Alice in Chains”, “Soundgarden” o “Pearl Jam” también alcanzaron entonces sus más altas cotas de popularidad.

Kurt Cobain (cantante, guitarra y compositor) era el símbolo de la banda y lo cierto es que nunca se sintió cómodo en ése papel; prefería desviar la atención al aspecto meramente musical de Nirvana y se sentía abrumado por el carácter de “Líder” o “Celebridad”. En alguna ocasión llegó a declarar: “famoso es lo último que quise llegar a ser”.

El primer disco de Nirvana, “Bleach”, denota influencias de los primeros Black Sabbath y de los grupos más “duros” de la escena indie, como “Mudhoney” o “The Melvins”. Tiene temas muy interesantes, como por ejemplo “Love Buzz” o “About a Girl”.

A principios de los 90 sale su segundo disco de estudio, “Nevermind”. Es su album definitivo, el que les catapulta prácticamente de la noche a la mañana al éxito comercial y de crítica. Un bajo retumbante, guitarras distorsionadas y una voz medidamente caótica cambian la escena musical del momento, realmente aburrida hasta entonces. Temazos: “Smells Like Teen Spirit”, “On a Plain”, “In Bloom”, “Come As You Are”, “Lithium”...en fín, un álbum redondo.

“Incesticide” es una recopilación de caras “B” y rarezas. “In Utero” (1993) es su tercer álbum de estudio (y el último). Después del rotundo e inesperado éxito de “Nevermind”, intentan volver a sus raíces y recuperar al público de sus inicios, en un intento desesperado de Cobain de sacudirse la presión de icono internacional. Tuvieron problemas con el sello discográfico, ya que éstos (lógicamente) querían seguir arrasando en el mercado y Nirvana compuso temas oscuros con letras que hablaban de hímenes destrozados, semen, abortos, fetos e incluso despertaron las repulsas de grupos feministas por la canción “Rape me” (“Viólame”). Son aprovechables los temas “Pennyroyal Tea”, “Heart-Shapped Box” y –sobre todo- “All Apologies”.

En 1992, Cobain se casa con Courtney Love, actriz y cantante del grupo “Hole”. Pocos meses después, tienen una hija. Desgraciadamente, ese aparente estado de felicidad no consolaba al músico de una vida nada fácil: depresión, escoliosis, bronquitis crónica, intentos de suicidio, calmantes, alcohol, heroína…

Muchos fans de Nirvana comparan la influencia de Courtney love con la de Yoko Ono sobre John Lennon; me parece injusto. Cobain ya era un tipo atormentado por mil fantasmas antes de conocer a la chica. Intentó rehabilitarse al nacer su hija, pero su adicción solo hacía que aumentar y –para colmo- estaba convencido de que actuaba mejor cuanto más colocado estaba.

Poco antes de la muerte de Cobain, sale el disco “MTV Unplugged in New York”, un gran Album acústico donde la banda logra trascender del sonido “grunge” y aprovecha para rendir homenaje a las bandas que más les habían influenciado, como “Meat Puppets” o “The Vaselines”. De los mejores discos acústicos en directo que he escuchado.

Enésimo intento de Kurt Cobain por dejar el jaco, pero cuando apenas lleva una semana en el centro de rehabilitación, se fuga. Una semana más tarde (abril del 94) aparece muerto en su casa. Paso de las doscientas especulaciones que encontraréis en Internet sobre las circunstancias de su muerte. Lo importante es su legado, escaso pero de mucho, mucho peso.

MANOWAR

2009-06-04T13:49:00.000+02:00

Bienvenidos a la reseña de una de las bandas de Heavy Metal con sonido más potente en la historia. Empezaron a destrozar tímpanos (en el buen sentido) en 1979 y aún hoy siguen dando caña. Son indestructibles.

Joey Demaio era técnico de bajo y encargado de pirotecnia en los conciertos de Black Sabbath y en una gira de éstos conoció al guitarrista Ross Funicello (alias Ross the Boss) que en aquel entonces tocaba en The Dictators. Tuvieron el acierto de fichar como cantante a Eric Adams y menos acierto al pillar para la batería a Donny Hamzick, pero para el segundo album ya se hicieron con los servicios de Scott Columbus, un batera revolucionario, con su kit de percusión personalizado con acero inoxidable por todos lados.

Primer album: “Battle Hymns”, que contenía el tema “Dark Avenger”, en el cual una parte era recitada por Orson Welles. Además del Heavy, el grupo hacía constantes incursiones en temas épicos y mitológicos, principalmente sobre la mitología nórdica.

Segundo album: “Into Glory Ride”, no demasiado destacable, quizás salvaríamos "Gates of Valhalla". Después vendría el tercero, “Hail To England”, mezclado y grabado en tan sólo seis días. De este album nos quedaremos con "Black Arrows".

El siguiente LP, “Sign of the Hammer”, ya empieza a afianzar a los Manowar en la escena metalero. Brutal de potencia, tiene temas como “Animals”, “Sign of the Hammer”, “The Oath” y “Thunderpick”. Pero donde rompen con la pana es en su disco de 1987 “Fighting the World”, con temazos como el que da título al disco y “Carry On”.

De todos modos, donde darían el puñetazo definitivo sería al año siguiente, con la publicación de “Kings of Metal”. Los dos desafíos más grandes que se propuso la banda en este trabajo quedaron plasmados en forma de dos canciones: “The Crown and the Ring”, que se interpretó en una catedral antiquísima con un coro de cien voces masculinas, y “The Sting of the Bumblebee”, basada en la obra clásica de Rimsky-Korsakov “El vuelo del Moscardón” y que DeMaio adaptó al bajo, tocándola con una rapidez y virtuosismo indescriptibles. También contiene canciones brutales como "Wheels of Fire","Kings of Metal" o "Blood of the Kings". Es su album definitivo. (Tienen más, pero no quiero aburriros, si os gusta lo que oís hasta ahora, conseguirlos. A partir de “Kings Of Metal”, mucho culto a Odín, seres míticos de 8 patas y cosas así).

Curiosidad 1: Que se sepa, es el grupo de Heavy Metal que ha dado el concierto más largo de la historia: 5 horas y media en Bulgaria, en el 2008.

Curiosidad 2: Según el libro Guinnes de los records, es la banda más “ruidosa” del mundo. En Gran Bretaña, durante su gira “Spectacle of Might”, y con la ayuda de 10 toneladas de amplificadores, alcanzaron los 129,5 decibelios.

THE BEATLES

2009-06-03T12:07:00.000+02:00

The Beatles fueron una banda de música pop de Liverpool, formada en 1960. Durante su carrera, el grupo lo integró fundamentalmente John Lennon (guitarra rítmica y voz), Paul McCartney (bajo y voz), George Harrison (guitarra solista y voz) y Ringo Starr (batería, por decir algo, en realidad aporreaba instrumentos de percusión). Aunque su estilo musical inicial era el rock and roll muy al estilo de los cincuenta, el grupo también trabajó otros géneros musicales, llegando a experimentar con el rock psicodélico (algo tuvo que ver en éllo el L.S.D.). Es innegable que marcaron tendencia en la música, pero también porque su gradual aumento de la conciencia social encontró un buen caldo de cultivo en los cambios culturales y sociales de la sociedad de finales de los sesenta. Después de que la banda se separara en 1970, todos sus ex miembros se embarcaron en exitosas carreras individuales. Bueno, no sé si la carrera de Ringo Starr puede considerarse exitosa, pero por lo menos puede presumir de que tocó en los Beatles.

Los números son abrumadores: es la banda más exitosa y aclamada de la historia, más de 1.200 millones de discos vendidos, 19 números uno en EEUU, record de más semanas en el nº 1 (174 semanas), recopilatorios de ventas multimillonarias,calificados en 2004 por la revista Rolling Stone en el Nº 1 de su lista “los 100 grandes artistas de todos los tiempos”, cuatro de sus álbumes entre los 10 mejores de la historia, 5 películas, cientos de documentales, en fín, ciertamente abrumadores estadísticamente.

En un principio, el baterista de la banda era Pete Best, pero dejó la formación al finalizar la célebre gira iniciática de Hamburgo; desde luego, el tipo era un visionario. Lennon y Mccartney tocaban la guitarra rítmica y el bajista era Stuart Sutcliffe, un personaje realmente interesante. Cuando el grupo se llamaba «Long John and The Beetles», fue quien sugirió el nombre de «The Beetles» (los escarabajos), como tributo a “Buddy Holly y los Crickets” (los grillos). La banda adoptó finalmente el nombre The Beatles, alargando la “T” para remarcar lo de “beat”.

Eran unos pipiolos cuando en el 60 fueron a tocar a Hamburgo, de hecho, cuando llevaban unos meses en la ciudad alemana, Harrison fue deportado al descubrir las autoridades que era menor de edad. Poco después, Best y McCartney fueron detenidos por incendiar condones y casi conseguir que la pensión donde se alojaban fuera consumida por las llamas. Lennon (más discreto para sus orgías) se volvió a Inglaterra y Sutcliffe se quedó en Alemania con la novia que se agenció allí, Astrid Kirscherr.

En 1961, la banda volvió a Hamburgo, ya con McCartney al bajo, después de actuar en algunos otros tugurios, finalmente fueron contratados en el Cavern Club, donde actuarían cerca de 300 veces entre el 61 y el 63. Allí fue donde los vió el manager Brian Epstein y eso cambió el rumbo de la historia. Los Beatles firmaron un contrato de cinco años con Brian Epstein el 24 de enero de 1962. Su anterior manager, Kaempfert , acordó liberar a los Beatles de su contrato con Polydor, al saber que el sello alemán no estaba interesado en el grupo, y que Epstein estaba realizando una audición para Decca, pero el ejecutivo de la Decca Dick Rowe rechazó de plano al grupo, informándole a Epstein que los grupos con guitarras ya no estaban de moda, es decir, UN FENÓMENO. Los Beatles volvieron por tercera vez a Hamburgo. A su llegada fueron informados de la muerte de Sutcliffe a causa de una hemorragia cerebral.

¿Cómo llega Ringo a The Beatles? Me alegra que me hagais esa pregunta. George Martin, de EMI records, no estaba muy contento con Pete Best, ya que se negaba a formar parte de la imagen unificada con la que se quería lanzar al grupo, ya sabeis, esos trajecitos de yerno enrollado, esos flequillitos se seminarista canalla, esa pinta de pijo que no ha roto un plato…en definitiva, a Best lo que le molaba era el Rock y no tragaba con esa imagen tontorrona que se quería proyectar de la banda. Por entonces, había un grupete horrendo, “Rory Store and The Hurricanes”, que había coincidido con los Beatles en alguna actuación en Hamburgo y le preguntaron al baterista (Ringo Starr) si quería unirse a la banda. Como la personalidad arrolladora del narizotas le impedía decir que no a nada, despidieron a Best, et voilâ, ahí tenemos a The Beatles.

En fín, primer sencillo “Love Me Do” (sí, ése tema que se parece a la sintonía de “Barrio Sésamo”), discreto debut, número 17 en Gran Bretaña. “Please, Please, Me” ya llega al número 2, y su primer number one lo alcanzan con “From Me To You”. A partir de ahí, la TV, las giras por EEUU y lo que se dio en llamar “beatlemanía”. Con la mano en el corazón, oid esos tres temas y decirme si había para tanto.

Editan “She Loves You” y –musicalmente- las críticas no son precisamente buenas, pero salen en el show de Tv de Ed Sullivan y –amigo mío- las adolescentes (y sus mamás) ya tienen ídolos. Epstein (de tonto nada) les hace grabar el babosillo “I Want to Hold Your Hand” y, paralelamente, firma contratos de merchandising para explotar la imagen del grupo. Algo nuevo hasta entonces.

En 1964 se estrena la película “A Hard Day’s Night”, dirigida por Richard Lester, narrando las peripecias de la banda por Londres. Oye, la peli no está nada mal.

Todo les va muy deprisa, en 1965 la Reina los designa “Caballeros de la Orden del Imperio Británico”, o algo así. Filman su segunda película “Help” y publican el album “Rubber Soul”, algo más maduro que las chorradas que solían hacer hasta entonces. También les dio tiempo a casi provocar un incidente internacional con la presidenta de Filipinas (Imelda marcos) y pelearse con Elvis Presley; este les reprochaba su activismo contra la guerra del Vietnam y llegó a pedir al presidente Nixon que les prohibiera la entrada al país.

Su séptimo álbum, “Revolver” ya deja entrever la experimentación de Lennon con otras vías musicales y de los cuatro componentes con otras vías alucinógenas. No está mal. Le sigue uno de sus mejores trabajos, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. En este disco (el primero grabado en ocho pistas), experimentan agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Cuenta con la psicodelia de “Lucy in the Sky with Diamonds” (LSD) y temas interesantes por lo novedosos, como “Getting Better” y una obra de arte: “A Day in the Life”.

En el 68 se largan a la India y hala, a meditar. Como consecuencia de tanta meditación trascendental y un poco de yoga, a su regreso fundan el sello Apple y se dedican a grabar el album “The Beatles”, popularmente conocido como “Album Blanco”. También empezaron a pelearse. Ya sabeis, Lennon empezaba a salir con una chica oriental que se metía incluso en las cabinas de grabación, McCartney cada vez dominaba más al grupo y Harrison se quejaba de que Lennon y McCartney no le dejaban meter más canciones suyas en los discos. (Por cierto, Harrison tenía razón. Su talento no tenía nada que envidiarle a los otros dos).

En cuanto al “album blanco”. Quedaros con “Back in the USSR”, “While my Guitar Gently Weeps”, “Sexy Sadie”, “Revolution 9” y –por supuesto- “Helter Skelter”. El siguiente disco, “Yellow submarine”“Abbey Road”. es totalmente prescindible, a no ser que seais irlandeses borrachos. Retoman la senda de la decencia musical con

Curiosamente, lo mejor llegó al final. En 1969, The Beatles comienzan un proyecto fílmico que incluía un nuevo Album. Durante las sesiones de grabación, la banda ofreció la que sería su última actuación en vivo, en la azotea del edificio de Apple. El album, después de varios cambios de opinión, se titularía “Let It Be” y probablemente, en conjunto, sea lo mejor que hicieron nunca estos tres genios. Sobrevalorados, indudablemente, pero geniales al fín y al cabo.

Todo el disco es muy bueno, pero destacan “Across the Universe”, “Let it Be”, “One after 909”, “I Me Mine”, “The Long and Winding Road” y “Get Back”.

LA CULPA DE TODO LA TUVO YOKO ONO

HASTA SIEMPRE

2009-06-02T18:07:00.001+02:00

Todos sabíamos que ocurriría tarde o temprano. El idilio de Leonor con el "Sitio" no podía durar mucho más; tanto élla como nosotros queríamos negar la evidencia, pero el momento ha llegado y Leo nos dice adiós este fín de semana. No sabemos realmente los motivos. Quizás no la hayamos tratado todo lo bien que se merecía; quizás los cantos de sirena que llegan desde las islas sean irrechazables; quizás el amor le ha golpeado la patata con inusitada violencia; sea como sea, Leo se nos va y eso nos entristece, aunque nos queda la esperanza de verla entrar pronto por la puerta, mucho más morena, contándonos ilusionada lo bien que le va todo por allá; no se merece menos.

Echaremos de menos muchas pequeñas tonterías que no se valoran en el día a día, pero -sobre todo- añoraremos a la chica que tiene el record guinnes de sonreir más veces por minuto.

Hasta siempre, Leo.

THE KNACK

2009-06-01T15:50:00.000+02:00

En 1979 lograron un gran éxito internacional con su primer single, My Sharona, y es por ese solo tema por lo que están aquí.

THE WHO

2009-06-01T11:20:00.000+02:00

Allá por 1962, se formó una banda de rock en Inglaterra llamada a escribir páginas indelebles en la historia de la música. Pioneros de la “ópera-rock” y precursores del “punk”, “The Who” estaba compuesta originalmente por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y un tarado singular.

Durante una presentación, Townshend rompió su guitarra accidentalmente, lo que llevó a que la siguiente ocasión en que tocaron en ese lugar la gente quisiera que la rompiera de nuevo, y así lo hizo. Keith Moon debió pensar “¿por qué no?" y destrozó su batería. La banda se convertiría rápidamente en una de las más populares entre los mods británicos, un movimiento de principios de los 60. La banda comenzó a ser liderada por Townshend, ya que éste era el principal compositor (aunque Entwistle también haría contribuciones notables ocasionalmente). Townshend buscaba escribir material innovador y desafiante, pero Daltrey prefería material más enérgico.

El primer éxito de la banda fue “ I can't explain” (un single -disco sencillo de dos canciones- que seguía el estilo de los Kinks.
Al poco editaron su primer álbum: “My generation”, que incluía himnos mod como o “The kids are alright”“My Generation”, que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), y que muchos consideran una de las primeras canciones punk de la historia. Fulminantemente, “My Generation” se convirtió en un himno; a veces estas cosas pasan, desde luego no es una canción brillante precisamente, bueno, sólo es mi opinión.

Tras el éxito de su primer largo la banda publicó el single “Substitute”, que se convirtió en otra de las canciones más conocidas del grupo. Los siguientes singles, como “I'm a boy”, “Happy Jack” y “Picturesof Lily” demostraban el creciente interés de Townshend alrededor de historias sobre confusión mental y una inquietante ambigüedad sexual. (inquietante sobre todo para sus Fans).

Después de un segundo y totalmente prescindible album, The Who salieron de gira por USA y para ser sincero, os diré que al público le interesaba más el sistemático destrozo de instrumentos que la música en sí, pero bueno, hay quien escupe a los aviones. Lo más suave que hacía Keith Moon en aquélla época era robar coches para introducirse con éllos en las piscinas de los hoteles.

En 1969, el grupo edita “Tommy”, un álbum doble que fue la segunda ópera rock de la historia ( ”S.F.Sorrow”de The Pretty Things salió un año antes), pero sí que fue la primera en tener éxito, y se destacó por el uso de temas (como "See Me, Feel Me"), que se repetían a lo largo del álbum y le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia (que trataba sobre un niño que queda ciego, sordo y mudo al presenciar un asesinato, para más tarde convertirse en una especie de mesías). Más tarde se produjo una película basada en el álbum, que contaba con la participación, entre otros, de Elton John, ver para creer.

Townshend intentó llevar a cabo un álbum conceptual aún más ambicioso y complejo. En él pretendía tomar datos personales del público (edad, peso, altura, etc.) en los recitales, introducirlos en un sintetizador y utilizarlos para crear música. Este proyecto se denominó "Lifehouse" y no pudo ser finalizado por su complejidad. Sin embargo, algunas de las mejores canciones de ese proyecto se usaron para el siguiente álbum del grupo,”Who's Next” (su mejor disco, en mi opinión). Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como “Baba O' Riley” y “Won't Get Fooled Again” (SÍ, LAS DE CSI), en las que destacaba el uso de sintetizadores y ritmos repetitivos. Otros buenos temas, “Bargain” y "The Song IsOver", además, en este disco Daltrey canta como nunca y la batería de Moon es por fín realmente poderosa.
El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó “Quadrophenia”. Es otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su ex-novia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 60. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película, pero no perdais el tiempo, es un truño gigantesco.
Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal, pero con un estilo demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente.

A partir de ahí, el declive. Townshend se quedaba sordo, la mujer de Keith Moon lo mandó al carajo y este se sumió en una depresión alcohólica salvaje, ya que su ex no le permitía ver a su hija. le recetaron unas pastillas para su alcoholismo y una sobredosis de éstas le llevó a la muerte. Albumes como Face Dances y It's Hard, ya en los 80, eran de una decadencia insufrible y constataban el canto de cisne de una de las bandas más innovadoras de la historia del rock. Quedaros con lo bueno.

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

2009-05-27T11:47:00.000+02:00

Tremenda Banda, digais lo que digais. Perfeccionaron el “Swamp Rock”, un estilo de folk sureño mezclado con rock and roll y claramente influenciado por el Blues y la música Cajún. Muy en la línea de peña tan dispar como J.J. Cale o los Lynyrd Skynyrd. Si quereis oir un sonido semejante a la Creedence en tiempos más recientes, escuchad a los Deadboy y ya me diréis.

A principios de los 60, el californiano John Fogerty y su hermano Tom, junto a Stu Cook formaron una banda inicialmente llamada “The Blue Velvets”, pero cuando firmaron con Fantasy Records, les obligaron a cambiarse el nombre por “The Golliwogs”. En 1967, otro productor les ofreció grabar un album entero con una sóla condición: que cambiaran de nombre; así nace la CCR. Ese album rompió las listas de éxitos con el single “Suzie Q”, curiosamente, el único éxito del grupo no compuesto por John Fogerty.

Su segundo Disco, “Bayou Country” les consolida internacionalmente gracias sobre todo al tema “Proud Mary”. respaldado por temas como “Born in the Bayou” o una versión del “Good Golly, Miss Molly” de Little Richard.

Una curiosidad, Creedence Clearwater Revival actuaron en Woodstock, pero John Fogerty se negó a que su concierto saliera en la banda sonora o el vídeo del Festival, ya que consideró su actuación un verdadero truño: Salieron a escena después de las 4 de la madrugada y casi sin público. Pero que sepais que estuvieron allí.

Tras una brillantísima trayectoria, todo llegó a su fín. En la banda se había generado mucha tensión, ya que John Fogerty había tomado literalmente el control financiero, comercial y artístico del grupo. Por si éllo fuera poco, sacaron su último album, “Mardi Gras”, un auténtico timo.

Pero quedémonos con todo lo grande que hizo la CCR, que fué mucho. Personalmente, como album me quedo con “Cosmo's Factory”, aunque también se salva “Pendulum”. Como singles, “Proud Mary”, “Have your ever seen the rain?”, “Travelin Band”, “Down on the corner” y una versión impagable del “Before You Accuse Me” de Bo Diddley.

BLACK SABBATH

2009-05-26T17:05:00.000+02:00

Bandas que han reconocido estar influenciadas básicamente por Black Sabbath: Pantera, Slayer, Metallica, Soundgarden, Megadeth o Judas priest, entre otras…estamos ante una de las bandas más influyentes de la historia del Heavy Metal, eso es innegable.

Fundada en Inglaterra en el año 1967 por Ozzy Osbourne y Tony Iommi, Black Sabbath no gozaba de la misma popularidad que Led Zeppelín o Depp Purple, pero ese heavy oscuro, opresivo, de atmósferas siniestras, demoníacas y apocalípticas, han dejado un legado espectacular que ha tenido continuación, sobre todo, en Iron Maiden. No tengo datos, pero apostaría a que no hay un grupo metalero del que sus temas se hayan hecho tantos covers.

La historia de esta gente, así como de sus contínuas idas y venidas de componentes, daría para doscientas páginas, así que nos ceñiremos a algunos datos, y si quereis saber más, me lo decís.

Originalmente, se llamaron “Polka Tulk Blues Band” y después “Earth”. Geezer Butler, al bajista, era un obseso de la magia negra y después de leer un libro oculto en latín, escribió la canción “Black Sabbath”. La canción era un truño, pero les moló el título y lo adoptaron como nombre de la banda.

“Paranoid”, uno de los temas que siempre suena en nuestro pub, fue producto de la casualidad. Su segundo album, que se iba a llamar originalmente “War Pigs” como protesta por la guerra del Vietnam, se quedaba muy corto, por lo que escribieron deprisa y corriendo otro tema, que resultó ser “Paranoid” y que acabó dando título al album.

En 1979, Osbourne fue expulsado de la banda porque su adicción a las drogas era tan brutal que no dejaba nada para los demás (digo yo). Desde ese año hasta 1982, fichan al cantante de Rainbow, Ronnie James Dio (tendrá capítulo propio) y el grupo se revitaliza, pues llevaba unos añitos que ni te cuento. Pues bien, este muchachote es nada más y nada menos que el “inventor” del gesto que define al heavy metal en general, la mano cornuta; probar a ver si os sale: extender el índice y el meñique, ahora plegar el anular y el corazón sujetándolos con el pulgar…muy bien. Era un gesto que Dio hacía en los conciertos para espantar el mal de ojo, recordando sus orígenes sicilianos.

Temas de los Black Sabbath que pinchamos en el sitio: “Evil Woman”, “Paranoid”, “Iron Man” o “Sabbra Cadabra”. Pero se admiten peticiones…

THE BLACK CROWES

2009-05-26T16:26:00.000+02:00

Cuando se formaron, a mediados de los ochenta, se llamaban originalmente “Mr Crow’s Garden”. Crearon la banda dos hermanos (Rich y Chris Robinson), unos muchachitos muy influenciados por el Blues de los 70, de hecho saltan a la fama por su extraordinario cover de “Hard to Handle”, de Otis Redding (temazo que escuchamos todos los días en el Sitio).

Su guitarra solista era Jeff Cease, pero acabaron a leches y lo sustituyeron por Marc Ford, que provenía de la banda “Burning Tree”, y salieron ganando. Tienen un buen teclista, Eddie Harsch.

En definitiva, un estupendo grupo, muy solvente en directo aunque con discos de estudio muy dispares, ya que siempre han sembrado la confusión entre sus seguidores, pues a discos casi redondos como “Shake Your Money Maker” o enérgicos como “By Your Side” añadían otros tan experimentales como “Amorica” o el confusamente intimista “Three Snakes And One Charm”.

De una gira acompañando a Jimmy Page, allá por el año 2000, surgió el album en directo “Live At The Greek”, muy muy muy recomendable.

THE ANIMALS

2009-05-26T13:37:00.000+02:00

Esta Banda inglesa basaba su música principalmente en revisitar el Soul, el Blues y el Rhythm and Blues de artistas como John Lee Hooker, Ray Charles o Jimmy Reed dotándolos de una sucia electricidad que la convertía en una música muy “canalla”, a lo que hay que añadir el carisma de Eric Burdon, su líder, que al principio se parecía a Jim Morrison y acabó siendo una especie de Bumbury de Newcastle. (Baste con deciros que grabó un tema para la totalmente prescindible película “Joe contra el volcán”).

Aunque se han reunido con posterioridad en innumerables ocasiones, la vida de este grupo de “Blues Eléctrico” comprende desde 1962 hasta 1971, cuando Eric Burdon comenzó su carrera en solitario.

Algunos temas interesantes: “The House of the Rising Sun”, “Don't Let Me Be Misunderstood”, “Bring It On Home To Me”, “Good Times”, “Monterey” y “Sky Pilot”, de las cuales en el Pub pinchamos las dos primeras. Si os gustan, me lo decís y ponemos más.

Otros componentes del grupo eran Alan Price (teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (batería) y Chas Chandler (bajo); cuidado con este tipiño. Chas Chandler no era un músico precisamente excepcional, pero en 1966 se hizo productor y ahí dió en el pleno, amiguetes. ¿sabeis a quién descubrió en un café del Village, se convierte en su manager y lo lanza a la cumbre? Os daré una pista: es un muchacho que está en la cabecera de este blog prendiéndole fuego a una Fender Stratocaster.

THE JIMY HENDRIX EXPERIENCE

2009-05-24T16:22:00.000+02:00

Casi me atrevería a resumir a corta carrera de esta Banda en tres palabras: ROMPIERON CON TODO.

Como tengo poco tiempo, me ceñiré a alguna reseña del grupo en sí, mención especial merecerá Jimy hendrix por sí solo.

Componentes: Mitch Mitchell, batería; Noel redding, bajo; Jimy Hendrix, guitarra, voz, piano, bajo, flauta y ALMA.

Qizás el Power Trío más grande de la historia. 3 Albumes en dos añitos, ¡!y pará qué más ¡!

“Are You Experienced “(1967). “Axis: Bold As Love” (1967) y “Electric Ladyland” (1968). Escuchad este último bien abiertos de orejas y entenderéis muchas cosas.

Temazos: “Little Wing”, “Foxy Lady”, “Hey Joe”, “Red House”, “Purple Haze”, “Voodoo Child” y el cover del tema de Bob Dylan “All Along The Watchtower”

THE FACES

2009-05-21T11:09:00.000+02:00

Rod Stewart y Ron Wood procedían de “The Jeff Beck Group” y se unieron a los miembros que quedaban de “Small Faces” para formar esta Banda. A mí me parecen una muy buena banda de Rock and Roll, pero su carrera fué cortita debido a que, al mismo tiempo, Rod Stewart comenzaba su carrera en solitario y a decir verdad, ésta eclipsaba al grupo; además, pronto Ron Wood se uniría a los Rolling Stones. (Y ahí sigue, el cabrón).

Poco más que decir, cuatro Albumes, del 70 al 73. Si queréis saber qué tal sonaban, escuchad “CindyIncidentally”, “Had Me a Real Good Time” y (sobre todo) “Stay With Me”.

Vaya, que os ha gustado y queréis saber de algún grupete más o menos actual que haga algo parecido... quizás algunas cosas de “Primal Scream”, pero básicamente escuchad a los Black Crowes, que se les parecen mucho y -además- a propósito. Por cierto, he tenido insistentes peticiones de hacer un apartado de los Black Crowes...un pelín de paciencia, que ya casi lo tenemos.

MARILYN MANSON

2009-05-20T17:38:00.000+02:00

Casi más conciertos suspendidos que realizados, encarcelado por exhibicionismo, "reverendo" de la iglesia de satán, incendios, actos vandálicos, adolescentes que se suicidan escuchando "Antichrist Superstar" (es mala, pero no para tanto), vídeos porno con "menores"...Brian Warner se ha esforzado en que se hable más de lo zumbado que está (que no lo está tanto, cuidadín) que de su música, o mejor aún, de la música de otros pasada por su personal filtro; no olvidemos que el grupo se hizo conocido por su versión de "SweetDreams", de los Eurythmics.
Ya sabeis que su nombre es la combinación de Marylin Monroe y Charles Manson, de lo cual me niego a hacer ningún tipo de comentario.
Sigo empeñado en que este grupete debería ser tomado más en serio. En mi opinión podrían haber sido una pedazo de Banda, pero bueno, se han dedicado más a chorradas, provocaciones y obscenidades varias que a la música.
Un debate: ¿Dónde situarías la música de Marylin Manson? ¿Metal Industrial? ¿Glam Rock? ¿TaradoMetal? Seguro que llegaremos a la conclusión de que es inclasificable.
¿Qué pinchamos en el "Sitio"? No puede faltar "Beautiful People", obviamente, pero nos atrevemos con algunos covers interesantes, como el que hacen del "Five to One" de The Doors.

CREAM

2009-05-15T13:45:00.000+02:00

Estamos en el año del señor de 1966 y un tal Eric Clapton (que tendrá capítulo aparte) ya era considerado el mejor guitarrista británico de blues; tengamos en cuenta que ya venía de formaciones como TheYardbirds y The Bluesbreakers (con John Mayall !!).

Un poco frustrado del estilo de los Bluesbreakers, Clapton decide formar su propia banda y se alía con dos miembros (con perdón) de la Graham Bond Organisation, Jack Bruce (bajo, armónica, piano y tremenda voz) y Ginger Baker, uno de los mejores bateristas de la historia.

Clapton y Bruce ya habían coincidido en un grupete que se había formado para un sólo álbum, Powerhorse, junto a Paul Jones y Steve Winwood.

Cream siempre fue considerada una banda adelantada a su época. Lograron escapar del Pop por la inquietante senda del Blues y gracias a éllo, investigar nuevos y más amplios conceptos para el Rock; tengamos en cuenta que -en aquéllos tiempos- a lo que hacían le llamaron música “underground”, hay que joderse y amar a Dios.

En aquélla época coincidieron con The Jimmy Hendrix Experience (también tendrán capítulo aparte !! ) y éllo supuso abrir una vía nueva al Rock, cargado de potencia pero también de un hasta entonces desconocido virtuosismo, tanto que a su sombra nacieron grupos como The Jeff Beck Group, Led Zeppelin, Deep Purple, Grateful Dead o Black Sabbath (ahí es nada su influencia).

Tuvieron una corta carrera, dos añitos. La lucha de egos era insalvable, en los directos cada uno buscaba su luciniento personal y ahí se acabó todo, aunque posteriormente alguna vez se reunieron.

Dejaron perlas únicas: El sólo de Clapton en Crossroads está considerado uno de los mejores de la historia, así como el sólo de batería en directo de Ginger Baker en Toad, por no hablar de la versión de 16 minutos de Spoonful.

Como canciones, no puedo dejar de resaltar White Room, Crossroads, Sunshine of your Love, Toad y Badge, entre otras, muchas de las cuales suenan en nuestro pafeto.

METALLICA

2009-05-14T19:03:00.000+02:00

Para empezar, Metallica es una banda atípica; por ejemplo: es un grupo americano fundado por un danés, Lars Ulrich. Otra cosa curiosa es que, después de casi 30 años de carrera sólo hayan publicado 9 álbumes de estudio (desde luego, prolíficos no son). Otro temita: echan a Dave Mustaine porque “se droga”, claro ahora me diréis que James hetfield es abstemio, nos ha jodido mayo con las flores ( ¿no será que le hacía sombra? ). Bueno, Mustaine fundó Megadeth y no le ha ido mal. Otro asunto curioso es que estos tipos van de reyes del trash-metal, pero no se les caen los anillos por recoger 9 Grammys, y -lo que es aún peor- 2 premios de la MTV (puagggg).

Bueno, como ya tenéis material para darme caña, vayamos al terreno estrictamente musical.

Antes que nada, y para que quede claro, los Metallica me gustan MUCHO, pero no creo que pasen a la posteridad como otros dioses del heavy.

Dos grandes aciertos de los fundadores de la banda: Por un lado, fichar al guitarrista de Exodus, el tremendo Kirk Hammett. También solventaron bien otro problemón: A raíz de la muerte del sensacional bajista Cliff Burton, probaron como sustituto a Jason Newsted, tremenda cagada, pero la han solventado de coña a principios de este siglo fichando al brutalmente duro bajista de Suicidal Tendencies (peazo grupo), Robert trujillo.

Buff, ahora vamos con las canciones... A Angel le mola mucho Enter Sandman; vale, acepto pulpo como animal de compañía. A mí, como album, me mola mucho Master of Puppets (además es el último que grabaron con Cliff Burton al bajo). Como canciones: One, un tema bastante oscuro pero que algún día será un clásico (no os perdais el vídeo-clip). Y sobre todo, sobre todo... los temas que componen un disco de covers que hicieron en 1998 para homenajear a las bandas que más les influyeron. El album se llama Garage Inc. y es brutal, tiene versiones de Bob Seger, Lynyrd Skynyrd, Discharge, Diamond head, TheMisfits y otros; pero mención aparte merecen las versiones que hacen del Sabra Cadabra de BlackSabbath y de Whiskey in the Jar, de Thin Lizzy (adaptación a su vez de una canción popular irlandesa. Para que nos entendamos, es como hacer una versión heavy del Miudiño). Lo siento, Andrea, te lo he dicho mil veces: Whiskey in the jar NO es de Metallica.

DEEP PURPLE

2009-04-30T11:04:00.003+02:00

http://www.youtube.com/watch?v=dCI8sy4eI4Y&feature=related

Si en el apartado dedicado a Led Zeppelin incidíamos en que fueron los creadores del heavy metal, de los Deep Purple podemos asegurar que contribuyeron a darle prestigio al Hard Rock. En especial entre 1970 y 1976, crearon obras maestras pletóricas de fuerza, volumen, potencia y calidad. Albumes como "In Rock", "Machine Head" o "Burn" contribuyeron decisivamente a establecer el Hard Rock como filosofía musical. Por si todo éso fuera poco, crearon el himno más reconocido del género: "Smoke On The Water" (casi nada); con unas pocas notas, el riff más famoso de la historia (algo alejado de los cánones del Heavy, incluso con una marcada cadencia psicodélica) se convierte en la canción emblemática del Hard de los 70 (y hoy en día del "air guitar"). Con Smoke on the Water, los Purple se consagraron como leyenda; aunque el tema aparecía originalmente en Machine head, en aquellos años todos lo conocimos en la versión del megaclásico "Made in Japan", considerado por mi humilde persona como el mejor disco de Rock en directo de la Historia: Ian Gillan y Ritchie Blackmore en plena forma. Si tenéis el Made in Japan, deteneros en Strange Kind of Woman y si no lo tenéis no sé qué coño estais esperando. Deep Purple se compuso de músicos extraordinarios que en los 80 y 90 estarían a la vanguardia del heavy en muchas facetas: Ritchie Blackmore fundó Rainbow, también estuvieron Glenn Hughes, el grandioso Ian Gillan (para mí, la mejor voz de la historia del Heavy), Roger Glover e incluso el que años después sería la voz de Whitesnake, David Coverdale. En fín, Deep Purple es toda una institución a la que el Hard Rock debe muchísimo prestigio e incluso su supervivencia en los años chungos. En el Sitio, además de Smoke on the Water, pinchamos la psicodélica Hush (también en la marchosa versión de los Kula Shaker).

THE DOORS

2009-04-30T10:55:00.000+02:00

¡ COMO NOS MOLAN LOS DOORS !

Miriam (un encanto de niña) está convencida de que deben su nombre al libro de Aldous Huxley "The doors of perception". Bueno, podría valer, pero lo cierto es que lo sacaron de un poema de William Blake ("Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito").

Os voy a ahorrar una parrafada: ver la película de Oliver Stone y ya está. Pero alguna cosilla os contaré.

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison se encontró con un viejo compañero de de UCLA, Ray Manzarek y dijeron: "Vamos a formar una banda". Ficharon a Robby Krieger y John Densmore, y hala, a triunfar.

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de la época en que no usaban bajo. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio.

Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I love you" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.

En 1966, Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido directo. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol". Si uno piensa en la palabra "carisma", la definición es "Jim Morrison".

Quizás alguien me apedree por lo que voy a decir, pero considero "Strange Days" su mejor album. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People are Strange", "Love me two times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".

Vinieron tiempos chungos, pero el grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP "Morrison Hotel". Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues". También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" , donde The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había mostrado, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.

En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson. en marzo.Por un tiempo, parecía contento escribiendo y explorando la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso. En Junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata "The lost Paris tapes".

Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de Julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el genio habría fallecido después de encerrarse para ingerir heroína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición. La tumba de Jim Morrison en el cementerio de Père-Lachaise(París), es lugar de peregrinación para fans de todo el mundo

LED ZEPPELIN

2009-04-29T18:51:00.000+02:00

¿Definir a los Zeppelin en pocas palabras?: Crearon el Heavy Metal.
Si, pequeñines, así de simple y así de inmenso: Con éllos empezó todo. Jimmy Page y su banda dieron forma, homogeneidad y entidad propia a lo que después se denominaría Hard Rock, esa amalgama de sonidos e influencias que Cream, Hendrix y otras bandas de blues progresivo de finales de los 60 aportaban a la convulsa escena musical de aquellos años. ¿Cómo? pues imprimiendo a sus temas (propios o plagiados) un volumen sonoro y una intensidad interpretativa como jamás se había visto en la música. El rock devastador, demoledor y lleno de energía incendiaria de Led Zeppelin sentó las bases de un nuevo género en la práctica totalidad de sus aspectos: El virtuosismo instrumental, el concepto de espectáculo en directo, la estética...Por todo éllo, fueron elevados a la categoría indiscutible de Dioses del Rock.
A Angel le pone muchísimo Stairway to Heaven; posiblemente sea la canción de canciones en el sentido de que no se puede ir más allá, muchachos, tiene de todo: pasión por el ocultismo, una duración poco convencional de 8 minutos, flautas, sonido acústico, un solo de guitara absolutamente épico y -para colmo- una interpretación sorprendentemente frágil y delicada del habitualmente "macho-singer" Robert Plant. También escucharás en nuestro pub el clásico Rock and Roll, la devastadora Inmigrant Song y el orgiástico Whole Lotta Love.

MEGADETH

2009-04-28T19:51:00.000+02:00

Guitarras distorsionadas, sucias, trallazos metaleros con las guitarras a toda velocidad. Posiblemente Megadeth no sea un grupo extraordinario, pero creo que les favoreció emerger en la escena rockera en unos momentos en los que el "Heavy" (entre comillas) era pelín acaramelado, ya sabeis, no voy a citar a nadie, por ejemplo Bryan Adams o Bon Jovi.
Metallica estaba en la cumbre y James Hetfield estaba convencido de que Dave Mustaine le disputaba el liderazgo del cuarteto, así que le expulsó. No le fué difícil hacer una buena banda, ya que es un peaso guitarrista, y aunque sus temas propios son bastante buenos, nos molan más sus versiones de los clásicos, por éso pinchamos sus desbarrantes Paranoid o Anarchy in the UK.
Si quieres escuchar algo propio de Megadeth, te recomiendo Symphony of Destruction, una base rítmica sólida, una guitarra enérgica y penetrante con un riff sencillo pero efectivo.

IRON MAIDEN

2009-04-28T17:19:00.001+02:00

Señoras y señores, pónganse en pie ante el el grupo heavy ochentero por antonomasia.
Hubieron malos tiempos para el rock duro, pero la banda de Steve Harris jamás dejó de ser fiel a todo lo que el heavy metal significa: su estética, su sonido, su puesta en escena... Es por todo éllo que cualquier Heavy, de cualquier edad, admira y adora a esta banda como a pocas.
Hablando de iconos reconocibles del heavy, hay que dar de comer aparte a su mascota-monstruo, Eddie. ¿Quién no ha tenido nunca una camiseta de los Maiden con el aterrador careto de Eddie impreso en élla?
Tienen canciones que son auténticos himnos de la historia del rock y nosotros pinchamos varias. Two Minutes to Midnight, The number of the beast y ¡cómo no!, el himno Heavy por derecho: Run to the Hills. Una confidencia: si quereis convertir a Angel en vuestro esclavo sexual, aprenderos Fear of the Dark y susurrársela al oído. (Abstenerse tíos).

KISS

2009-04-28T17:04:00.000+02:00

KISS

A muchos les parecían una mariconada, y llevan 30 años arrasando. Uno de los elementos esenciales de la cultura del hard-rock son los conciertos. Kiss ha llevado el directo a uno de los grados de espectacularidad más gigantescos que se han conocido.
Dos generaciones de heavymetaleros les adoran como a dioses. Discos como "Dressed to Kill" y "Destroyer"son clásicos del rock de los 70.
El demoníaco rostro maquillado de Gene Simmons sacando su lengua embadurnada en sangre es ya un símbolo del heavy metal.
Solemos pinchar "Rock and Roll Nite", quizás su tema más representativo. Gran canción, para que no les acusen de ser únicamente una potente industria de merchandising.

GUNS ' N ' ROSES

2009-04-27T18:14:00.001+02:00

Hasta el momento, han vendido más de 100 millones de discos. No está mal para haber durado 8 años, ¿verdad?.
Nacieron en Los Angeles, en 1985. Os daré la formación inicial, pues no me cabrían en todo el blog las numerosas altas y bajas de este conflictivo grupo de macarras con un talento insuperable para el hard-rock. Eran Axl Rose como cantante, los guitarristas Slash e Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan y el baterista Steven Adler.
Grabaron su primer disco de estudio: "Appetite for Destruction", que tuvo tres canciones entre el top 10 , a saber, "Welcome to the Jungle", "Paradise City" y la estupenda "Sweet Child O' Mine", y alcanzó el número 1 en las listas. "Appetite for Destruction"es el segundo disco debut más vendido de la historia, después de una cosa llamada "Hybrid Teory", de Linkin Park, que ha vendido más de 29 millones de copias hasta el momento. (En fín, hay gente para todo; bien pensado, peor que gastar pasta en un disco de Linkin Park es atracar ancianas).

La portada del mismo, en la que aparecía una joven sentada contra un muro, en evidente apariencia de haber sido recientemente violada y de ir bastante pasada de narcóticos, junto a un robot con gabardina (suponemos que el autor de la violación) y un ser con puñales por dientes sobrevolando la escena, fue censurada a las dos semanas de ponerse el vinilo a la venta. Si tienes ése vinilo, vale pasta, que lo sepas. Tras algunas apariciones con The Cult, Gn'R se engancharon a la gira de Mötley Crüe. Durante esta gira hubo problemas (qué raro), tales como el destrozo de una habitación de un hotle en Dallas por parte de Slash. Los promotores de la gira empezaron a pensárselo seriamente. A la vuelta ya en Los Angeles, otro incidente, éste en directo, cuando Axl se lanzó al público para pegarse con un guardia de seguridad por intentar echar a un amigo suyo. Después se anuló otro concierto en Phoenix por problemas de Axl (presuntamente con drogas, je je je).

En la siguiente gira, esta vez con Iron Maiden, Duff abandona el tour para casarse (lo más normal del mundo, estás de gira con los Maiden y te largas para pasar por la vicaría, joer!). De nuevo más incidentes en la nueva gira con Aerosmith, en Philadelphia. Axl es detenido por la policía al intentar aparcar en la zona reservada. Pero sin duda el accidente más desgraciado ocurrió en el festival Monsters of Rock en Castle Donnington en Inglaterra, 1988. En el cartel había grupos como Helloween, Megadeth, Kiss o Iron Maiden (Vaya conciertazo). A la salida en escena de Guns N' Roses una muchedumbre frenética de 100.000 personas se abalanzó hacia delante aplastando a dos fans. Al acabar la actuación se enteraron de que dos seguidores habían muerto.

Recordaréis la controvertida canción "One in a Million". Una canción que criticaba a los inmigrantes, homosexuales y a los policías; como consecuencia se vieron obligados a retirarse de un concierto en Nueva York contra el SIDA (normal). Gira por Estados Unidos con los Rolling Stones en septiembre de 1989. Axl anuncia su salida de la banda si no se arreglan "los problemas del grupo con las drogas" (hay que joderse, quién fué a hablar). Izzy, Slash y Duff inician una cura de desintoxicación. Todos lo consiguen, menos Steven Adler, que es expulsado de la banda.

Graban una versión del "Knockin' on Heaven's door", de Bob Dylan, como banda sonora de la película Días de Trueno (Days of Thunder) que tenía a Tom Cruise como protagonista. (Es lo único decente de semejante truño de película)

En febrero de ese año graves incidentes durante la actuación de la banda en San Louis, el show se retrasó dos horas y media, Axl decidió echar a varios periodistas provocando una pelea, más tarde en el escenario diría "Fuck You St. Louis!!!!" ("Os quiero, San Louis"). En los incidentes hubo varios heridos de gravedad, setenta detenidos y destrozos por valor de cientos de miles de dólares. El Tribunal del Estado de San Luis declara culpable a Axl Rose de provocar la alteración del orden público e incitación a la violencia. El 25 de julio en Carolina del Sur, sucedió algo similar, lo que terminó con una pelea espectacular con 60 heridos.

La siguiente escala sería en Argentina, en donde se pasearon desnudos por el hotel donde se alojaban. En Venezuela hicieron un megaconcierto al aire libre en el estacionamiento del "Poliedro de Caracas", ya que por cuestiones logísticas no podían albergar tanto publico dentro del recinto. En Chile, en el aeropuerto, Axl agredió a varios reporteros gráficos, y al concierto llegó con dos horas de retraso en estado de embriaguez, insultando al público que respondió lanzando botellas al escenario, por lo que el concierto se detuvo mientras tocaban"Civil War" pero luego de 40 minutos continuó. El concierto terminó con más de 50 detenidos y una menor de edad de 4 años muerta. En marzo gira por EEUU con Brian May Band de teloneros, nuevo incidentes esta vez en Sacramento donde Axl insultó al baterista de Metallica (mal bicho para meterte con él).

Aparece en el mercado en septiembre de 1993 un disco de covers punk, titulado "The Spaguetti Incident?". Este disco compuesto en su totalidad por versiones de otros grupos, y de una tendencia más cercana al Punk de los 70 que no obstante, no logra a alcanzar la popularidad de sus anteriores trabajos. Pero la teta no daba más leche...

Pinchamos varios temas de estos degenerados, pero si no suena más de una vez "Sweet child O' Mine", puedo tener problemas con Cris y Sonia.

AC DC

2009-04-27T17:13:00.001+02:00

A C / D C

Obviamente, uno de nuestros grupos favoritos.
Ya sabréis que se ha comentado de todo acerca del origen del nombre de la banda. Una versión es que en algunas culturas, "AC/DC" es un término de jerga para la bisexualidad. (Es la versión preferida de Mosky). Angel, sin embargo, afirma que AC/DC significa "Anti-Christ/Devil's Child " (Anticristo/Niños del demonio), "Anti-Christ/Devil Christ" (Anticristo/Cristo diabólico), "Anti Crist/Death to Crist" (Anticristo/Muerte a Cristo), "After Christ/Devil Comes" (Después de Cristo/Viene el demonio) y "Anti Christ/Devil Choice" (Anticristo/Elección del Diablo). Lamento decepcionaros, pero lo cierto es que Angus y Malcom Young vieron escrito AC/DC en la máquina de coser de su hermanita Margaret. Ya sabeis que esa sigla es la abreviación, en inglés, de "corriente alterna-corriente contínua", que indica que un dispositivo eléctrico, puede usarse con ambos tipos de tensión. Ciertamente, los hermanos Young nos ponen eléctricos. Fué un mazazo brutal la muerte en el 80 de Bon Scott (vaya borrachera !! ), ya que el escocés tenía un carisma descomunal, pero creo que acertaron contratando a Brian Johnson, hasta entonces vocalista de Geordie.
Pinchamos muchos temas de los eisidisi, pero la que nunca faltará es "Highway to Hell" (1979); nos pone berracos ese riff de guitarra que parecen cuchilladas y esa voz absolutamente única del llorado Bon Scott...ese sonido crudo, visceral, denso, con una letra que es toda una eclaración de principios sobre la vida en la carretera, la libertad, la transgresión...Sin duda, esta canción es la que define más verazmente el espíritu del heavy metal. Por cierto, Sonia, te aseguro que vivirla en directo es una experiencia que no olvidarás.